Los años 80 fueron una década de películas que puedes escuchar en un rugido incluso en Mute. Una captura de pantalla de Tom Cruise y Rebecca de Mornay a bordo del tren en "negocios arriesgados" tiene un_sonido_lo. Lo mismo ocurre con una imagen fija de Kaneda que viaja hacia Neo-Tokyo en "Akira", o el auto de Jack Nicholson que se abre paso por las montañas hacia el Hotel Overlook durante los títulos iniciales de "The Shining".
Era una década de sintetizadores y triste jazz; Una década de leyendas que alcanzan la altura de sus poderes (por ejemplo, John Williams y Ennio Morricone), y de los recién llegados de otras disciplinas que se convierten en virtuosos cinematográficos por derecho propio (por ejemplo, Ryuichi Sakamoto y Philip Glass). Las películas nunca antes habían sonado así, pero los mejores puntajes de películas de los años 80, nuestras selecciones se enumeran a continuación, continúan haciendo eco en nuestras mentes como si siempre hubieran estado allí.
Adam Solomons, Sean Malin y Christian Zilko también contribuyeron a este artículo.
25."Testigo" (compuesto por Maurice Jarre, 1985)
La llamada vino del interior de la casa cuando el colaborador de David Lean, Maurice Jarre, recurrió al sintetizador poco después de que su hijo, Jean-Michel, ayudó a que la música electrónica moderna ocurriera a mediados de la década de 1970. El anciano Jarre alcanzó su punto máximo en su era posterior de componer con una excelente puntuación para el thriller de crimen de Peter Weir sobre un niño amish que es testigo de un brutal asesinato, y se convierte en un objetivo. Una interpretación fácil sería que la falta de familiaridad de la comunidad Amish con la tecnología, la moral del siglo XX o el calor de Harrison Ford es el telón de fondo perfecto para el sonido electrónico de Jarre, el pasado y el futuro chocan violentamente. Pero también es el caso de que usar una partitura de sintetizador en 1985 fuera apenas una elección artística en sí misma.
Como Jarre anota, "testigo" no es del todo "Lawrence of Arabia" para la escala o la memorabilidad, pero se acerca. Hay momentos de tensión de percusión real para recordarnos que la vida de un niño está en juego, y que la presencia de Harrison Ford en la comunidad amenaza toda su existencia (esta película está_loco_, por cierto). Pero Jarre también aprovecha la simple belleza de la vida amish para levantar la memorable escena de construcción de graneros que ocupó solo un párrafo en el guión, pero significa mucho más. Hacer ambas cosas en un puntaje no es una hazaña media. Puedes ver por qué le gusta el sintetizador._-COMO_
24.“Fitzcarraldo” (Composed by Popol Vuh, 1982)
Popol Vuh y Werner Herzog van juntos de la forma en que Herzog y Klaus Kinski van juntos, solo mucho menos violentamente. La banda alemana anotó "Aguirre, la ira de Dios", "El enigma de Kaspar Hauser", "Nosferatu, The Vampyre" y varios otros, pero salvaron lo mejor para "Fitzcarraldo".
Tome "Vehe Horazin": un _día de ira_-El coro como el coro da paso a un canto desquiciado, y un bombo rayado se disuelve en una guitarra confusa con una pandereta. Es un viaje sónico de lo sagrado a lo profano y, por lo tanto, un acompañamiento perfecto para la épica histórica muy ficticia de Herzog sobre un barón de goma irlandés (Kinski) y su obsesivo deseo de construir una ópera profunda dentro de la selva amazónica. Es el sonido de la razón que el caos lo traga.
Los Krautrockers también se vuelven más reflectantes en "Engel der Luft", con sus altas bruscentes, los vientos de madera quejumbrosas y los acordes de piano calmantes. Y aparece una amplia gama de influencias en la partitura: "Musik Aus Burundi" es un extraordinario de música de humor percusivo, indicativo de la inesperada diversidad que muestra la película fue típico de la cuenca del Amazonas a fines del siglo XIX. Por supuesto, también hay muchos extractos de las obras de ópera clásica, algunos de ellos grabados por el propio Caruso. Después de todo, el arte hace que la locura de la vida sea mucho más dulce._—CB_
23."Ronda Midnight" (compuesta por Herbie Hancock, 1986)
Más que muchos de los puntajes en esta lista, el conjunto de música que Herbie Hancock contribuyó a la gran película de jazz de Bertrand Tavernier, protagonizada por el legendario saxofonista Dexter Gordon es bastante ligero en las piezas originales. La mayor parte de la banda sonora consiste en nuevos arreglos de Hancock de los antiguos estándares, incluida la canción principal de Thelonious Monk, y "Body and Soul", así como canciones de Bud Powell, Jimmy Rowles y los Gershwins.
