No hace falta decir que la música cinematográfica ha recorrido un largo camino en los últimos 100 años más o menos, pero las primeras dos décadas del siglo XXI han sido un tiempo extraordinariamente activo y evolutivo para los puntajes de películas. Sin descartar los logros audaces y formativos de los viejos maestros como Bernard Hermann y Toru Takemitsu, es justo decir que el surgimiento del cine independiente y el desafío de la era digital han provocado un verdadero cambio de paradigma en la forma en que pensamos sobre el acompañamiento musical.
Los músicos de rock y vanguardistas como Jonny Greenwood y Mica Levi han utilizado proyectos narrativos como inspiración para explorar nuevas facetas de su genio, mientras que los compositores más tradicionales como Alexandre Desplat y Carter Burwell han aumentado el desafío al ofrecer el trabajo más hermoso de sus carreras. De hecho, algunos de los mejores puntajes de películas en la memoria reciente (incluido el que está al final de esta lista) no reinventan la rueda tanto como lo perfeccionan.
Al determinar los 40 mejores puntajes de películas del siglo XXI, inevitablemente hemos tenido que luchar con lo que realmente significa la grandeza cuando se trata de música de cine original. ¿Está una gran puntuación determinada por el poder y la indelibilidad de la música por sí solo, o la única métrica legítima ser cómo esa música sirve a la película para la que fue escrita? Para nosotros, la respuesta fue un poco de ambos. Por un lado, nunca hay un mal momento para aparecer en el puntaje de Dario Marianelli de "Jane Eyre". Por otro lado, las contribuciones de OneOhtrix Point nunca al "buen tiempo" no son exactamente fácil de escuchar, pero es imposible imaginar esa película sin ellos.
Aquí están los 40 mejores puntajes del siglo XXI de Indiewire.
Christian Blauvelt, Jude Dry, Eric Kohn, Ryan Lattanzio, Jenna Marotta, Noel Murray y Michael Nordine contribuyeron a esta lista. _[Nota del editor: El siguiente artículo se publicó originalmente el 4 de febrero de 2018_._Se ha actualizado y expandido varias veces desde entonces.]_
40."La infancia de un líder" (Scott Walker)
"La infancia de un líder" podría establecerse en 1918, pero seguro que suena muy parecido a 2016. Escrito por Art Pop God Scott Walker, la partitura para el debut como director de Brady Corbet comienza con 17 segundos de una orquesta que se ajusta, como advirtiéndole que se prepare para lo que vendrá. Y cuando las primeras cepas de los acompañamientos en pánico de Walker cortan la banda sonora como Penderecki que tiene un ataque al corazón, las cuerdas cortan las imágenes de archivo de las tropas de la Primera Guerra Mundial que marchan en formación mortal, te alegrará la advertencia.
La desconcertante película de Corbet es una mirada problemática dentro de las experiencias formativas de un niño con un futuro oscuro. Pero en lugar de pintar un retrato reductivo en el que cada psicosis de adultos se remonta claramente a un trauma infantil, el director depende de la partitura de Walker para articular la ira que fomenta dentro de su protagonista del tamaño de una pinta. La música cobra por la confianza autoritaria: en una sola pieza, una violenta insurgencia de cuerdas se estrella contra una balaustrada de las trompetas de guerra. En otro, el Ratatat de una imprenta asume un ritmo militarista con el que puedes bailar. Cada breve respiro que Walker escribe en esta pesadilla sonora está destinada a llevar a los oyentes a una falsa sensación de seguridad, destinada a relajarnos para que podamos sentir cuando los pelos en la parte posterior de nuestro cuello vuelven a ser rígidos._—DE_
39."Black Panther" (Ludwig Göransson)
El colaborador frecuente de Ryan Coogler, Ludwig Göransson, pasó un mes en África estudiando música tradicional antes de compusir una nota de su partitura para la película de Marvel. Debido a que la nación ficticia de Wakanda nunca había tenido contacto con el mundo occidental, tenía mucho cuidado para asegurarse de que la música a la que hizo referencia anterior a la colonización europea. Grabó muchos ritmos de batería senegalés para formar la "base" de su puntaje, antes de colocar sus propias composiciones orquestales en la parte superior. El resultado fue posiblemente la partitura cinematográfica más audaz que el universo cinematográfico de Marvel ha visto hasta ahora, combinando música africana auténtica con el propio dominio técnico de Göransson de una manera que complementó la innovadora película de Coogler sin eclipsarla. _—Cz_
