Los últimos años no solo han traído películas e historias LGBTQ a la corriente principal, sino que las películas queer han dominado las temporadas de premios y han encontrado un éxito comercial en lugares poco probables.
Lydia Tár, interpretada por la estrella de "Carol" y el estimado ícono de Lesbian (adyacente?) Cate Blanchett, dominó la carrera de los Oscar 2022 y se convirtió en una piedra de toque muy usada. El verano anterior, Billy Eichner y Nicholas Stoller hicieron historia con "Bros" de Universal Pictures, entre las primeras comedias románticas gay financiadas por un estudio importante: una victoria importante, incluso si esa película fuera, uh ,.
Esa es solo la punta del iceberg en otro año de estandarte para la película queer: al menos una victoria en un movimiento cultural muy reñido, aparentemente listo para enfrentar nuevos desafíos en el futuro no tan distante.
El nuevo cine queer fue una gran influencia en el auge del cine independiente de los años 90, y estableció el listón alto para que las muchas películas LGBTQ lo sigan. “Brokeback Mountain” turned Jake Gyllenhaal and the late Heath Ledger into cinema’s most famed gay cowboys, less than a year before John Cameron Mitchell shattered boundaries with the spectacularly provocative “Shortbus” in 2006. Across the near two decades since then, the “” has become a vibrant (if easily and entertainingly mocked) subgenre, thanks to films like “The Handmaiden” and “Portrait de una dama en llamas ". Y las estrellas trans y creadores se han ganado más reconocimiento y oportunidad que nunca antes, incluso si hay un largo,_largo_Mayor a seguir, con películas como "Tangerine" que ganan aclamaciones generalizadas entre los amantes del cine independientes.
Ya no están limitados por los presupuestos minúsculos en todos los casos como lo estaban antes, las películas con historias homosexuales, lesbianas, bisexuales, trans y de otra manera queer han florecido en las primeras dos décadas del siglo XXI. (Diablos, incluso el último ganador de la Mejor Película "Todo en todas partes a la vez" tiene todo eso). Pero hay algo en la estética de bricolaje desaliñada que siempre será esencialmente extraña, y con la agenda política de extrema derecha en Estados Unidos que intenta empujar a los artistas LGBTQ de regreso a los armarios, el núcleo revolucionario de las rabias de cine queer.
Las películas a continuación reflejan un cambio notable en la ambición y el alcance de las películas queer contemporáneas. Si bien puede que no haya una nueva ola de cineastas queer a la par con el auge de los años 90, en su lugar obtuvimos historias como complicadas, sensuales, de búsqueda del alma y hilarante como la extraña experiencia misma.
Aquí están las 55 mejores películas LGBTQ del siglo XXI.
Con contribuciones editoriales de Jude Dry, Siddhant Adlkha, David Ehrlich, Kate Erbland, Alison Foreman, Eric Kohn, Ryan Lattanzio, Michael Nordine, Tambay Obenson, Chris O’Falt y Jamie Righetti.
[Nota del editor: _Esta lista se publicó el 25 de agosto de 2017 y se ha actualizado varias veces desde entonces.]_
55."Todos nosotros extraños"
Después de parecer un contendiente sólido para la mayoría de la temporada de premios, "Todos los extraños" recibieron un huevo de ganso de nominaciones en los Oscar de 2024, dejando el romance melancólico de Andrew Haigh en el frío. Aún así, la película tampoco es exactamente una joya no descubierta, recibiendo un montón de elogios que la convirtió en una de las películas más aclamadas de su año. Adaptando de la novela "Strangers" de Taichi Yamada, Haigh se tuerce su material fuente en una dirección extraña, lanzando a Andrew Scott como el guionista gay Adam, que comienza a visitar su antigua casa familiar, donde conoce a sus padres muertos (Claire Foy y Jamie Bell), todavía tan joven como el día en que murieron. "Todos los extraños de nosotros" pueden resultar un poco frustrantemente sin fricción, particularmente en su historia paralela de la nudosa relación de Adam con Harry (un sabor de Paul Mescal sorprendentemente decepcionante), que se marchita a través de la inercia antes de concluir en un giro ligeramente loco. Sin embargo, brilla, en su exploración del dolor que siente Adam por la muerte de sus padres, y la tristeza que siente que nunca conocieron al verdadero él. Una escena de la pieza central entre Scott y Bell, donde Son y el padre se reconcilian y Adam recibe la aceptación que quiere tan desesperadamente, es lo suficientemente poderosa como para reducir a cualquiera a llorarse de lágrimas._-WC_
54."El amor yace sangrando"
Solo ha estado fuera durante unos meses y, sin embargo, el thriller queer "Love Lies sangrando" ya se siente destinado a ser un clásico lesbiano. De acuerdo, tiene una ventaja cuando Kristen Stewart es la estrella, pero la historia de amor lesbiana ultra estilos y malhumorada de Rose Glass entre la hija de una familia criminal y un luchador musculoso tiene un sentido del estilo tan vívido y un corazón pulsante que bombea con la lujuria que es prácticamente irresistible. Stewart interpreta a Lou, un gerente de gimnasio que se enamora de Jackie (una excelente Katy O’Brien). Su relación es íntima, suave y sexy, pero cuando el cielo de los dos está amenazado por la familia de Lou, no dudan en derramar cubos de sangre para obtener su final feliz. A veces, "Love se encuentra sangrando" se siente como un sucesor espiritual de otro "encuadernado" queer favorito ", pero la visión de Glass es lo suficientemente original como para que la película se mantenga como su propia explosión de emociones icianas._-WC_
53."Bros"
Después de 120 años, más o menos, Hollywood finalmente tiene una respuesta romántica de comedia romántica general a películas como "You Hot Got Mail" y "Somedles en Seattle" de Nora Ephron. Demonios, se tarda tanto en hacer una película LGBTQ convencional que no se trata de dolor y sufrimiento o trauma o homofobia sistémica. Ingrese al guionista/estrella Billy Eichner y "Bros" del director Nicholas Stoller, una reunión sarcástica y acuática de la edad de Grindr (o aquí, una aplicación de citas llamada Zellweger).