Y, sin embargo, Hancock hace que todas estas piezas se sientan como las suyas al doblarlas a todas hacia un estado de ánimo de melancolía sostenida. Si lo conoces principalmente de "cazadores de cabezas" y su fusión funky en los años 70, olvídalo. Está operando en el modo de Chet Baker, que aparece en estas pistas, y temprano Miles Davis aquí. Este es el jazz solitario y fresco que imaginas acompañando una pintura de Edward Hopper, lámparas de calle que se reflejan en calles húmedas después de la lluvia. Tiempo de cierre.
Hancock reunió esencialmente a los Vengadores de Jazz para replicar ese momento particular en la década de 1950, cuando el jazz pasó de la corriente pop pop a un lugar más reflexivo y reflectante que aún no había abandonado la melodía por completo para Groove: Wayne Shorter, Tony Williams, Freddie Hubbard, Ron Carter, Billy Higgins, Lonette McKee y, por supuesto, Gordon. Cuando "Round Midnight" ganó el Oscar por la mejor partitura original, se encontró con consternación, incluso del compañero nominado Ennio Morricone, preseleccionado para su trabajo en "The Mission", por lo que dijimos que comenzamos: no es completamente una puntuación original. Solo suena de esa manera. _—CB_
22."The Beekeeper" (compuesto por Eleni Karaindrou, 1986)
La música de Eleni Karaindrou para "The Beekeeper" puede ser la menos conocida de los puntajes en esta lista, pero eso es solo porque la película en sí se encuentra entre las obras de Theodoros Angelopoulos de Theodoros (cuyo cuyo_el mas famoso_Las cosas han luchado para obtener el tipo de punto de apoyo en el canon que merece).
Sea como fuere, las composiciones quejumbrosas pero altísimas de Karaindrou hacen una música cinematográfica más robusta de los años 80. Los saxofones soplados como Foghorns se encienden a través de pianos suaves de almohadas durante las primeras partes de esta triste historia sobre un apicultor que viaja por Grecia en su desafortunado viaje a casa desde la hija de su hija, solo para que ese tono funerreal se vea interrumpido por un vals juguetón, unas pocas crujientes crujientes de queso y una boda saludable de los folores tradicionales a medida que se agitan los espalores. Hay una narración visceral horneada en estas notas, una tan vívida que la película en sí casi parece un acompañamiento de su puntaje, y no al revés._—DE_
21."Once Upon A Time in America" (compuesto por Ennio Morricone, 1984)
La épica de gángsters de Sergio Leone es un poco desordenado, pero cualquier película tan singularmente sobre la naturaleza de la memoria como debería ser esta. De ninguna manera un desastre es el reverso proustiano de Ennio Morricone de una puntuación, que no podría funcionar más bellamente para capturar los sentimientos de un anciano por su juventud perdida, y el potencial perdido de su juventud. El "tema de Deborah" es el material de los Montajes de películas de los Premios de la Academia, una obra de grandeza y angustia orquestal.
Esta es una puntuación mucho más tradicional que a menudo con Morricone, ciertamente en comparación con su silbato, órgano y temas occidentales de espaguetis eléctricos o la electrónica de palpitaciones de "The Thing". Su trabajo para "Once Upon A Time in America" es más una pieza con su trabajo en "Days of Heaven", melancolía e introspectiva, evitando la amenaza más obvia que Nino Rota pone en las películas de "Godfather". Donde "Days of Heaven" mezclados en "Carnival of the Animals" de Camille Saint-Saens, "Once Upon A Time in America" ofrece una suntuosa versión orquestal de "Amapola", la melodía del compositor hispanoamense Joseph Lacalle que se convirtió en un Billboard número uno para Jimmy Dorsey en 1941.