38."Up" (Michael Giacchino)
El puntaje "UP" de Michael Giacchino es mejor recordado para "la vida matrimonial". La pieza dulce y gentil se usa para un efecto completamente devastador en la secuencia de apertura de la película, la banda sonora del romance de toda la vida y los días finales del personaje principal Carl y su amada Ellie con el sonido de los violines reconfortantes. A lo largo de la película, toda la partitura es un poco como "vida matrimonial"; Evocador sin ser pesado, dulce pero no demasiado azucarado. La música es anticuada, evoca un ambiente decididamente retro de los años 50, y se basa en un vals introducido en las primeras escenas que reaparece en momentos clave en la aventura de Carl. Es música perfecta para una película sobre un perro viejo que aprende nuevos trucos._-WC_
37."Steve Jobs" (Daniel Pemberton)
En lugar de hacer una película biográfica convencional del legendario ejecutivo de Apple, Aaron Sorkin y Danny Boyle dividieron a "Steve Jobs" en tres escenas largas, cada una tiene lugar detrás del escenario antes de un lanzamiento de productos influyente. El primero es el Apple Macintosh original en 1984, seguido de la próxima computadora de la próxima computadora en 1988, y finalmente el iMac diez años después, cuando Jobs había regresado a Apple. El dispositivo narrativo ilustra cuánto trabajo y el mundo cambiaron a lo largo de su carrera de décadas en el ápice de los negocios estadounidenses. La partitura de Daniel Pemberton también abarca este formato, utilizando un estilo de música distinto para cada escena. Para el primer lanzamiento, utiliza sintetizadores analógicos, un recordatorio sutil de cuán rudimentaria era la industria de la tecnología en ese momento. Para el próximo lanzamiento, utiliza una puntuación más orquestal, que resaltó el valor de producción cada vez más elaborado del lanzamiento de un producto Steve Jobs. Finalmente, la película termina con una partitura que es completamente digital, al igual que el mundo en el que tiene lugar. "Steve Jobs" es uno de los mejores ejemplos en la memoria reciente de un compositor que trabaja dentro de la estructura dramática creada por su guionista. _—Cz_
36."Howl’s Moving Castle" (Joe Hisaishi)
"Howl’s Momo Castle" es una de las películas más complejas del cofundador de Studio Ghibli, Hayao Miyazaki, una fantasía surrealista que funciona como una declaración contra la guerra, sobre una mujer joven que usa su ingenio y coraje para navegar por un mundo donde los magos caprichosos alteran la realidad por capricho. El puntaje de Joe Hisaishi es adecuadamente ecléctico, desde los espeluznantes hasta los emocionantes, con una buena cantidad de percusión marcial y más de unos pocos momentos que no sonarían fuera de lugar en una antigua aventura de acción de Hollywood. Pero al igual que las otras bandas sonoras de Hisaishi, lo que hace que "Howl’s Moving Castle" sea tan efectivo son los momentos silenciosamente líricos, donde las cuerdas y los vientos de madera se hinchan suavemente en concierto, transmitiendo la melodía y la angustia del personaje central. Ese sonido también resiste la canción de la película que se convirtió en un éxito, "Merry-Go-Round of Life", un título que describe acertadamente la estética de Hisaishi._-NUEVO MÉJICO_
35."Cloud Atlas" (Tom Tykwer, Johnny Klimek, Reinhold Heil)
Es difícil imaginar una tarea más desalentadora para los cineastas que adaptar "Cloud Atlas". La extensa novela de David Mitchell sigue a una multitud de personajes de todo el mundo durante varios siglos, y las conexiones entre las historias no siempre son evidentes. Wachowskis y Tom Tykwer sacaron todas las paradas para hacer que la novela funcione en la pantalla grande, comenzando con la ingeniosa decisión de que los actores desempeñen múltiples roles para enfatizar los temas compartidos. Esta filosofía se extendió a la música de la película, con la partitura elaborada que contiene elementos de muchos estilos musicales mundiales, siempre coincidiendo con la era de la historia actual mientras conecta las viñetas con motivos consistentes. La música suena como algo arrancado de la conciencia compartida de la humanidad, al igual que la película misma. _—Cz_
34."Belle" (Rachel Portman)