La ruptura real del suelo es que el elenco es gay de arriba a cabeza, gay, gay ... y ahí es donde se detiene. Los contornos del guión son ampliamente convencionales, pero eso es algo bueno. Cuando hablamos de querer ser vistos, muchos de nosotros realmente significamos que lo que queremos es una versión gay de nuestras comedias románticas de los 90 cuando el género estaba en su mejor momento. "Bros" se ajusta al proyecto de ley. _—RL_
52."La intervención"
El querido actor queer Clea Duvall lo sacó del parque con su debut como director, un riff contemporáneo sobre "The Big Chill" que agrega algunos criadores descontentos y drama lesbiano a la mezcla. La película opera bajo una premisa simple pero fructífera: un grupo de viejos amigos se reúne en una casa de vacaciones majestuosa para organizar una intervención en el matrimonio infeliz de una pareja y instarlos a divorciarse. Lleno de bromas sardónicas y amistades creíbles desde hace mucho tiempo, la comedia del conjunto recubre a muchos actores de personajes queridos (y amigos y amantes de la vida real) con una química encantadora y natural. Echando a sus amigos y protagonizando la película también, la película reúne a Duvall con muchas de las coprotagonistas de "pero soy una animadora", incluidas Natasha Lyonne y Melanie Lynskey. La pareja principal ficticia puede odiarse, pero los actores realmente lo están pasando muy bien juntos, y es contagioso verlo._—JD_
51."Joyland"
Atreciéndose narrativamente en su país natal y sumergido en el lenguaje visual del deseo codificado, "Joyland" hizo olas por su representación de la vida queer en el Pakistán moderno. Ambientada en Lahore y contada en Urdu y Punjab, la película sigue a un hombre que consigue un trabajo como bailarín de respaldo en un popular teatro erótico subterráneo. Mientras baila por la caída de la estrella del escenario transgénero, se cautiva con ella y cuán libre lo hace sentir, despertando algo latente dentro de él. La película usa su lucha interna como lente en las rigideces sociales de la cultura, a saber, el género y la sexualidad, y las formas tranquilas y a menudo dolorosas en que se manifiestan. "Joyland" pisa un terreno peligroso, pero no lo hace a la ligera. La película no tiene reparos en explorar cómo la tensión entre las normas conservadoras religiosas y la libertad sexual moderna a menudo puede ser incómoda y absurda. Su historia puede ser lineal y simple, pero siempre se siente al límite, siempre impredecible, como si sus momentos más humanos pudieran conducir a desastre desgarrador o a la euforia sin restricciones._-SA_
50."La herida"
El prolongado drama psicológico sudafricano de John Trengove de 2017 hizo la lista para el mejor Oscar de la película de idioma extranjero en los 90 ° Premios de la Academia. "The Wound" abre una ventana rara en Ulwaluko, una antigua iniciación de la virilidad practicada en toda Sudáfrica, que se complica por las tensiones encerradas entre tres hombres cuyas relaciones secretas se vuelven explosivas. Considerado un hito en el cine del país, "The Wound" rastrea cómo la lujuria se hierve en un clima tabú. Nakhane es excelente ya que el trabajador de la fábrica encerrado obsesionado silenciosamente con Vija (Bongile Mantsai), con quien usa la ceremonia para acercarse a las montañas del Cabo Oriental. Pero finalmente, se presenta a un hombre más joven de Ciudad del Cabo que establece el equilibrio y estalla las tensiones psicosexuales de la película._—RL_
49."Moffie"
"Moffie" no hay más agonía deliciosa de la que sintió cuando estás sentado milímetros de tu enamoramiento, preguntándote quién va a hacer el primer movimiento, o si alguien lo hará. Esa tensión erótica insoportable y dolorosa es más o menos el estado de ánimo sostenido del drama militar brillante y sensual de Oliver Hermanus "Moffie", que es fácilmente la mejor película sobre la represión masculina gay desde "el propio país de Dios". Ambientada en 1981 en Sudáfrica en el ápice de la Guerra Fronteriza de Sudáfrica, la historia de la película sobre el deseo gay no correspondido resulta ser una carcasa de algo mucho más letal en su médula.