La única área en la que Morricone realmente va por lo inesperado es con el músico rumano Gheorghe Zamfir tocando su flauta Pan (al igual que Zamfir en "Picnic at Hanging Rock") sobre escenas de los fideos de Robert de Niro que se desperdician en su opio y pensando en la canción "Memories de la niña". Es un sonido tan diferente que aún más alienta la idea de que toda la película es la alucinación alimentada por opio de los fideos. Lo que sea. Todo esto es tan hermoso que se distingue mucho de cualquier juego conceptual que Leone podría haber estado implicando. En la mayoría de las filmografías de otros compositores, "Once Upon A Time in America" sería un verdadero pico, pero el trabajo de Morricone es una cordillera._—CB_
20."Mi vecino Totoro" (compuesto por Joe Hisaishi, 1988)
Se siente extraño y tal vez incluso incorrecto escribir sobre una película de Ghibli como originaria en cualquier década. Las películas de Hayao Miyazaki siempre han sido clara, intencionalmente de otro mundo tanto en contenido como en artesanía. Su película de avance general fue una declaración de misión para una nueva forma de hacer películas animadas, su puntaje inolvidable apropiadamente diferente a cualquier cosa que haya venido antes. La melodía que recordamos es extravagante y estimulante, el tipo de canción que dos niños pequeños inciertos inventarían sobre un amigo imaginario. Aunque para muchas audiencias occidentales, "My Neighbor Totoro" fue la primera película de Ghibli que vieron, y su historia simple pero deslumbrante una introducción adecuada a la forma de Gibli, no hay nada valiente sobre la música de Joe Hisaishi. Habiendo anotado previamente "Nausicaä del valle del viento" y "Castle in the Sky", su comprensión de la sensibilidad de Miyazaki estaba bien establecida. Eso está claro en una puntuación que ilustra ruidosamente los picos emocionales y directores directos de sus personajes principales.
Lo más destacado del paisaje sonoro de la película es seguramente una de sus escenas más tranquilas, cuando Satsuki (Noriko Hidaka), Mei (Chika Sakamoto) y Totoro esperan en una parada de autobús sin cambios bajo la lluvia. El boing de las gotas de lluvia en el paraguas de Totoro y el ruido sordo cuando salta hace tanto para crear el estado de ánimo de esta escena como la expresión aterrorizada de Satsuki y la ignorancia somnolienta de Mei. Las escenas fuertes también son buenas, como cuando los niños, Totoro y un par de sus amigos mágicos hacen bellotas. Un puntaje de percusión sintetín que aumenta la emoción se une repentinamente por violines y altas notas de latón exactamente cuando las plantas se detienen del suelo. Es un caso de edición y música que trabajan juntos como una forma de arte propia, y uno de los muchos recordatorios por qué la música de Totoro lo ha ayudado a vivir mucho tiempo en la memoria._-COMO_
19."Crocodile Dundee" (compuesto por Peter Best, 1986)
En estos días, es increíble recordar que "Crocodile Dundee", una comedia romántica de pez de agua encantadora y baja, fue la segunda película más taquillera de 1986. Aún más increíble para pensar que tiene una puntuación tan buena, y fue emblemática en la que los cocaltos románticos_podría_Tenga puntajes increíbles, en este caso gracias al compositor australiano Peter Best. La canción de "títulos de apertura" se abre con un Didgeridoo, por supuesto, pero se mueve inmediatamente a un tema de guitarra Down Under Wwangy, las cuerdas se apoderaron de la fuerza de tocar un piano pulgar. Es sorprendente lo difícil que va este tema.
Y qué bueno es el resto del puntaje en todo momento. Hay un encantador tema melancólico de cuatro notas llamado "Never Never Land" que inicialmente se juega en la flauta y transmite el amor de Mick Dundee (Paul Hogan) por el arbusto, su hogar. Cuando viaja con la reportera Sue Charlton (Linda Kozlowski) a Nueva York, ese tema de "Never Land" se reproduce en un sintetizador. Ahora no es solo afecto por su tierra natal, sino que lo anhela.