La puntuación de Rachel Portman pesada para la emocionante pieza del período de Amma Asante se hace eco de su plomo homónimo en estilo y estructura: anticuada y encantadora, sorprendentemente fuerte y altísima. La película de Asante sigue a Dido Elizabeth Belle de Gugu Mbatha-Raw mientras intenta entrar en su cuenta, a pesar de las opresiones de Gran Bretaña del siglo XVIII y su estado de extraños debido a su herencia de raza mixta. La existencia de Belle es aparentemente una de las altas estándares de la sociedad, dando a Portman espacio para trabajar en cuerdas y bosques más tradicionales, pero a medida que lidia con la sensación de que todavía no pertenece del todo_y_Se enamora de un hombre con el que podría nunca poder estar, da paso a tonos más fuertes y más notas de carreras. Una historia tan completa para rastrear es seguramente un regalo para cualquier compositor, y Portman no desperdicia una nota, lo que hace que la "Belle" anotara un asunto de espectro completo que parece encantadoramente apropiado para la época y genuinamente avanzado en su maquillaje, al igual que la heroína que intenta convertirse en una canción._-U_
33."Tenet" (Ludwig Göransson)
Debido a un conflicto de programación, Christopher Nolan no pudo trabajar con su colaborador Hans Zimmer de larga data en el puntaje para su éxito de éxitos de acción "Tenet" de acción mental y que dobla el tiempo ". El cambio al compositor Ludwig Göransson afectó la textura general de la película, y tal vez para mejor, dado lo impresionante que es el producto terminado. La música de Göransson le da a Nolan mucho de lo que generalmente le gusta: disonancia, drones, repetición e grandes y en auge interjecciones de ruido. Pero sus pistas de "Tenet" también incluyen muchos lavados y bucles de sintetizadores, lo que refleja tanto las raíces de ciencia ficción de la historia de Nolan como su visión única de cómo podrían funcionar las anomalías temporales. Este puntaje puede estar con el "Blade Runner" de Vangelis, "Tron" de Wendy Carlos, "Akira" de Geinō Yamashirogumi, y, sí, "Incepción" de Hans Zimmer, por cómo evoca una realidad alternativa increíble._-NUEVO MÉJICO_
32."Rurr" (y. Kiravani)
En cuanto a la música, "RRR" es mejor conocido por "Naatu Naatu", el número de telegur de Hell AS Hell Telegu que merecidamente se llevó a casa una victoria en el Oscar durante la ceremonia 2022. Pero más allá del fenómeno cultural del éxito de la película, la partitura "RRR" sigue siendo un gran todos los tiempos. M.M. Keeravani escribió la música para todas las canciones en la película, que van desde números de baile frenético como "Naatu Naatu" hasta baladas épicas como "Dosti". Y la música de fondo tampoco se queda atrás, con sitars de ensueño y tambores populares que se usan en pistas como "arrestan that B" para obtener las carreras de pulso. "RRR" tiene la partitura de una película de su naturaleza merece; Es realmente épico._-WC_
31."Deja el correcto" (Johan Söderqvist)
Muchos puntajes de películas se destacan porque proporcionan el equivalente musical de lo que el público está viendo en la pantalla, lo que hace que el efecto general sea más intenso. Otros tienen éxito porque invocan algo muy diferente de las imágenes en el marco, con las emociones aparentemente conflictivas se convierten en algo más grande que la suma de sus partes. La puntuación de Johan Söderqvist para "Let the Right One In" está firmemente en la última categoría, enfatizando los elementos más cálidos y románticos de la historia a pesar de las imágenes a veces horribles en la pantalla. La película de Tomas Alfredson es amada por su capacidad para combinar el horror de los vampiros con el drama humano, una tarea que hubiera sido imposible sin la elegante música de Söderqvist. _—Cz_
30."Atrápame si puedes" (John Williams)
El guión que condujo a la vigésima colaboración entre el director Steven Spielberg y el compositor John Williams no presentaba enemigo amenazante, como un tiburón o un tirano SS. "Catch Me If You Can" se trata de un talentoso cable Frank Abagnale Jr. (Leonardo DiCaprio), apenas fuera de la infancia, y ser colocado por un agente del FBI (Tom Hanks) que empiece a gustar (el sentimiento probablemente fue mutuo: Abagnale Jr. finalmente fue a trabajar para el gobierno federal). En el comentario detrás de escena, Williams describió su puntaje inflexionado por el jazz como "una especie de bonbón ... es ligero, es divertido y entretenido". Muchos ritmos fallan ligeramente, tan difíciles de aprovechar como el intrépido neoyorquino que hizo millones de hechos como médico, piloto, abogado. Las melodías de Williams son un envío de coqueteo con desastre, por lo que obtuvo su 42º de 50 nominaciones al Oscar hasta la fecha._—Jm_
29."Si Beale Street pudiera hablar" (Nicholas Britell)