"Moffie" es la jerga de Afrikaans para "Fagot", y la película, que se basa en la novela autobiográfica del mismo nombre de André Carl van der Merwe del mismo nombre, intenta un gesto audaz en la recuperación del epíteto como un emblema de poder. Es 1981, Sudáfrica, lo que significa que no está bien ser un "Moffie"; La afeminacia es un signo de debilidad, y ser gay también es ilegal. También es un momento de reclutamiento militar obligatorio que todos los niños (blancos) mayores de 16 años deben soportar, y eso significa que, a medida que comienza la película, Nicholas van de Swart (Kai Luke Brummer) se está preparando para enviarse para defender la tierra colonizada. A la cara, la guerra es entre el gobierno de la minoría blanca y Angola, cuyo comunismo la fuerza de defensa sudafricana quiere evitar que se propague; Pero realmente, las atrocidades como se ve afectadas en esta película se rigen por el régimen de búsqueda de poder del apartheid, y no una amenaza real. _—RL_
48."El poder del perro"
Jane Campion no fue la primera directora en deconstruir los mitos masculinos del oeste americano, y ella no será la última. Aún así, "el poder del perro" resuena como una mirada particularmente seductor y triste de cómo los roles que juegan las personas y las mentiras que dicen pueden corroerlas y destruirlas. En un rancho de Montana de 1925, Phil Burbank (Benedict Cumberbatch) es un hombre burlón, de mente cerrada, desdeñada de todo lo que es suave y femenino. Esa burla se extiende a la nueva esposa de su hermano George (Jesse Plemons) Rose (Kirsten Dunst) y su hijo de Reedy Peter (un inolvidable Kodi Smit-McPhee), a quien ignora cuando no los atormenta activamente. En el primer reloj, Cumberbatch se siente mal en el papel central, demasiado distante del tipo de masculinidad áspera y musculosa que Phil supuestamente encarna sentirse tan creíble. Esa desconexión lo hace perfecto para la parte; Queda claro que esta persona de vaquero Phil cultiva tan desesperadamente es un disfraz, manteniendo sus deseos inclinados debajo de su bravucón. "Power of the Dog" te permite conectar los puntos en Phil tú mismo, pero tampoco deja exactamente las cosas ambiguas; Al igual que su complicado plomo byrónico, sus secretos son solo secretos si no está prestando suficiente atención._-WC_
47."El amor es extraño"
Como uno de nuestros mejores cineastas queer vidas que constantemente fabrica películas queer, Ira Sachs, ciertamente merece dos películas en esta lista. En esta oda espinosa al envejecimiento no tan grueso, John Lithgow y Alfred Molina juegan a los socios de toda la vida que repentinamente están fuera de su cómoda rutina cuando ya no pueden pagar su apartamento de Nueva York. A pesar de las indignidades de tener que surgir surf en la mediana edad final, se encuentran físicamente separadas por primera vez en 40 años. Obligados a poner a prueba el significado de la "familia elegida", eventualmente regresan entre sí a través de los desafíos. A partes iguales divertidas y conmovedoras, Sachs se demuestra un maestro del drama naturalista, con una extraña capacidad de dejar al descubierto los pequeños y grandes momentos que hacen que la vida sea profunda. Lithgow y Molina son excelentes en estos roles más suaves, y Marisa Tomei es hilarante como siempre como su sobrina bien intencionada. _—JD_
46."El favorito"
Una visión audaz ambientada dentro del espectáculo grotescamente aristocrático de la realeza inglesa de principios del siglo XVIII, "The Favorite" es una historia oscura pero cómica de tres mujeres dominantes que compiten por amor y poder, con un abandono imprudente. El director Yorgos Lanthimos crea un universo increíblemente animado, aunque insular, jugando con eventos reales para servir como apoyo y motivación para la interioridad y los conflictos de los personajes de la película. Desarrollándose como una farsa de dormitorio, principalmente dentro de las paredes de un palacio real se cortó de las realidades de la historia expansiva de la época, es un mundo gobernado por maniobras estratégicas, seducciones, incluso comer piñas y la carrera de patos ocasional.