También funciona como el tema del amor para su incipiente romance con Sue y se superpone con una repetición del tema de apertura para construir el estilo "Bolero" en la secuencia final y memorable cuando Sue profesa su amor a Mick a través de una plataforma de metro Columbus Circle, ayudado por algunos neoyorqueros útiles. La guitarra se borra y se toca como si fuera un didgeridoo, entonces el tema de "nunca nunca tierra" se convierte en una sección de cuerda orquestal completa y no solo se convierte en un momento satisfactorio sino también eufórico. Es tan evocador del lugar y el carácter y la evolución que casi estás tentado a comparar todos los demás puntajes románticos negativamente con "Crocodile Dundee" y decir: "Eso no es un puntaje._Eso es_un puntaje "._—CB_
18."Robocop" (compuesto por Basil Poldouris, 1987)
Si un puntaje orquestal anticuado de Jerry Goldsmith para "Total Retiro" ayudara a poner un final de barrido a la revolución de sintetizador de los 80, "Robocop" es un caso alegre de Paul Verhoeven que abarca todos los adornos de la ciencia ficción. La estética de la partitura Man-VS-Machine de Basil Poledouris ilustra las tensiones musicales del día: los sonidos de instrumentos hechos por el hombre contra los sintetizadores resbaladizos (alguien podría hacer una película sobre los posibles peligros de una sociedad sobre tecnológica). El tema del título principal de 50 segundos de Poldouris comienza con cuerdas bajas e imponentes antes de un sintetizador con cremallera en el terror. No es una nota; Es un ruido.
Si la partitura de Poldouris suena un poco como el Requiem de Mozart (y no las partes divertidas), eso también es porque también es música funeraria. Nuestro protagonista de muertos vivientes Alex (Peter Weller), quien inflige justicia a la sociedad como una nueva forma perfecta de aplicación de la ley, es posiblemente uno de los personajes más trágicos del cine. Un cadáver zombificado de una persona que debería_definitivamente_He muerto cuando le dispararon a través de cada parte de su cuerpo debe vivir como la herramienta de una corporación malvada. El motivo de cuerda de Faux-Heroic de Poldouris que se patea esporádicamente no está a kilómetros de la puntuación del candidato de cabra de Danny Elfman "Spider-Man", pero los siniestros sintets debajo de la detención de que cualquier tema quisiera tener. Es uno de los puntajes más pensados de la década, y ciertamente uno de los mejores._-COMO_
17."Negocios riesgosos" (compuesto por Tangerine Dream, 1983)
Tangerine Dream solo contribuyó con dos piezas originales, junto con tres remixes de su material anterior, a la banda sonora de la fantasía adolescente de todos los tiempos de Paul Brickman, pero dominan la memoria colectiva de "negocios arriesgados" casi tan completamente como el sexo domina las mentes de sus personajes de secundaria. La seductora electrónica de la banda alemana era inmaculadamente adecuada para esta historia súper cachonda de lujuria adolescente suburbana, que a su manera puede ser tan intensa y desgarrador como una caja fuerte, conduciendo un camión lleno de nitroglicerina o haciendo cualquiera de las otras actividades fílmicas que Tangerine Dream ya se había pedido en ese punto.
Ninguna señal de música ha capturado más palpablemente la ansiedad del primer contacto que "Love on a Train", sus sintetizadores de neón temblorosos que cristalizan el momento único en la vida que se extiende entre lo inevitable y lo inimaginable; Entre Lana guiando a Joel en ese tren, y Joel se dio cuenta de su destino final (la decisión de Brickman de conducir a él con "In The Air Tonight" de Phil Collins es nada menos que una de las opciones más inspiradas en la historia del arte moderno, la hipérbole sea condenada). Anteriormente, "El sueño es siempre el mismo", nervioso y percolzando con expectativas, establece el tono de una película que está en sintonía con la canción de sirena de la posibilidad adolescente, y su capacidad irresistible para atraer a niños de cara fresca como Joel Goodsen hacia sus mejores fantasías en el momento en que sus padres salen de la ciudad durante el fin de semana._—DE_
16."Octopussy" (compuesto por John Barry, 1983)
Para un ganador del Oscar cinco veces, todavía no parece que John Barry reciba suficiente respeto. La realidad es que todos deberían tener la forma en que dio forma al sonido de la franquicia de James Bond de la manera en que la gente lo hace con John Williams y "Star Wars" e "Indiana Jones". El compositor británico creó los exuberantes y sensuales puntajes para 11 películas de Bond, que se extienden de 1963 a 1987 (también organizó el principal "tema de James Bond" de Monty Norman para la primera película de Bond, "Dr. No", en 1962).