Nicholas Britell puede ser una sensación de Internet en 2022 por su tema icónico y de "sucesión" de tiktok-ified, pero algunos de sus trabajos más profundos y de búsqueda han sido con el cineasta Barry Jenkins. Britell obtuvo correctamente su segunda nominación al Oscar (la primera ser para "Moonlight" en 2017) en 2019 para "If Beale Street podría hablar", la adaptación romántica del drama de Jenkins de la novela de James Baldwin, y la música irradia con tactilidad el bullicio del vecindario de Harlem de 1970, la película Pivot On. La banda sonora es quejumbrosa, melancólica, pero también alegre, los cuernos y cuerdas crescendo y reverberan en las mismas corrientes de Tish (Kiki Layne) y el romance con cargos eléctricamente cargados de Fonny (Stephan James). El Whoosh y Clangor de latón, cuernos, Miles Davis, John Coltrane, Nina Simone y más llevan esta película a su destino final._—RL_
28."The Hours" (Philip Glass)
Sería difícil encontrar un compositor contemporáneo más adecuado para anotar una película sobre Virginia Woolf que Philip Glass. Ambos pioneros de la vanguardia, la prosa de Woolf a veces puede ser tan opaca como las composiciones cíclicas de Glass. Donde Woolf encontró la vida en las banalidades de la vida diaria, el vidrio encuentra belleza de la repetición. Ambos artistas dejan una impronta indeleble en el lector o el oyente. Irónicamente, el puntaje de "The Hours" de Stephen Daldry representa algunos de los trabajos más accesibles de Glass, favoreciendo melodías delicadas sobre las cacofonías de dronización. Cada estribillo se convierte en una cascada de ideas, una representación musical del interior de la mente problemática y brillante de Woolf. _—JD_
27."Little Women" (Alexandre Desplat)
Hacer que un cuarteto de cuerda suene como un globo de nieve que es tan hermoso cuando es temblar como cuando se está asentando, la puntuación de Alexandre Desplat para "Little Women" es tan exuberante y viva como la adaptación de Greta Gerwig; Se siente como nada menos que la música que está tarareando en la cabeza de Jo mientras corre de regreso a casa al vender su primera historia, o disfruta melancólicamente su último día en la playa con su enfermo hermana menor.
Batgados de cuatro partes separadas de una manera que simboliza ampliamente a las chicas de March, la suite de Desplat es un asalto total a la costura que hemos llegado a asociar con dramas de disfraces. El compositor ha identificado correctamente que la película de Gerwig "no es la historia de un escritor", sino más bien "una historia que se está escribiendo", y sus valientes cuerdas y orquestaciones ballet transmiten la energía desenfrenada de una vida en movimiento (hay una razón por la cual Gerwig amplió el puntaje casi cada momento de la película). Pero las mejores pistas de Desplat, como la película en sí, en última instancia, regresan al tema simple de piano que las suscribe a todas, una melodía que duele con amor y anhelo en igual medida; La sensación de aferrarse a algo que ya se ha ido para siempre. Hay cualquier cantidad de Oscar que "Little Women" merecían ganar, y esta fue definitivamente una de ellas._—DE_
26."Conducir mi creación" (A-Ko Ishibashi)
El compositor experimental japonés Eiko Ishibashi tiene una oferta alternativamente genial, lánguida y jazz para la triste ganadora de la Mejor Película de Ryusuke Hamaguchi sobre un director de teatro que monta una adaptación de Chekhov para procesar la muerte de su esposa. La banda sonora, con sus notas de piano, el bajo, el desapego fresco y el estribillo caótico ocasional se sienten muy parecidos a un viaje nocturno a lo largo de una carretera abierta en un saab rojo con el techo de la luna abierto. La búsqueda de "Kafuku", con platillos estrellados y estribillo de piano infecciosamente triste, es el destacado del álbum y puede ser fácilmente separado para la película como una banda sonora de momentos de contemplación tranquila sobre la soledad._—RL_
25."Mudbound" (Tamar-Kali)
"Cadenas, oscuridad e intimidad". Esos fueron para Tamar-Kali cuando confió al talentoso talentoso nativo de Brooklyn para escribir la música para "Mudbound" y "Strings, Darkness e Intimacy" es exactamente lo que obtuvo cuando las grabaciones terminadas se les entregó solo cinco semanas después. Utilizando el gemido de una contrabas para capturar la calidad estancada de la configuración del delta del Delta de Mississippi de la película, Tamar-Kali construyó un paisaje sonoro increíblemente evocador que ancla la trama extensa a un tramo particular de tierra en el sur profundo.