Es a través de los lazos enredados de una frágil reina Ana (Olivia Colman) con otras dos mujeres esquemas y ambiciosas: su amante y asesora Lady Sarah (Rachel Weisz), y la prima indigente de Sarah se convirtieron Intriga ", ya que el destino de una nación se encuentra dentro de las relaciones entre las mujeres que han sucumbido a las complicaciones del amor. Una tragicomedia de época con una sensación inesperadamente moderna, la versión de Lanthimos sobre el drama británico de vestuario, es algo maravillosamente único._-A_
45."Bookmart"
Como las comedias (en realidad divertidas) se vuelven cada vez más raras, "BooksMart" llegaron ardientes para comenzar una fuerte temporada de películas de verano 2019. Protagonizada por el carismático dúo de Beanie Feldstein y Kaitlyn Dever como mejores amigos que lo jugaron a salvo en la escuela secundaria, "Booksmart" es básicamente la versión cinematográfica de esa amiga que se ve por reglas que se está emborrachada después de su primer appletini. Después del viaje de la rotonda de los dos Goody-Goods a su primera (y última) fiesta de secundaria, "BooksMart" es una oda a la amistad femenina que no tiene miedo de ensuciarse las manos. La Amy de Dever ha estado fuera desde el segundo año, ella nunca ha besado a una niña. Su arco demasiado relacionado implica el dolor de dolor de darse cuenta de que su enamoramiento de marimacho podría no ser gay dando paso a una conexión de baño sorpresa con una linda lindo. Dirigida por Olivia Wilde, (las lesbianas no olvidarán pronto su rompecorazones bisexuales en "The OC"), "BooksMart" usa su rareza tan naturalmente como un alfiler de valedictoria. -_JD_
44."Desobediencia"
La "desobediencia" ardiente pero elegante de Sebastián Lelio es más que la rebelión feminista familiar que podrías pensar. En el romance lesbiano exquisitamente melancólico, Rachel Weisz interpreta a Ronit, una mujer judía excomulgada que inesperadamente regresa a casa después de la muerte de su padre. Pronto se reunió con su vieja amiga Dovid, un en conflicto Alessandro Nivola, y Esti, la esposa de David y la novia secreta de Ronit, la novia de la infancia interpretada por una rachel McAdams. La exploración improvisada de la libertad, la intimidad y los conflictos inherentes al trío no solo ofrecen una historia de amor LGBTQ convincente, sino una poderosa reflexión sobre las reglas que elegimos seguir y aquellos que luchamos para desafiar._-DE_
43."¿Puedes perdonarme alguna vez?"
Ricamente contado y oscuramente ingenioso, "¿Puedes perdonarme alguna vez de Marielle Heller?" Le da a Melissa McCarthy su mejor escaparate como actor. Está fenomenalmente en capas como la agria y amarga Lee Israel, una mujer lesbiana que lucha como escritora que comienza a forjar cartas falsas de celebridades y escritores fallecidos con fines de lucro. La película no necesariamente pone excusas para sus acciones, pero Heller, trabajando en la biografía del verdadero Israel, tampoco moraliza, y McCarthy agrega una tristeza innata a Israel (especialmente en su conexión vacilante y no realizada con la librería de Dolly Wells, Anna)) que lleva el patetismo real a la historia descendente. Sin embargo, lo más afectando es la representación de la película de la amistad de Israel con Jack de Richard E. Grant, que demuestra una mirada rara y conmovedora a un vínculo gay masculino y lesbiana._-WC_
42."El duque de Borgoña"
El tributo visualmente evocador de Peter Strickland a las películas europeas de sexo de los años 70 explora la relación sadomasoquista entre dos entomólogos lesbianas. La película comienza con una serie de castigos humillantes que, debido a una revelación significativa al principio de la película, el espectador comienza a ver como amorosamente tierno y que es duro. El cine en sí es la clave para desbloquear el erotismo de la película. La iluminación es sensual, la cámara cargada, el vestimenta exclusivo que excita. Strickland entiende que la clave para ser sexy es el montaje de anticipación; Con "Duque de Borgoña" se establece como el Hitchcock de la tensión sexual. -_CO_
41."Maté a mi madre"
"I Killed My Mother" de Xavier Dolan marcó la aparición de un nuevo y emocionante talento cinematográfico. El actor de Montreal, solo 20 años, muestra una perspectiva sorprendentemente madura sobre el comportamiento humano en su posición de triple amenaza como estrella de escritor y director. Él interpreta a Hubert, un adolescente gay constantemente en desacuerdo con su madre soltera tensa (Ann Dorval). Aunque se describe como una historia de presentación cuando hizo olas por primera vez en Cannes y más allá, la película no se centra exclusivamente en la sexualidad de Hubert. El título en sí se convierte en un dispositivo narrativo, jugando con las expectativas del espectador y sugiriendo que podría transformarse en horror matricida en cualquier momento.
