‘The Best of the Best’: Honoring the Magic, Guts, and Generational Talent of Cinematographer Harris Savides

_Este artículo es parte de la celebración de Indiewire._ 

Cuando el director de fotografía Bradford Young salía de la Universidad de Howard, habría hecho cualquier cosa para acercarse al set de. Finalmente encontró una manera de filmar imágenes detrás de escena para el director francés Fabian Barron, quien contrató a Savides para disparar a un comercial de fragancias de Armani en Hawai. Cuando Young llegó al bosque, con pozos de luz que corrían a través de los árboles, se confundió cuando volteó su cámara DV para capturar la escena.

"La modelo apareció en el set, y pensé: '¿Cómo va a encender su rostro?'", Recordó Young, quien no podía creer lo que sucedió después: Savides se acercó a la lodos en la mano y lo brilló el modelo. “Estaba completamente seguro con esta pequeña linterna en este set de un millón de dólares. Con mi ojo en el día, no entendía lo que estaba sucediendo, "¿Cómo está recibiendo exposición?" Y luego vi el comercial. Era ese asunto de la partícula de Dios que tenía Harris. y un misterio completo para observar ".

Había una sensación de magia en torno a lo que Savides podía hacer. Al hablar sobre lo que su director de fotografía estaba usando para iluminar una escena, el director David Fincher solía bromear: "No sé, Harris obtuvo un frasco de luciérnagas".

"Más allá del proceso técnico, siempre había algo más en la imagen que no podía dar cuenta, algo que era solo él", dijo el escritor/director Noah Baumbach a Indiewire. "Algo que supongo que llamamos genio".  

Antes de tripularse para Savides, comenzando en 1994 como cargador de cámara/segundo asistente y avanzar en las filas hasta 2012 en "The Bling Ring", cuando intervino para reemplazar a Savides, que estaba luchando contra un tumor cerebral que finalmente reclamaría Su vida a la temprana edad de 55 años. Durante casi dos décadas, Blauvelt tuvo un pase entre bastidores al genio de Savides y vio una larga línea de cineastas, como Young, tratando de acercarse a él.

“Lo curioso es que Harris era sobre la simplicidad. La gente vendría a prepararse para aprender, los directores lo contratarían para que aprenda de él. Harris se volvía hacia mí: "Oh, estos niños solo querían ir a la escuela Harris", dijo Blauvelt. "Y como soy el tipo que toma las notas como asistente de Harris, se me acercaron," ¿es todo? Solo hay una luz por la ventana. No hay nada adentro ". A menudo era muy simple, y mucha gente realmente pensaba que había algunos trucos locos, pero fue principalmente en la preparación y las pruebas y su talento innato".

Harris Savidesjason McCormick

La década de 1990 fue un momento en que, si Hollywood quisiera encontrar a los cineastas más innovadores, buscarían MTV, y Savides era el director de fotografía más buscado que trabajaba en videos musicales. Directores como Fincher y Mark Romanek lo contrataron para grabar videos para los músicos más grandes, Madonna misma insistiría en Savides cuando llegó el momento de filmar el suyo. No solo los directores y las estrellas fueron atraídos por las impresionantes imágenes, las que no se parecían a lo que cualquier otra persona estaba haciendo, sino que se sintieron atraídos por el propio Savides.

"Nunca había visto a un ser humano que se pareciera a él, era un tipo grande que tenía una presencia tan distinta sobre él", dijo Jason McCormick, quien, como Blauvelt, era un miembro dedicado de la tripulación unida de Savides Antes de convertirse en director de fotografía. "Tenía un aura, podría ser como el Padrino, pero no era un tipo duro. Creo que viniendo del Bronx, proveniente de padres inmigrantes, ahí es donde la verdad real de todo está ".

En un mundo de cinematografía que puede criar un elitismo de guante blanco, McCormick dijo que, en su corazón, Savides era un niño de la calle que se olvidó más sobre el arte y el cine de lo que la mayoría de los cineastas sabían. Savides, el único hijo de inmigrantes de Chipre, fue criado en el Bronx y fue enviado a la Escuela Militar cuando tuvo problemas para que actuaran, pero también fue un completo nerd de arte que estudió fotografía en Europa y la Escuela de Artes Visuales en Manhattan.