Los momentos de ligereza saltan de los registros superiores como los parpadeos que escapan de un fuego, pero la música siempre vuelve a ese bajo retumbar, esas cuerdas absorben todo tipo de dificultades y violencia. Esa consistencia solo hace que las pistas finales de Tamar-Kali sean más poderosas, ya que la tortura de la "letra faltante" da paso a la trascendencia divina de "... pero por amor"._—DE_
24."Una historia fantasma" (Daniel Hart)
Literalmente, no hay una película de David Lowery sin una partitura de Daniel Hart, cada una de las características del director, que se remonta a Micro-Budget de 2009 "St. Nick ", se ha hecho en colaboración con el líder de Dark Rooms. Que la colaboración ha sido_instrumental_Para el rico estado de ánimo y la energía rústica de películas como "Ain’t Them Bodies Saints" y "Pete’s Dragon", pero la música de Hart está en el alma de "A Ghost Story", estas canciones crujientes encargadas de nada menos que transmitiendo el sonido de la eternidad.
Entonces, ¿cómo suena la eternidad? Para Hart, es hermoso pero también un poco estancado, la música sibilando de asombro como si siempre estuviera justo en el borde de un gran descubrimiento. Cada pieza se siente como un eco lejano de la canción de Soaring Dark Rooms que el personaje de Casey Affleck registra antes de morir; La siniestra extensión de "Tesaurus Tuus" ofrece más conmoción futura mareada que cualquier cosa que escuches en "Blade Runner 2049", mientras que los bucles de amapola de "Safe Safe Safe Safe" logran una sensación de aceptación cósmica que te permite tararear en el tiempo._—DE_
23."El velo pintado" (Alexandre Desplat)
"The Painted Veil" es el tipo de melodrama de época suntuosa que solíamos dar por sentado, una sencilla adaptación de W. Somerset Maugham que tiene poco estilo y de estilo. Nada resume los placeres de la película con más elocuencia que la partitura exuberante y rápida de Alexandre Desplat, lo cual es tan expresivo que el resto de la película podría ser silencioso y aún entenderías cada ritmo de esta historia sobre un hombre estridente y su esposa trampa que se mudan a la zona rural de China y reavoran su amor contra el fondo de una epidemia de cólera muerta. Colaborando con el prodigio de piano chino Lang Lang, Desplat ofrece un cuerpo de música fluido que captura la violencia de la traición, la belleza de trabajar a través de ella y el cauteloso vals de dos personas que se mueven juntas a través del tiempo._—DE_
22."Primer hombre" (Justin Hurwitz)
Hurwitz puede ser el único compositor que haya sido iluminado como escritor/productor en "Curb Your Enthusiasm". (Tiene créditos de la historia en las temporadas 9 y 10.) Ese es un logro singular. También lo es la entusiasta belleza de su partitura para "First Man" de Damien Chazelle, que sigue a la eliminación completa de esa película del triunfalismo estadounidense que podría esperar de él. En cambio, una película sobre la incapacidad de la humanidad para contemplar la maravilla, se inclina en la tristeza detrás del primer viaje de la humanidad a la luna: la tragedia personal Neil Armstrong (Ryan Gosling) enfrentó la muerte a su hija, que la unidad global inspiró el aterrizaje de la luna fue tan flotante, que algunos ni siquiera creen que sucedió, que la exploración científica de la exploración de la exploración científica. La partitura de Hurwitz localiza toda esa melancolía usando un instrumento amado de las películas de ciencia ficción de los ‘50 y 60: The Theremin, el objetivo de cualquier cosa misteriosa. Con el Theremin, un sintetizador Moog y un arpa, Hurwitz dio un profundo sentido de espacio interno a este viaje del espacio exterior. Es de repuesto, minimalista e inolvidable, no muy diferente de la superficie de la luna misma. _—CB_
21."Hombre del ejército suizo" (Andy Hull y Robert McDowell)
La historia de un hombre suicida en una isla desértica que se tira un pedido a la libertad al descubrir un cadáver hiperflatulento y montarlo a través del océano como un jet ski con gasolina, "hombre del ejército suizo" ni siquiera debería existir, y mucho menos en una película conmovedoramente humanista sobre todas las cosas que hacen que la vida valga la pena vivir. Pero cohere lo hace, cada aspecto sintonizado con la misma longitud de onda maravillosamente demente. Y eso es doblemente verdadero o triple para su banda sonora.