Afortunadamente, la "Madre" tiene preocupaciones más legítimas en las que centrarse. Las calentadas conversaciones de Hubert con su madre bien intencionada contrasta con la relativa tranquilidad que aporta a sus relaciones con otras personas, incluido su novio tranquilo, Antonin (Francois Arnaud), cuya actitud progresiva y indiferente de su propia madre sobre la vida de su hijo lleva a Hubert a desarrollar una mayor desesperación por su situación en el hogar. Las cosas que nos hacen reír también nos da una pausa. Una noche, Hubert toma velocidad y confiesa su confusión personal a su padre comprensivo. En una escena posterior, ella descarga al director de su escuela privada con una perorata vulgar que es hilarante y brutalmente honesta. La película es conmovedora, intensa y siempre completamente creíble. Más tarde, Dolan aumentaría su ambición estilística con "Laurence de todos modos", "mamá" y varios otros experimentos de cine audaces en su carrera vertiginosa (pero aún joven), pero "Maté a mi madre" es la mayor destilación de su capacidad para explorar la desilusión de la adulto joven en términos franco y desconcertantes que claramente surgen de un lugar personal._-I_
40."Fin de siglo"
Pocas películas han capturado la naturaleza dual fugaz y duradera de la conexión íntima tan conmovedor como "finales de siglo". La película, una elegante tres manos que gira en su mayoría alrededor de dos hombres que se encuentran lindos en un balcón de Barcelona, deja una impresión persistente en el corazón. Como un gran poema, "finales de siglo" da voz a un sentimiento aparentemente indescriptible, uno que alguna vez se enamore reconocerá desde lo profundo de su alma, como si se topara con un viejo amigo que olvidó cuánto le gustó. Escrito y dirigido por el cineasta argentino Lucio Castro en su debut característico, "End of the Century" es el descendiente natural de los exuberantes romances como "Weekend" y "Call Me by Your Name", y ciertamente perdurará como una de las películas gay más evocadoras de la década. -_JD_
39."Fire Island"
El comediante Joel Kim Booster hace un debut con salpicaduras como una fuerza literaria formidable_y_Un protagonista atractivo en "Fire Island", su primer largometraje como guionista, y con suerte el primero de muchos. Aunque la visión fue todo Booster, el amor que se produjo en "Fire Island" emana de todos los jugadores, lo que incluye a Darling "Saturday Night Live" Bowen Yang en una actuación maravillosamente emotiva y el cineasta de "Spa Night" Andrew Ahn demostrando que puede hacer más que evocadores dramas independientes.
Una verdadera pieza de conjunto, la película está llena de la alegría y la camaradería de ese más cursi de los epítetos queer: la familia elegida. Pero bajo el brillo del día de la ciudad de la playa sin automóviles llena de reinas brillantes sin camisa, todo se siente genuinamente soñador. (O tal vez es la ketamina). Al llegar a Hulu para comenzar el Mes del Orgullo, "Fire Island" se casa con la promesa del roto de la comedia queer con la llegada artística del cine asiáticoamericano. Goriosamente interseccional, sutilmente político y un muy buen momento, es un clásico instantáneo garantizado. -_JD_
38."Ser 17"
Cuando ves algo como la "niña" de Cénline Sciamma, o las "cañas salvajes" de André Téchiné, las películas francesas, hechas con 20 años de diferencia, que ambos enfrentan sin miedo la volatilidad de crecer, se vuelve muy difícil volver a las historias que se han contado con los parachoques. Y cuando ves algo como "Ser 17", que Sciamma y Téchiné co-escribieron \_ToGether (\_con la última dirección), se vuelve prácticamente imposible. Un drama lento, peludo e hiperaturalista de la mayoría de edad que constantemente vuelve a la violencia de convertirse en un hombre, esta es una película que no tiene mucho miedo de detenerse en lo difícil que puede ser convertirse en quien eres. O, en este caso, cuánto más difícil puede ser cuando eres un niño que está enamorado de su matón.