Barry alcanzó un pico particular cerca del final de su carrera. Maravílate por cómo convierte la canción del título "A View to a Kill" de Duran Duran en la canción en ese puntaje, una verdadera última explosión de heroísmo para el vínculo de Roger Moore. Deleitarse de cómo su música es tan hermosa que básicamente detiene la trama, pero es su transformación orquestal de la canción pop de Rita Coolidge "All Time High" para "Octopussy" que alcanza el nivel de belleza más sublime en medio de los dobles entendimientos sonrientes de la era de Moore. Las películas de Bond tienen que ver con el sexo, la sensualidad y los momentos sexys, pero, con el poder de esas cuerdas flexibles y altísimas, esto es verdaderamente _romántico_ Música: del tipo de perder el corazón.
Barry había hecho esto una vez antes, con el tema instrumental "Tenemos todo el tiempo del mundo" de "Sobre el Servicio Secreto de Su Majestad". Debido a que esa es una película mejor, con un romance más significativo para Bond, esa canción se ha vuelto más apreciada a lo largo de los años, incluso se reutilizó en el efecto en "No Time to Die". "Octopussy" no es un_malo_Película (no hay película en la que los huevos falsificados Faberge están de alguna manera vinculados a una trama para comenzar la Segunda Guerra Mundial que podría ser), pero no alcanza lo mismo, er,_altura_De lo contrario, logrado por su instrumental "All Time High". ¿Convirtiendo una bagatela de Rita Coolidge en una obra de arte orquestal? Ese es el tipo de alquimia que explica cómo la franquicia de Bond ha sobrevivido durante 60 años._—CB_
15."The Thing" (compuesto por Ennio Morricone, 1982)
Tan reconocible e inquietante como cualquier señal de película jamás escrita, el tema profundamente simple de Ennio Morricone para "The Thing" encuentra al legendario compositor italiano que intenta emular el minimalismo impulsado por el sintetizador que John Carpenter había usado en "Escapar de Nueva York". Fue un enfoque que reflejó la historia de "The Thing" en sí, y a través de ese proceso de asimilación sónica, Morricone creó algo que se siente a la vez completamente extraño y también como si se hubiera escondido dentro de nosotros todo el tiempo.
Esa pista indeleble está tan bien desplegada a lo largo de la película que puede eclipsar al resto de las contribuciones de Morricone, muchas de las cuales se usan como papel tapiz ambiental, pero todos los cuales fortalecen la sensación de miedo ambiguo que se filtra en la historia desde todos los lados. Las cadenas violentas en particular dan "forma" a una colisión entre el horror clásico y la desconfianza social totalmente contemporánea, una tensión que Morricone se profundiza con el placer de ser ruidoso de alguien a quien no se le ha pedido que lo resuelva._—DE_
14."Chariots of Fire" (compuesto por Vangelis, 1981)
¿La puntuación más icónica para una película deportiva? ¿Cómo no puede escuchar esos acordes en cascada del tema del título de Vangelis para "Chariots of Fire" y no imaginar a los británicos pasteles vestidos con atuendos atléticos blancos que corren descalzos a través del surf? Se asoció tanto con el deporte del Reino Unido y los Juegos Olímpicos en general que fue elegido como el tema de la ceremonia de medalla en los Juegos de Londres 2012 unos 30 años después del lanzamiento de la película de Hugh Hudson. Incluso alcanzó el número uno en la lista de singles Billboard Hot 100 a raíz de la película que ganó la mejor partitura original (así como la mejor imagen) en los Oscar.
Pero la partitura es mucho más que el tema del título. Escuche "el tema de Abraham", un poco de electrónica minimalista que comienza a sonar como una pájaro angustiada, algo que captura la agonía de la lucha del atleta judío Harold Abraham por ser aceptado por la corteza superior antisemítica de Gran Bretaña, incluso cuando gana el medall de oro por el tablero de 100 metros. O la pista "100 metros" en sí, abstracta y poco modódica, como el sonido desorientador de competir realmente en un evento olímpico que te entusiasma tanto que puedas estar disociando. Es pura ansiedad, el sonido de la sangre corriendo en tus oídos, todos los ruidos se borraron en una especie de tinnitus. ¿La gente pensó que esta película era segura y tradicional?