Escrito por Andy Hull y Robert McDowell (mejor conocido como el cantante y guitarrista principal de la banda confusamente llamada Atlanta Rock, Manchester Orchestra), esta brillante suite de música se realiza enteramente en una cappella, cuando se trató de escribir el acompañamiento perfecto para una película que celebra la belleza y el ridículo del cuerpo humano, la gente fue los únicos instrumentos que Hull y McDowell necesitan. El producto terminado es una niebla de silencio y armonías aturdidas, recordando la increíble "médula" de Björk en lo intrincado que coloca diferentes voces en texturas sónicas ricas. Dos de esas voces pertenecen a las estrellas Daniel Radcliffe y Paul Dano, quienes cantan portadas etéreas de todo, desde "Cotton Eye Joe" hasta el tema del "Parque Jurassic", improvisando sus propias letras cuando es necesario. Es divertido, extrañamente emocional y, en el caso de "Montage", la mejor canción nueva escrita para cualquier película en 2016, es imposible salir de tu cabeza._—DE_
20."Aniquilación" (Ben Salisbury, Geoff Barrow)
La trifecta de los compositores Ben Salisbury y Geoff Barrow y el director Alex Garland arrojaron un clásico de ciencia ficción en "Ex Machina", una joya de pantalla pequeña con la serie FX "Devs" y un híbrido de terror con una banda sonora tan extraña y tan mutativa como su concepto, "Annihilation". El puntaje, por giros retorcidos, ambientales y, en última instancia, psicodélicamente locos, parece imitar los efectos del brillo, una porción de la Tierra que adquiere poderes no desde este planet después de ser golpeado por un meteorito. Como el brillo parece refractar el ADN de cada humano vivo dentro de él, la puntuación electro de Salisbury y Barrow también comienza a revelar mutaciones sobre un tema omnipresente. La obra maestra de la banda sonora, sin embargo, es "The Alien", un tipo celestial de secuencia de Stargate Sonic que acompaña al momento más impresionante de la película, ya que la bióloga de Natalie Portman, Lena, se enfrenta al vacío: ella misma._—RL_
19."Parasite" (Jung Jae)
A veces, menos es mejor que más. Los Oscar tienden a recompensar películas que tienen el_mayoría_puntaje; Películas sonoras por suites orquestales barriendo, o música de jazz, o sintetizadores rimbombantes. Entonces, podría ser la razón por la cual Jung Jae-Il no recibió un asentimiento de Oscar por su puntaje en "Parasite", el exitoso thriller de Bong Joon-Ho que encendió la academia en 2019 y demostró ser un hito para el organismo de premios. Y es una pena, porque una victoria habría sido muy merecida; El trabajo de Jung para la película es minimalista y barroco, definido por una melodía de piano suave y percusiones de campanilla de viento ligero. Pero tiene éxito en su trabajo de preparar el escenario para la atmósfera de la película; Una calidad incómoda y extraña impregna la música de Jung a lo largo de la película, que comunica a la audiencia la sensación de peligro que deberían sentir mucho antes de que se revelen los giros de "parásito". Puede que no sea una partitura que se anuncie a la audiencia como muchos otros en esta lista, pero es imposible imaginar la película sin ella._-WC_
18."La fuente" (Clint Mansell)
Podría decirse que la película más ambiciosa (y poco apreciada) de Darren Aronofsky, "The Fountain" es el trabajo más abstracto del cineasta, una mezcla de ciencia ficción y un anhelo espiritual que se aprecia mejor como una colección de estados de ánimo. La partitura de Clint Mansell es la fuerza impulsora detrás del misterioso aura de esta película pesada, con un par de colaboradores poco probables que reflejan la sopa tonal de la película. "The Fountain" se desvía de las cuerdas malhumoradas del cuarteto de Kronos hasta los sombreados de rock dura de Mogwai como la historia de un esposo que lidia con la muerte prematura de su esposa se transforma en una odisea espacial con nebulas y cosmos giratorios. A la vez impresionante y subestimado, el logro de Mansell aclara la naturaleza de las intenciones de Aronofsky al darle a la película una calidad etérea que desafía la definición precisa._-I_
17."Buen tiempo" (OneOhtrix Point nunca)
¿Cómo se convierte la ciudad más familiar del planeta en un lugar completamente extraño? El mago electrónico Daniel Lopatin (también conocido como OneOhtrix Point nunca) solo necesita algunas notas irregulares. Su marea y dominante música para el "buen tiempo" de los hermanos Safdie transforma las calles de la ciudad de Nueva York en una pesadilla de sintetizador febril, los ritmos fríos persiguen el criminal bajo de alquiler de Robert Pattinson de un rincón de un infierno a otro mientras intenta desesperadamente encontrar una salida al desastre que ha hecho por sí mismo.