No _gay_ La historia, tanto como una queer (la extraordinaria "marimacho" de Sciamma ilustra su desinterés en las estrictas definiciones de sexualidad), "Being 17" se comparte entre dos adolescentes que crecen en las montañas emocionalmente vívidas de los Pirineos franceses. Damien (Kacey Mottet Klein) es blanco, imprudente y vagamente golpeable. Thomas (recién llegado Corentin Fila) es bi-racial, reservado y reflexivamente violento. No parecen que se gusten mucho: Thomas viajes a Damien en el medio de la clase sin razón aparente, pero su ánimo mutuo se basa en las dudas privadas. -_DE_
37."Y luego bailamos"
En el íntimo Tour de Force del cineasta sueco de Levan Akin, un joven llega a un acuerdo con su sexualidad en medio del mundo hiper-masculino de la danza georgiana tradicional. Enmarcando su gentil historia de la mayoría de edad en torno a una pieza tan tradicional de la cultura georgiana, Akin ha hecho una película inherentemente política, en términos sensibles con un espíritu de celebración. Con rasgos distintivos y una fisicalidad ágil, el actor principal, Levan Gelbakhiani, cambia sin esfuerzo entre la inocencia infantil, la ira explosiva y la sabiduría más allá de sus años. Su fascinante actuación es indiscutiblemente el corazón y la columna vertebral de la película. Debido al tema sensible, Akin y su equipo tuvieron que usar tácticas de cine de guerrilla para filmar en el país conservador, dando a la película una hermosa calidad de cine verite. La película ha avivado las protestas en Tblisi, donde se filmó, lo que demuestra que el cine queer sigue siendo un acto político. -_JD_
36."Amigo"
Haciendo olas cuando se prohibió inicialmente en su país de origen, este tierno romance queer pule con colores brillantes y las mariposas eléctricas del amor joven. "Rafiki" sigue a dos adolescentes, Kena (Samantha Mugatsia) y Ziki (Sheila Munyiva), que se aplastan entre sí a pesar de la rivalidad política de sus familias. Cuando el amor florece entre ellos, deben lidiar con los pueblos pequeños y el juicio de su sociedad conservadora. Contamentando actuaciones matizadas de los dos carismáticos recién llegados, la característica de debut segura de Wanuri Kahiu es un recordatorio importante de la lucha que muchos todavía enfrentan para vivir y orgulloso. La primera película de Kenia en interpretar a Cannes, Kahiu ganó un caso judicial histórico que le valió a la película una carrera teatral que calificó al Oscar, atacando a la legislación anti-LGBT de Kenia en el proceso. "Rafiki" es un cine político en su forma más crucial. -_JD_
35."Lengua franca"
El retrato magistral de Isabel Sandoval de un inmigrante de Filipina Trans está tan íntimamente renderizado que casi se siente demasiado cerca a veces. Estringido en Venice Days, la película fue completamente dirigida, escrita, producida y editada por Sandoval, quien también interpreta el liderazgo de la película. Sandoval es lo más cercano que el cine queer tiene a un autor trans trabajando en tal nivel. La película sigue a una mujer trans indocumentada mientras salva para un matrimonio de tarjeta verde, que se complica con el romance recién descubierto. Máxima editada y filmada con una belleza austera, "Lingua Franca" es un profundo ejemplo de lo que sucede cuando las voces marginadas tienen un control creativo completo._—JD_
34."Salvar la cara"
Estringido en el Festival Internacional de Cine de Toronto en 2004, la comedia romántica bulandante de Alice Wu se convirtió en un clásico instantáneo queer, equilibrando sin problemas el arte cinematográfico con una comedia sincera. Una mezcla satisfactoria de romance y problemas familiares de desgracia, la película de Wu se basa libremente en sus propias experiencias que salen a su familia tradicional china. Catorce años antes de "The Farewell" de Lulu Wang, la película de Wu también fue poblada casi exclusivamente por actores chinos (muchos de los cuales hablaban mandarín en la película) y estaba profundamente arraigada en la experiencia de los inmigrantes. Con una actuación del ícono de "Twin Peaks" Joan Chen, la película sigue a Wil (Michelle Krusiec), un cirujano que conoce y cae para la bailarina de ballet Vivian (Lynn Chen). Acustiada a priorizar el trabajo y la familia sobre la felicidad romántica, debe aprender a no dejar pasar el amor._—JD_
33."Almacenamiento"
"Tár" es mucho más que la gran película estadounidense sobre "Cancelar cultura", una frase que humilla con cada movimiento, pero este retrato denso y difícil de un[lesbiana]La caída del director de la gracia también exige ser visto a través de esa lente singular desde su primer disparo. La emocionante tercera película de Todd Field, engañosamente austera, exalta al agarrar la valla electrificada del discurso de la edad digital con ambas manos y atrevernos a aferrarnos a ella durante 158 minutos con la esperanza de que finalmente podamos comenzar a sentir que nos estamos sorprendiendo._—DE_
32."Un solo hombre"
La elegante y cinematográfica adaptación de Christopher Isherwood de Tom Ford, "A Single Man", anunció un talento cinematográfico singular para que coincida con el ya adinerado en el mundo de la moda. Colin Firth está emocionalmente abotonado, hasta que desata, como el elegante profesor de inglés de mediana edad George Falconer, que vive solo en Los Ángeles no mucho después de la muerte de su antiguo amante (Matthew Goode). Es un viudo afligido a la deriva a través de la vida en trajes y suéteres impecablemente a medida, sin nadie a quien llamar aparte de su mejor amiga Charley, interpretado por una fumar en cadena, aturdir y fabulosamente Julianne Moore. Pero cuando el estudiante dandyish Kenny Potter (un Nicholas Hoult) que sigue siendo inquietante) muestra interés en George, el personaje de Firth comienza a reconsiderar su deseo de muerte.