El director Gus Van Sant, quien era uno de los colaboradores más cercanos de Savides, le dijo a Indiewire que un gran aspecto de su vínculo y amistad era un conocimiento profundo y un amor compartido por el mundo del arte y el cine europeo de los años sesenta y setenta que crecieron en Nueva York Ciudad. Es una pasión que conduciría a largas conversaciones que se derramaron para establecer, donde alimentaría el deseo de los dos hombres de jugar y experimentar.

"Fue un baile constante entre intelectualización y técnica y solo pura creatividad infantil, la armonía entre ellos es tan rara en un director de fotografía", dijo McCormick. “A pesar de todo su talento, lo que aprendí de Harris es que se trataba de la energía, su entusiasmo y el juego. Tan grande como era, tan imponente e intenso como pudo ser, todavía había una ligereza en su energía. Creó un entorno en el que sentiste que algo especial estaba a punto de suceder en el set ”.

Era una energía Sofía Coppola necesitaba desesperadamente una película que estaba llena de demandas técnicas y logísticas, y de presiones financieras que le pusieron a volar. Se quemó en querer seguir siendo cineasta antes de hacer "Somewhere" (2010) con Savides.

"Hasta que conocí a Harris, quien me hizo amarlo de nuevo", dijo Coppola. “Me encantó trabajar con Harris, todos lo hicieron, me recordó el arte y la poesía del cine, lo que amamos de él y olvidar todas las cosas que pueden hacer que no sean divertidas. No tenía un ego, estaba allí por la diversión y el amor de hacer algo hermoso y emocional. Algunas de las mejores experiencias de mi vida fueron estar en el set con Harris ".

Harris Savides y Sofía Coppola disparando "Somewhere’franco Biciocchi/American Zoetrope/Kobal/Rex/Shutterstock

De la docena de personas entrevistadas para este artículo, la analogía más común para el proceso de Savides fue la de un chef de estrellas Michelin. La capacidad de crear una textura, color y un aspecto a medida de cada película proviene de encontrar la combinación correcta de ingredientes. Similar a otros cinematógrafos, esto vino de hacer pruebas.

"Harris fue la única persona que he conocido, y probablemente lo sabré, que tuvo más de una semana y medio de pruebas antes de hacer un comercial o video", dijo Blauvelt. "Y eso es porque había personas realmente inteligentes, como Mark Romanek y David Fincher, que querían dejar que Harris hiciera lo suyo y lo encontrara. Harris fue tal vez una anomalía en la voluntad sin vergüenza para encontrar algo nuevo cada vez ".

La comprensión de Savides del proceso fotoquímico de filmar el stock de películas de celuloide, cómo desarrollarlo, hasta qué punto podría empujarlo y lo que podría sacar de él, fue inigualable. Tome una película como "Elephant" de Van Sant, una que adaptó un naturalismo extremo, renunciando a la iluminación mientras la cámara siguió a los artistas adolescentes por primera vez alrededor de una escuela secundaria real, moviéndose entre interiores y al aire libre en largas y ininterrumpidas tomas de estadía. Es el tipo de película que la mayoría de los cinematógrafos sentirían era limitado, más allá del movimiento y la composición, en cómo podrían dar forma a un aspecto. Y, sin embargo, los colores y texturas en "elefante" hacen que lo ordinario se vea extraordinario.

"Lo primero en lo que pienso con el trabajo de Harris es la forma en que usa el color", dijo James Laxton, quien se inspiró en los Savides como director de fotografía. "Pienso en una película como" Elephant ", casi lo llamaría saturado, hay casi un pop, pero el tono de esa película no es ese. Ese tipo de perspectivas contrastantes de usar el color de formas que no son tradicionales. Hay una elegancia en su trabajo, un toque ligero, alguien cuyo trabajo no estaba tratando de manipular la escena o el medio ambiente, sino que estaba causando este poderoso impacto ".

‘Elephant’ © Fine Line Características/Cortesía de Everett Collection

Para crear la paleta "Elefante", Savides filmó en stock de películas extremadamente planas, 500T 5263. Su bajo contraste había sido diseñado específicamente para la televisión japonesa, y Kodak lo estaba suspendiendo porque nadie lo sabía, y mucho menos lo usaba. Luego imprimió las impresiones finales a la nueva stock de primera y contrastia de Kodak, cuya combinación le dio a la película lo que Savides llamó "un chicle" calidad.