A pesar de convulsionarse con ecos de todo, desde "Blade Runner" hasta "Beyond the Black Rainbow", la partitura "Buen tiempo" de Lopatin es, en última instancia, diferente a cualquier cosa que las películas hayan escuchado antes. Sus paisajes sonoros paranoicos son como un agujero de gusano en la mente adeísta del héroe, cada una de las capas fallidas de la partitura que transmiten una de sus ansiedades diferentes de bolas de nieve. Algunas de las piezas son fideos y conflictivos ("saliendo del parque"), mientras que otras son tan seductoras que casi podrían confundirse con Tangerine Dream ("Apocalipsis románico"), pero todos son extrañamente escuchables para la música tan teñida de violencia. Para cuando finalmente se cierra a algún tipo de catarsis, no sabe si debe dormir durante cinco a diez años o volver al principio y comenzar de nuevo._—DE_
16."No soy lo suficientemente bueno" (Ryuichi Sakamoto)
El compositor principal Ryuichi Sakamoto lo dijo mejor: "La cantidad de música para esta película es simplemente gigantesca". Sakamoto se refería más directamente a su elección de generar ayuda adicional en forma de colaborador frecuente Alva Noto (junto con el Bryce Dessner del Nacional), pero el sentimiento se encuentra al considerar la amplitud completa del puntaje para Alejandro González Iñárritu 2015 Survival Tale. El cineasta fue aclamado por usar un tipo diferente de músico: Sakamoto es mejor conocido por su trabajo en la música electrónica, para un drama histórico en el período, pero todavía hay un fuerte sentido de tradición en la partitura radical de Sakamoto, que combina las cuerdas más esperadas y los elementos electrónicos únicos para eliminar un álbum que es íntimo y directamente, bien gigánico. Es lo suficientemente grande como para encapsular las amplias llanuras occidentales y el tremendo dolor de Hugh Glass, pero lo suficientemente propulsivo como para conducir hacia adelante a través de algunas de las secuencias de acción más horribles del cineasta. Sin embargo, es sobre todo agudo, picante y sorprendente. Nunca es lo mismo, pero siempre es claramente parte de un todo masivo._-U_
15."Babilonia" (Justin Hurwitz)
El divisivo "Babilonia" de Damien Chazelle es casi un caos sin parar, ya que los jugadores de la vieja lucha de Hollywood Fight, Flirt y Float de Wild Party to Wild Party. La partitura de jazz rmarástica y majestuosa de Justin Hurwitz se adapta por completo a esa vibra. Lleno de trompetas en auge y solos de saxofón épicos, es una puntuación verdaderamente épica, perfectamente que se ajusta perfectamente al mundo cambiante de Los Ángeles de los 20 y 30. Pero es la forma en que la partitura se basa en sus motivos y elementos de una canción a otra, lo que hace que sea especial: vea cómo el riff de la bocina de "Coke Room" forma la columna vertebral del emocionante "Voodoo Mama", antes de regresar para cerrar la película de manera épica en el gran "final"._-WC_
14."Tigre agachado, dragón oculto" (Tan Dun)
Lleno de cuerdas de suspenso y vientos de madera de lilting, las orquestaciones magistrales de Tan Dun ayudaron a catapultar al "tigre agachado" a la aclamación internacional masiva. Dun compuso la totalidad de la música de la película, interpretada por la Orquesta Sinfónica de Shanghai, con muchos solos de violonchelo interpretados por Yo-Yo Ma. Muchas de las canciones están cargadas de urgencia, todos los tambores y cuernos conmovedores como los gritos de batalla, en canciones como "A través del bosque de bambú", "Horrow" y "The Encounter". Los dramáticos crescendos se convierten en lilting en canciones más lentas como "Silk Road" y "Farewell", que presentan duetos para violonchelo y Erthu que alcanzan alturas religiosas. La película encantadora de Ang Lee sigue siendo la película de lengua extranjera más taquillera en la historia estadounidense hasta el día de hoy, y la partitura de Dun es un hermoso recordatorio por el cual. _—JD_
13.“Brokeback Mountain” (Gustavo Santaolalla)
El quejumbroso puntaje "Brokeback Mountain" de Gustavo Santaolalla se abre con dos notas; Un gentil parpadeo de un anhelo de resolución. Después de un silencio suspendido, las mismas dos notas repiten su llamada de Clarion, cuando después de otro descanso somos liderados por dos notas descendentes al alivio de un acorde completo sobre nosotros. En solo 12 segundos, Santaolalla ha regalado toda la película. Es el llamado de dos vaqueros solitarios, tentativos pero inconfundiblemente claros contra un silencio montañoso, buscando algo más allá de un mero eco de su propia melodía. Cuando lo encuentran, se siente como la hermosa y desgarradora "The Wings", la canción más reconocible de la película. Uno de los puntajes más distintivos en la memoria reciente, la interpretación latina de Santaolalla del oeste americano fue el compañero perfecto para Ennis y el amor de Jack._—JD_