Bueno, su música ciertamente no lo es, tanto como el éxito de la canción principal se llevó a cabo en su contra. El uso de todos los arreglos electrónicos ayuda a colocar toda la película fuera del tiempo. Escuche "El tema de Eric" donde un sintetizador replica el sonido de las gaitas para dar un tinte escocés. Es de otro mundo y triunfante, y también triste. Vangelis dio un sabor muy melancólico a todo aquí, excepto el tema del título, como dice un personaje, ganar es "bastante difícil de tragar", lo que anticipa algo que hemos llegado mejor en las décadas desde entonces: que la depresión y las profundas luchas de salud mental, a menudo siguen el triunfo olímpico. El precio del oro puede ser empinado._—CB_
13."The Shining" (compuesto por Wendy Carlos y Rachel Elkind, 1980)
Es un testimonio de Wendy Carlos y el genio de Rachel Elkind que, a pesar del hecho de que Stanley Kubrick solo terminó usando dos de las muchas pistas terminadas que escribieron para su adaptación de Stephen King, una lista como esta sería lamentablemente incompleta sin sus contribuciones a "The Shining" en él, como incompleto como su puntaje en sí mismo, que se perdió "hasta que se perdiera" hasta que se liberara por su propia liberación. Los compositores estaban tan furiosos con Kubrick como el compositor "2001: A Space Odyssey", Alex North, había estado cuando llegó al estreno mundial para descubrir que su partitura completa había sido desechado a favor de las señales de música clásica que se convirtió en sinónimo de la película, y tal vez aún más una vez que se dieron cuenta de que no tenían recursos para demandar (no sé quién necesita escuchar esto, pero nunca hacer un acuerdo a mano.
De cualquier manera, el hecho es que Kubrick obtuvo exactamente lo que necesitaba. Utilizando un sintetizador Moog para emular el tono de un órgano de iglesia poseído demoníticamente, el tema icónico de Carlos y Elkind, una serie portentosa pero abierta de pedos ondulantes que sonan la banda sonora de la banda sonora de Jack Torrance, a través de las montañas que conducen al hotel de paseando por alto. La mezcla atemporal de la instrumentación anticipa bellamente una historia de fantasmas en la que el pasado no persigue el presente tanto como se convierte en, mientras que el llanto aserrado que se arrastra en la mezcla suena como un gato moribundo o un niño que llora, como si el pequeño Danny estuviera tratando de advertirnos de este lugar. La otra canción sobreviviente, "Rocky Mountains", es aún más disonante, y su inhumano warble consolida el estado de ánimo de una película cuyo horror psíquico preocupa a la mente para hacer que su piel se arrastra._—DE_
12."Ran" (Kompose D por Toru Takemitsu, 1985)
Muchos cineastas luminarios, a medida que alcanzan la vejez, producen películas más pequeñas y más íntimas como una forma de reflexionar sobre su legado de manera personal y, a veces, porque están cansados. Tome la era Frank Capra de Steven Spielberg en la que todavía estamos disfrutando, o el hombre solitario de Paul Schrader en una trilogía de la habitación de hotel. Habiendo luchado en la década de 1970, Akira Kurosawa no iba a ser ese tipo. Regresó a la prominencia después de que "Star Wars" abrió el apetito de los occidentales por un tipo de película que había inventado casi sin ayuda, y nunca miró hacia atrás. "Ran" es la culminación de su rebote, y su puntaje también a gran escala. La partitura de Tōru Takemitsu no está lejos de una sinfonía propia: más de una hora de música orquestal rastrea los ritmos emocionales de Twisted King y sus hijos en guerra.
Una marca de una gran partitura es que el silencio, incluso el silencio, está en la pista, en lugar de dejar que el director o supervisor de música lo apague por unos minutos. Y Takemitsu, como Kurosawa, no era uno para jugar. El compositor japonés más importante de su siglo, Kurosawa, tuvo suerte de conseguirlo, y ganó su firma desde 1976. La Orquesta Sinfónica de Sapporo fue contratada después de que Kurosawa abandonó sabiamente planes iniciales para grabar con músicos de Londres. Ayuda a hacer de "Ran" es una obra profundamente coherente y auténtica, los principales músicos de Japón que tocan música japonesa feudal para una película japonesa que ayudaría a restaurar el mejor cineasta del país. Su impacto fue casi tan grande como su tamaño._-COMO_
11."Blade Runner" (compuesto por Vangelis, 1982)
"Blade Runner" es ante todo una experiencia sensual (todo lo mejor para reflejar la preocupación de la película por definir lo que significa ser humano), y Vangelis parecía entender ese hecho como si fuera codificado desde el nacimiento. Pivotando de los giros mecánicos de su partitura "Chariots of Fire", el compositor griego fallecido abrazó a los Eros inherentes a la adaptación retro-futurista-futurista de Ridley Scott, creando un paisaje sonoro descuidado pero tendido que captura efectivamente el sonido de un android que intenta resolver el misterio de su propia creación.