Ford empleó al mismo equipo de diseño de producción que trabajó en "Mad Men", imaginando un sexy de mediados de siglo que está repleto de, sí, gays calientes, pero también un aire irreprimible de tristeza que debe ser lo que se ve Ennui. Firth y Hoult también provocan una química encantadora y discreta de mayo de diciembre que hace que un romance melancólico escondido en una película que se trata más de duelo._—RL_
31."Pasajes"
A los rápidos 90 minutos, los "pasajes" principales "pueden ser que es demasiado corto; La historia sexy y enloquecedora de Ira Sachs de un narcisista y los dos amantes que no pueden evitar adorarlo podría soportar a fuego lento en las tensiones y permutaciones de su triángulo amoroso de BI. Aunque tal vez es solo que el retrato de los asuntos desordenados y la manipulación emocional de la película es tan entretenido que quieres más cuando los créditos sean sobre la cara furiosa y frenética de Franz Rogowski. Como Tomas, un vano cineasta alemán que sale de su matrimonio con el gentil Martin (Ben Whishaw) para una aventura impulsiva con el maestro de escuela más joven Agathe (Adèle Exarchopoulos), Rogowski no tiene miedo de convertirse en un monstruo. Decadentemente vestido con un armario de tops y suéteres de malla, Tomás es hermoso por fuera, pero un mentiroso horrible en su núcleo, encadenando sus objetos de afecto como si fuera su única opción en toda la ciudad de París. Y, sin embargo, de alguna manera, entiendes por qué Martin y Agathe están tan malvados. Para todas sus escenas de sexo sudorosas y su estilo parisino helado, lo más popular de los "pasajeros" es cuán ricamente captura el encanto de un romance demasiado tóxico para su propio bien._-WC_
30."Bendición"
La película de Terence Davies son un retrato de la Poeta Inglesa Siegfried Sassoon, que vivió una vida en la sombra cómodamente gay en los marginados de las cosas jóvenes brillantes, se estableció en el matrimonio en la Edad Media y murió a un Católico, Bereft, en 1967. Guerra, pero no Stephen Tennant, el flaneur de la socialité con el que tuvo un asunto rocoso con los que durante años. Jack Lowden interpreta a Sassoon, quien encarna elegantemente el viaje artístico de un hombre desilusionado, y se le da un disparo final de una sola toma que pondría celosa "Llamame por tu nombre". Se rompe, se descompone, se levanta de nuevo, solo para caer una vez más, una vez más, mientras "bendición" explora sus muchas relaciones mercuriales con los hombres.
En esencia, es la película más alegre de Davies y ciertamente la más florida. La poesía de Sassoon está entretejida en la película sutilmente, pero Davies no intenta recrear el proyecto de escritura en términos cinematográficos. Como de costumbre, se identifica estrechamente con el camino encorvado de Sassoon hacia la salvación y el egotismo inherente y la inseguridad de ser un artista. Los protagonistas de Davies casi siempre son Stands de Davies, y no es tímido con eso. Pero eso no significa que necesariamente esté trabajando en sus problemas. Como dice Sassoon en la película, "el momento pasa, pero el agujero permanece"._—RL_
29."Verano de '85"
"Llámame por tu" ¿Qué ahora? El romance sexy, melancólico y gay de François Ozon, el romance gay de la mayoría de edad "Summer of 85" con el calor caliente del primer amor, ubicado contra las orillas de un complejo costero en Normandía. También tiene una banda sonora asesina que incluye la cura y el bananarama, la cinematografía de color pop, las suficientes camisas Breton para equipar una película francesa de New Wave y un elenco de favoritos de cine franceses fáciles de los ojos.