El desarrollo de Kodak de la Premier Stock fue parte de una tendencia hacia una imagen más nítida. A medida que Kodak comenzó a competir con una alta definición, y la industria continuaba alcanzando una mirada contrastante y vívida, Savides habría a Blauvelt en el teléfono de todo el mundo cazando lentes viejas (diez a 20 años antes de que estuviera de moda) intentando intencionalmente Para traer aberraciones a la imagen para romper la nitidez de la cinematografía moderna.

"Siempre se estaba enojando con Kodak por hacer que su película se viera demasiado aguda y demasiado colorida, fue una batalla constante", dijo Blauvelt. “Las películas de las que siempre haría referencia son de las que todavía hablamos, Bresson, Ozu, Kurosawa, cualquier cosa filmada por Gordon Willis. Tenía un amor y un romanticismo sobre la forma en que las películas solían verse ".

La estética de Savides era alcanzar un negativo mucho más bajo en contraste, que, como en "elefante", sabía que podía controlar mejor en el proceso de impresión, pero también por los blancos más cremosos y los negros más leche que producía. Intentaría disparar todo con la aperatura de par en par, para obtener una imagen menos nítida: salvar la diferencia entre lo que sucedió con los negros entre un 2.8 y 5.6 f-stop fue todo.

"Se trata puramente de evocar la sensación", sobre por qué le gustaba disparar de par en par. "Lo que se siente mejor es esa cremosidad, esa suavidad, es una imagen más soñadora mientras miras, solo te aleja un poco de la realidad y más en tu mente".

Según los directores con los que trabajó, es lo que más les encantó: la capacidad de Savides para tomar una sensación abstracta o una atmósfera y hacerlo tangible en las imágenes.

"Margot at the Wedding" © Paramount Classics/Cortesy Everett Collection

"Le dije a Harris que quería que el aspecto de" Margot en la boda "se sintiera como el final de un día dentro de una casa de campo donde la luz se había desvanecido, pero nadie había pensado que encendiera una luz", dijo Baumbach. "Las pruebas que disparamos posteriormente a Nicole[Niño]y Jennifer[Jason Leigh] with only available light contained a lived-in beauty, not only inside the scene, but in the celluloid itself that gave me an immediate hit of emotion.”

Cómo los Savides lograron el gris específico de "Margot" es instructivo de uno de los principios básicos de su proceso de prueba: empujar más allá de los límites, luego retroceder hacia el borde. "Realmente nos meteríamos con el stock de películas, como si realmente nos caguemos tanto como sea posible, y luego lo llevaríamos al telecino para encontrar el punto de ruptura", dijo Blauvelt.

McCormick siempre vio una rebelión antiautoritaria en Savides, sean cuales sean las reglas, mientras que la naturaleza de la mayoría de los DPS era tender a permanecer dentro de la zona de seguridad, Savides predicaría: "Si no tienes miedo, no lo estás haciendo. bien."

"Utilizamos estas lentes que se hicieron en los años 30, las lentes Balthar originales", dijo Blauvelt de "Margot". “Si los mirabas con el ojo, era verde, amarillo, confuso, parecían ceniceros. Estaban tan desordenados, y luego estábamos prefabricando nuestra película en el laboratorio, tirando de nuestra película[en el laboratorio], y estaba subexpuesto por algo loco como cuatro paradas ".

Mientras disparaba, la lente del héroe se desmoronó mientras se enfocaban, el monte se mantuvo unido a la cámara y el barril cayó al suelo. "Entonces, un día, justo después, Harris recibió una llamada del estudio y tuvieron un ataque de pánico", recordó Blauvelt. “El jefe del estudio le dijo:‘ Harris, solo necesito escucharlo de ti, ¿está bien? Tengo a Nicole Kidman en esta película, y no puedo ver su rostro ". Harris dijo:" Chris, creo que podríamos haber ido demasiado lejos ".

En la forma típica de Savides, solo un poco más tarde en el proceso de lo normal, había empujado más allá del punto de ruptura, y luego retiró sutilmente (Blauvelt cree que era solo una única) para encontrar dónde podía sentarse en el borde.