Pistas como "Wait For Me" escuchan los saxofones de jazz ahumados en torno a un sintetizador trino como una niebla de recuerdos inventados, mientras que "Rush Respuesta" da carne a un mundo ciberpunk que parece parcela en sí misma, enmarcando así la búsqueda de replicantes como un acto de profundo defens. Y luego está ese famoso "tema de amor" (saxofonista saxofonista Dick Morrissey), que anticipa la melancolía que Yoko Kanno eventualmente aportaría a los episodios de Júpiter de "Cowboy Bebop", y el tipo de pas de deux digital entre inocencia y tragedia que Angelo Badalamenti pronto armará en "Twin Peaks". _—DE_
10."La última tentación de Cristo" (compuesta por Peter Gabriel, 1988)
El gran proyecto de Martin Scorsese con "La última tentación de Cristo" fue difamiliarizar la historia del Evangelio, sentir su mensaje con una nueva urgencia que se ha perdido en los servicios católicos y protestantes contemporáneos de memoria. Parte de ese proyecto significaba separar la historia de Cristo de la forma en que se ha vuelto mejor conocido en la cultura occidental. Esta es una historia del Medio Oriente después de todo: una historia de colonialismo y resistencia.
Con ese fin, Peter Gabriel compuso una partitura que se basa en una gama extremadamente diversa de artistas contribuyentes tan ecuménicos como el cristianismo organizado aspira a ser pero rara vez lo es, incluidas las voces no cristianas: el cantante paquistaní Nusrat Fateh Ali Khan, que se especializó en música devocional Sufi; El violinista indio L. Shankar; y el polimath senegalés Youssou n’Dour, entre ellos. Gabriel luego tomó su partitura y la convirtió en el álbum de estudio "Passion", que ayudó a iniciar el entusiasmo occidental por la música mundial.
La "música mundial" a veces se ridica como un término. Por definición, agrupa artistas muy diferentes de países muy alejados entre sí bajo la misma etiqueta homogénea: aplanar la diversidad al eliminar la especificidad. Pero el tipo de espíritu global que representa en su mejor momento, encontrar vínculos entre culturas dispares, se adapta perfectamente a esta historia de Cristo. Cuando un Doudouk armenio acumula la apertura de "The Feeling Begins", es una gran desviación de cualquiera que haya visto las epopeyas bíblicas anteriores de Hollywood, vuelve a colocar el misterio en la historia de esta vida singular que todos saben, pero que muy pocos parecen entender._—CB_
9."París, Texas" (compuesto por Ry Cooder, 1984)
"París, Texas" nos saluda con un hombre roto deambulando por las tierras Badlands, incapaz de hablar, pero diciéndonos todo lo que necesitamos saber con una cara que parece 40 millas de camino difícil. Al final, lo hemos visto derramar sus entrañas en el anonimato de un stand de Nudie y considerar completamente los arrepentimientos que lo llevaron a perder tanto tiempo. El viaje lento y trascendental, y la catarsis desgarradora que finalmente ofrece, es un testimonio de la dirección de Wim Wenders y las grandes cantidades de humanidad que se pueden contener en la cara de Harry Dean Stanton. Pero Ry Cooder merece tanto crédito por guiar a la audiencia con una puntuación escasa que se dilata y se contrae emocionalmente al mismo ritmo que su protagonista espinoso.
Cuando conocemos por primera vez a Travis Henderson en esas icónicas tomas de apertura, la dura guitarra de Cooder invoca puntajes clásicos occidentales para pintar la imagen de un vagabundo silencioso con un oscuro secreto. La música nos impulsa sutilmente a relacionarnos con él como un arquetipo en lugar de un ser humano tridimensional. Cuando se combina con las impresionantes formaciones rocosas que enano Stanton en tamaño, Wenders puede enviar un mensaje claro de que no investigaremos el alma de este hombre en el corto plazo. Cuando Travis de manera muy sencilla comienza a restaurar sus relaciones familiares, la música comienza a suavizarse adecuadamente. Pero como queda claro que es completamente incapaz de mirar dentro de su propia alma, y mucho menos comunicar sus hallazgos a cualquiera, la música aleja de motivos y pivotes familiares en una dirección ambiental. Para cuando finalmente está listo para procesar su pasado, Cooder agrega más instrumentación para crear los sonidos de la nostalgia que afirma la vida sin atar con el sentimentalismo.