12."Expiación" (Dario Marianelli)
La puntuación ganadora del Oscar y el Globo de Oro de Dario Marianelli cierra hábilmente la brecha entre las necesidades históricas y la adición de florituras inesperadas que hablan directamente con el material en cuestión. Puntado por las máquinas de escribir y el piano deslumbrante (deslumbrante hasta el punto del terror y la confusión, honestamente), el trabajo se mantiene fácilmente como uno de los trabajos más exitosos y únicos de Marianelli, pero cuando se combina con el contenido desgarrador de la película de Joe Wright, habla de la potencia de los imposiciones cuando la película y la partitura están perfectamente unidas. No busque más (¿no escuchar más?) Que "Briony", que se une a la perfección el piano y la máquina de escribir en una canción que detiene la emoción y la curiosidad, el descubrimiento y el miedo, sin perder literalmente un ritmo. Es la película en miniatura, algo a lo que quieres patearte antes de que termine repentinamente, termina abruptamente, porque tiene que hacerlo._-U_
11."Phantom Thread" (Jonny Greenwood)
Cada uno de los puntajes brillantes que Jonny Greenwood ha compuesto para Paul Thomas Anderson se ha unido a sus películas a nivel molecular, sus cuerdas discordantes cosidas en el material como pensamientos oscuros. Si las contribuciones de Greenwood a "Phantom Thread" son las más_hermoso_(y autosuficiente) música que alguna vez ha escrito para la pantalla, es solo porque sus composiciones son incluso_más_inextricable de esta película que "allí habrá sangre", "el maestro" o "vicio inherente".
A riesgo de ser demasiado lindo al respecto, se podría decir que el "hilo fantasma" usa la partitura elegantemente perturbada de Greenwood de la forma en que Reynolds Woodcock espera que sus clientes puedan usar uno de sus vestidos magistrales, cada una de estas piezas sinfónicas cubridas sobre la película como un poco de tela que expone la belleza (y la violencia) de lo que está debajo de la vez. Construyendo desde el tema principal de la película, un delicado torbellino de violines que viene en cuatro variaciones diferentes, como un modelo recién equipado para cada nueva temporada de moda, la puntuación de Greenwood es una obra maestra de belleza problemática, un vaso de jerez con veneno. Greenwood intenta perfectamente la dinámica de marea del romance perverso de Anderson, y los traduce en algo que todos puedan sentir por sí mismos._—DE_
10."Inception" (Hans Zimmer)
¿Cuántos puntajes son tan instantáneamente reconocibles que inspiran? El trabajo de Bravura (y, seamos sinceros) de Hans Zimmer, el trabajo de Christopher Nolan dentro de un sueño dentro de un sueño podría ser la contribución más influyente a la música cinematográfica en la última década, y si no me crees, solo mira el trailer de cada película de acción lanzada a raíz de "Inception". Sin embargo, tan icónico como se ha convertido el sonido de Bwaaaam, son los momentos más sutiles los que persisten en la mente como un sueño medio recordado: las cuerdas de flitando, los paisajes sonoros de textura que se difuminan en el diseño de sonido. Zimmer ha estado colaborando con Nolan desde "Batman Begins", y su lista de créditos, que incluye todo, desde "The Thin Red Line" y "12 años un esclavo" hasta "Blade Runner 2049" y "Gladiator", es tan impresionante como cualquier otro compositor que trabaje hoy. "Inception" puede no ser su _mejor_ Score, pero el hecho de que se haya convertido en el más distinto es un logro en sí mismo. _-MINNESOTA_
9."El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford" (Nick Cave y Warren Ellis)
El puntaje de Nick Cave y Warren Ellis para el Elegiac Western de Andrew Dominik es algo bastante encantador. Los dos compañeros de banda de Bad Seeds han realizado mucho trabajo memorable en la década desde que "The Road" fue de manera similar, al igual que su banda sonora de "Wind River", pero ninguno de ellos coincide con el poder de las pistas y el final de la película en conjunto con la cinematografía detenida de Roger Deakins, la música, la música enfatiza que hay una razón por la que "el asesinato de james por el Coward Robert Ford" se siente inhero ". Es triste y siniestra desde el momento en que comienza, en parte porque el título te dice a qué se está construyendo, pero también porque la partitura de Cave