"No me di cuenta de lo nervioso que todo esto lo puso hasta que Sam Levy[Otro de los miembros de la tripulación de confianza de Savides que se convirtieron en director de fotografía]Más tarde me dijo que Harris lo llamaría y decía: "No hagas lo que estoy haciendo, es demasiado loco". Y algo así fue ", dijo Baumbach. "Hubo muchas inconsistencias inexplicables en el enfoque y la textura, pero no me importó porque tenía mucha fe en él y la imagen era tan viva y hermosa".

‘Birth’ © New Line Cinema/Cortesía de Everett Collection

"Margot" no fue la primera vez que Savides recibió una llamada del estudio o un productor, y en realidad fue uno de los menos amenazantes, su trabajo a menudo estaría en juego debido a lo lejos que empujaría las cosas. Ese fue el caso de "Nacimiento", que para crear la textura cremosa etérea para la historia de semi-fantasma del director Jonathan Glazer, Savides subexponiría lo negativo por dos paradas, y luego la tiró por dos paradas en el desarrollo (algo que Savides de Savides tontos , Iniciado por un joven Jody Lee Lipes).

"Los márgenes eran muy estrechos, pero una vez que vimos la promesa de esas primeras pruebas de cámara, esa luminosidad, salimos todo", dijo Glazer.

Los poderes que no se vieron así. Mirando las tomas individuales en los diarios, parecía demasiado oscuro. Aunque Savides sabían obtener el efecto de lo que él y Glazer buscaban, necesitarían ver el metraje unido.

"Estaba a punto de ser despedido del" nacimiento ", 100 por ciento cierto. Estaban tropezando con lo delgado que era el negativo ", dijo McCormick, confiando en una de las historias de guerra favoritas de Savides. “Hubo una proyección, se mostró la forma en que se pretendía, y todos estaban en la habitación. Y cuando lo vieron, dijo que podías escuchar la respiración escapar de las personas. Terminó y se volvieron y dijeron: "Sigue haciendo lo que estás haciendo".

A McCormick le encanta esta historia, porque habla de la integridad de Savides como artista, que era más una cuestión de carácter que habilidad. La dedicación al arte y la historia sobre todo nosotros, y la fe de que si haces eso, el trabajo en sí tendrá integridad.

"Me demostró que el tipo de textural y espiritual que me gustaban en las imágenes que estaba haciendo tenía un lugar en la cultura mayoritaria", dijo Young. "Que puede subexponer una película por cuántas paradas y aún se puede ver en el teatro y que la gente respetará eso y comprenderá que es parte de la narración de historias. Eso significa mucho para mí. El "nacimiento" fue el comienzo para mí, ni siquiera estaba en la moda del trabajo de Harris, pero una vez que vi que volví y vi todo lo que hizo y me mantuve en sintonía con él ".

En la era digital, más cinematógrafos, especialmente jóvenes y en películas de Fincher, han explorado hacer películas en el extremo inferior de la exposición, a menudo denominado el dedo del pie de la imagen, donde las cámaras digitales pueden cavar más detalles que el stock de películas, Y los cinematógrafos pueden verificarse dos veces al ver qué información/datos se están capturando en la forma de onda digital. Pero ese no era el caso en los años 90 y 2000 cuando Savides lo hacía.

"En los años 90, cuando él era el tipo de cada DP, cada director estaba persiguiendo, creo que debido a que estaba tirando de la película y subexpiciendo, viviendo en la capa inferior de la película, ese es un lugar que nadie fue. Así que estaba creando una mirada que la gente ni siquiera podía descubrir cómo llegar ", dijo Blauvelt.

‘Gerry’thinkfilm Inc. Cortesía: Everett Collection.

Van Sant, quien conoció a Savides en el comercial de un Levi, cree que los antecedentes del director de fotografía en parte formaron su naturaleza experimental. La transición de Savides no solo fue de fotógrafo a director de fotografía un camino poco convencional, sino que en comerciales y videos musicales recompensa la toma de riesgos y los golpes audaces de una manera que la realización de movimientos no lo hace.

"Tal vez no hubiera sido así si hubiera sido un purista de cine, ya conoces a alguien que no grabó comerciales o videos musicales", dijo Van Sant. "Podría haber sido diferente porque creo que realmente le gustaron todas las diferentes cosas que podías hacer. Y yo también lo hice ".