Los mejores compositores de cine entienden que, en última instancia, están subordinados a la historia más grande, y la partitura de Cooder es el trabajo de un guitarrista magistral que se que se restablezca para reflejar la represión emocional de un hombre roto. "París, Texas" podría ser recordado por sus silencios tanto como su música, pero Cooder nunca desperdicia una oportunidad para iluminar cada puerta emocional que Stanton se abre. _—Cz_
8."The Natural" (compuesto por Randy Newman, 1984)
“¡Buh-Buuuum! ¡Buh-buh-buh-bum! " El tema principal increíblemente humillable de la partitura de Randy Newman para "The Natural" es tan simple pero mítico como la trama de "lo natural" en sí. Llega con la fuerza del rayo que escindió el árbol del que el prodigio del béisbol Roy Hobbs creó su bate casero. En una década en la que la cultura de la nostalgia se consagró en Hollywood, la partitura de Newman es un pináculo de Americana, una especie de pintura musical Norman Rockwell.
Es algo extraordinario: Newman se había burlado de las vértimos e hipocresías estadounidenses en su álbum seminal de 1974 "Good Old Boys". De alguna manera, pudo encontrar el lado del lado, lo bueno en el personaje estadounidense también con "lo natural". No es que no haya un montón de personas terribles en una película llena de asesinos de fama felices que están dispuestos a matar a las celebridades para ser famosos y trucos corporativos que pueden ganar asegurando que otros pierdan. Pero la película de Barry Levinson está menos preocupada por una villanía predecible que en el heroísmo inesperado, particularmente porque se expresa a través de la capacidad única del deporte para criar a las personas por encima del lodo y darle a la menos atlética entre nosotros un vistazo de lo que podemos ser si se le da la oportunidad.
La puntuación de Newman es delicada y etérea al principio, especialmente en las escenas entre Hobbs de Robert Redford y su infancia (Glenn Close). Pero cada vez que aparece lo imposible, de repente cristaliza en ese tema icónico de seis notas; Es música para acompañar una pelota de béisbol que vuela a las luces del jardín, el vaso y las chispas que caen al suelo como la lluvia. Deja tanta impresión que, a pesar de que no pueden obtener los derechos sobre la música exacta, _—CB_
7."The Empire Strikes Back" (compuesto por John Williams, 1980)
Imagine crear uno de los puntajes más emblemáticos de todos los tiempos, luego arrojándolo casi todo para la secuela de la película ... porque has creado un par._más_Puntuación icónica. Eso es lo que hizo John Williams con "The Empire Strikes Back", que conserva el principal tema del título de "Star Wars", "Tema de Luke" y algunas otras pistas clásicas, pero también presenta un número sorprendente de nuevos leitmotifs. Aquí es donde la saga se vuelve verdaderamente wagneriana.
Está "La Marcha Imperial", por supuesto, un himno emocionante de amenaza de menor llave y gansa. El tema del Imperio en la película original, que se duplicó para el tema de la Estrella de la Muerte, se basó en un motivo de triple ritmo y tiene una calidad de ciencia ficción de los años 50. Pero este para la secuela, casi reemplazando el tema original por completo, va operístico.
A medida que la secuela profundizó los temas de la primera película, también lo hizo su música más rica: hay un tema de amor romántico con "Han Solo and the Princess", un nuevo sentido de buscar grandeza espiritual con "Yoda’s Temo", el tema de Yoda ", el asombroso asombro de la música de" The Asteroid Field ", e incluso los caminantes que tienen un tema asombroso. El ritmo repetido del "hiperespacio" es un tema de persecución que cada niño que alguna vez jugó un videojuego de "Star Wars" de los 90 se ha quemado en sus cerebros, mientras que la "partida de Boba Fett" comienza con un canto, ya que el cuerpo de Han Frozen está siendo funeral de la nave de Bounty Hunter, como Williams ".
Si "Star Wars" Mania fue estimulada por la película original, verdadera "Star Wars" _obsesión_ Comienza con "Empire", con su música tan profunda y vasta que promete una verdadera galaxia de hacer mitos para perderse en una eternidad._—CB_