Cuando Van Sant fue a hacer "Gerry", el primero de una trilogía de películas llamadas "La trilogía de la muerte", estaba tratando activamente de subvertir las reglas del cine estadounidense. Es un viaje en el que Savides fue el copiloto perfecto. Con "Gerry", Van Sant y Savides estaban buscando específicamente el cine lento y largo de la directora húngara Bela Tarr "Sátánnángó". Al trabajar en un esquema en el que cada escena se redujo a una oración, la película sería improvisada y descubierta durante todo el proceso con los actores Matt Damon y Casey Affleck, pero filmando en tiros de larga data donde el equipo de Savides tendría 1,500 pies de Dolly Track a Se acuesta en el desierto del valle de la muerte.

Gus Van Sant, Harris Savides y Crewjason McCormick

"Gus y Harris eran como dos niños pequeños, realmente entusiasmados con todo", dijo Blauvelt sobre el rodaje que tuvo lugar en la temperatura de 120 grados. "Fue una de las experiencias más especiales de mi vida".

Mirando, lo que sobresale es cuán absurdamente tranquilo está considerando las tomas elaboradas, perseguir la luz solar, trabajar a temperaturas de 120 grados y la combinación de improvisación y tragos de seguimiento que requirieron cientos de pies de pista de Dolly.

"Creo que tal vez la razón por la que a él y a mí nos gusta trabajar juntos fue porque nos gusta estar tranquilos", dijo Van Sant. "Es la única forma en que puedes convertir un centavo en el último momento antes de que algo se ponga en piedra".

En la trilogía de la muerte, Savides demostró ser el colaborador perfecto por exactamente esa razón, retrocediendo cuando estaban al borde de cometer un error y ayudar a Van Sant a reinventar el lenguaje de la película. En "Elephant", el director estaba convencido de que una lente de 8 mm súper ancho sería la forma de capturar la naturaleza de observación de la cámara, pero después de observar los diarios del primer día fue Savides quien pudo sentir la conexión con la humanidad de los personajes jóvenes. estar perdido.

En "Last Days", el director y director de fotografía planearon continuar la cámara en constante movimiento de "Gerry" y "Elephant", solo para llegar a la casa que sería la ubicación principal de la película y descubrir que no podía acomodar el movimiento de la cámara. Juntos, giraron para adaptar el enfoque de Chantal Akerman (otra gran influencia en la trilogía de la muerte) de una cámara estática, colocada a una altura constante para cada toma, y ​​dejando que cada escena se desarrolle en una composición establecida que no se ajustaba a los personajes .

En el libro "Nuevos cinematógrafos", Savides describió disparar a "Gerry" como "un despertar" para él como artista. “La historia se prestaba a este enfoque simplista, pero era tan hermosa y pura. Había una historia y había algún tipo de subtexto y paradoja ”, dijo Savides. "De repente, fue como," Dios, así es como tienes que abordar cada película ". Ha cambiado la forma en que trabajo en películas. Ha cambiado toda mi perspectiva ".

'Zodíaco'

Cuando Fincher le pidió a Savides que disparara a "Zodiac", los dos colaboradores de mucho tiempo provenían de direcciones diametralmente opuestas en sus carreras, y la sesión desafiante sería su última película juntos. El impulso de Fincher para Digital sería el comienzo de su creación de un flujo de trabajo en el que podría ejercer un control aún mayor sobre la imagen, mientras que Savides salía de su nueva sensación de liberación trabajando con Van Sant.

The digital camera technology, the Thompson ViperCam, in Savides mind’ (and many others) wasn’t ready for a major motion picture. It had significant limitations, not the least of which was the crazy way it would suck up any green in the image, the excessive digital noise it created, and its inability to handle bright highlights. Whereas Fincher was happy to embrace a digital hyper-reality for a story adhering to the strict factual details of the hunt for the Zodiac killer, it was the antithesis of Savides’ creamy, dreamy, soft aesthetic. At the same time, Fincher likely knew if there was anyone who could crack the code, it was Savides.

“Harris lo tomó como un desafío, sé que de hecho, porque estábamos allí probando, probando y probando durante tres meses seguidos. Definitivamente hubo días en los que dijo: "Esta cosa es un pedazo de mierda, lo odio", dijo Blauvelt. "Y finalmente estábamos en un teatro un día con Fincher y todos estuvieron de acuerdo, esto puede verse bien".

Es difícil capturar completamente cómo monumentales lo que Savides y Fincher lograron con "Zodiac", que hasta el día de hoy no muestra evidencia de las limitaciones de la víbora, ya que ha producido un aspecto distinto que cambiaría el cine. Paul Cameron, quien filmó "colateral", la otra innovadora película digital de Hollywood de la época, había luchado con la Viper.

"Cuando vi" Zodiac ", llamé a Harris de inmediato. Estaba como, ‘Jesús, intentamos usar esa cámara en algunas escenas y era la cámara equivocada. Has creado este increíble paisaje visual con esta cámara que era tan única y tan característica ", dijo Cameron. “Verdaderamente para mí el Viper y
"Zodiac" era un paisaje de color diferente que nunca había visto en la película antes. Y ese es el sentido innato de Harris sobre cómo utilizar los aspectos destacados y discutir aspectos idiosincrásicos de la víbora, y controlarlos como un animal pequeño ".

Cuando el fotógrafo Gregory Crewdson, cuyos cuadros intrincadamente escenificados tienen una cualidad claramente cinematográfica que ha inspirado a varios cineastas, incluido Fincher, vio "Zodiac" que estaba terminando "debajo de las rosas", una serie de fotografía de ocho años en la que comenzó a hacer La transición al mismo digital.

“When I first saw it, I remember being incredibly moved by it, but also jealous,” said Crewdson. “It’s the first movie I feel that really convincingly used digital in a considered way. That iconography of driving through a suburban street and peering through windows, but with that whole new kind of foreboding. I really feel strongly that we had never seen that kind of sensibility before, certainly not from Fincher. I love all Fincher’s films, but that felt really new.”

McCormick believes it took the ying-and-yang of Fincher and Savides, constantly bumping up against one another, and pushing each other, that resulted in the miracle that was “Zodiac.” Crewdson agrees.

"Fincher también es un genio técnico, entre los dos resolvieron el problema, y ​​creo que cambió el juego", dijo Crewdson. "No se puede ver una serie de televisión limitada sin pensar en esa película, no es que casi se acerque a ninguna.[que "zodiaco"]logrado, pero es muy influyente ".

Harris Savidesjason McCormick

Más allá del impacto duradero de la estética digital "zodiaco", y el increíble cuerpo de trabajo que inspiró a una generación de cineastas, como Laxton y Young, es difícil identificar la influencia duradera que los Savides tuvieron. En muchos sentidos, su inoportuna muerte dejó un agujero del tamaño de Harris en el mundo del cine. Era un talento único que algunos cineastas cometen el error de tratar de imitar.

“En términos de talento, para mí, él fue el mejor de lo mejor. Incluso hoy podría decir que es lo mejor de lo mejor, ¿dónde más tienes esa gama de películas, desde independientes hasta películas de estudios ", dijo el director de fotografía Phillippe Le Sourd, quien era amigo de Savides. "Cualquiera puede hacer que una imagen sea más oscura, no hay magia en eso. La magia es el talento. Es como se podría decir, está bien, "¿Quién es después de Caravaggio?" Nadie, había un Caravaggio. Eso es todo."

En las últimas semanas de la vida de Savides, el tumor comenzó a obtener lo mejor de él, y tenía brechas en su memoria. Cuando Coppola vino a visitarlo, estaba a punto de disparar un comercial y le preguntó a Savides con quién debería contratar. Savides lo sabía instantáneamente, pero el nombre lo escapó. La envió a su escritorio para recuperar un Polaroid Le Sourd que les había roto la última vez que estaban juntos. Señaló la foto, diciéndole "el francés".

En el año posterior a su muerte, cuatro películas se dedicarían a la memoria de Savides. Blauvelt recogería las riendas en "The Bling Ring", y Levy ejecutaría el plan que él, Savides, Baumbach y Greta Gerwig diseñaron para "Frances Ha".

Y Coppola rastrearía a Le Sourd desde la foto. Los dos han trabajado juntos desde entonces.