"Summer of 85" canaliza las películas de Éric Rohmer de Éric Rohmer, pero con una ventaja rebelde, dependiendo del asunto de amor de las horas robadas entre el adolescente introvertido Alex (Lobebvre) y el ligeramente mayor pero apenas más sabio David (Voisin), la Adonis Square-Jaws que corta una figura de la rata en un motón. Los altibajos de su aventura de verano chocan en una tragedia repentina y misteriosa en primer plano en las escenas de apertura de la película, lo que hace que la conexión en evolución de la pareja, encendida por la química volcánica de los actores, sea aún más suspenso. Adaptando la novela de 1982 de Aidan Chambers "Dance on My Grave", Ozon captura el impulso intoxicante del primer amor y la pérdida de control que puede hacer que un vínculo erótico formativo sea tan peligroso y adictivo. El cine evocador se corresponde con los encantos de sus protagonistas, quienes, en caso de que necesitaras otro punto de venta, promulgan uno de los besos más populares que se hayan lanzado en la pantalla._—RL_
28."Mantenga las luces encendidas"
Una marca de una gran película es una escena tan cruda e inesperada que se queda contigo durante años, y las películas de Ira Sachs están llenas de ellas. Para su desgarradora característica de mitad de carrera, el cineasta con sede en Nueva York obtuvo de la experiencia personal para contar una historia de un hombre que quedó destrozado por la debilitante adicción a las drogas de su compañero. Entregando una de las escenas de amor torturadas más insoportables jamás puestas al cine, ya que Erik (Thure Lindgardt) tiene la mano de Paul (Zachary Booth) mientras un extraño lo golpea desde atrás. La adicción corre rampante en algunas comunidades homosexuales, pero Sachs es demasiado matizado como un cineasta para hacer una obvia película de "problema". Al igual que su igualmente impresionante "Amor es extraño", que Sachs hizo directamente después, "Keep las luces encendidas" se trata del dolor del amor romántico y sus inevitables decepciones. No es una historia divertida, pero es profundamente valiente._—JD_
27."Tarnation"
Jonathan Caouette editó esta asombrosa y extensa crónica de su bachecia historia de vida en su Mac usando iMovie por básicamente ningún dinero y luego recibió el aclamado de Sundance. Sin embargo, la historia de su producción no es tan emocionante como el producto final emocionalmente agotador. Enhebrando imágenes de su infancia y años de adolescencia con problemas, cuando él sostuvo con la enfermedad mental de su madre y su propia sexualidad emergente, Caouette fusiona una estética de video musical intoxicante con las corrientes ondulantes de su compleja vida personal. El resultado es una poderosa ventana hacia su supervivencia contra probabilidades imposibles, con la mejor victoria que surge de la existencia de la película misma. Años más tarde, sigue siendo un experimento radical en la forma de cine, tanto antes de su tiempo como atemporal en su visión de un cine personal más ubicuo que nunca hoy. -_I_
26."Shortbus"
Cuando era adolescente encontrando "" por primera vez, sentí que un mundo brillante de individuos de ideas afines se abrió de repente frente a mí. Era un poco como Dorothy entrando en Technicolor por primera vez, solo el hombre de hojalata era una dominatriz gótica y el león cobarde era un terapeuta sexual preorgásmico. Claro, las películas me habían movido antes, pero nunca de una manera tan cálida y comunitaria. Aquí había un grupo de artistas, bohemios y personas queer que eran divertidas, deprimidas, liberadas sexualmente de alguna manera y atrofiadas en otros.
Como cualquier niño queer, alternativo o extraño en ese momento, conocía y amaba a John Cameron Mitchell de "Hedwig y The Angry Inch", pero "Shortbus" se sentía como algo completamente diferente. Sus películas siempre son hilarantes, provocativas y profundamente sintiéndose, pero en "Shortbus" teje múltiples narraciones convincentes (no una hazaña fácil) en un hermoso Revery de una Nueva York bohemio que ya se estaba escapando. Ambientada en los primeros aughts, la película tiene una nostalgia atemporal al respecto, como una cápsula del tiempo de alguna era pasada de libertad sexual que tal vez todos sienten que apenas se perdieron.
Sí, "Shortbus" es único porque cuenta con sexo real, algunos de los sexos más juguetones, acrobáticos y creativos que jamás hayas presenciado, pero también es increíblemente conmovedor. Ambientada durante el apagón de 2003, la película sigue a un grupo de personajes emocionalmente atrofiados que navegan por el sexo y el deseo en una Nueva York posterior al 11 de septiembre. Hay un terapeuta sexual que nunca ha tenido un orgasmo; un hombre gay se filmó obsesivamente como una ingeniosa nota de suicidio; y una dominatriz descontento._—JD_
25."Leche"
Sean Penn desaparece en el papel del activista gay Harvey Milk en el ganador del Oscar de Gus Van Sant 2008, una actuación de fuerza completa que se ubica entre sus mejores y respira un respeto profundo e importante en la vida complicada y notable de Milk. Mientras que la película inevitablemente se basa en el trágico asesinato de Milk de Dan White (Josh Brolin), las historias y las personas que nos llevan allí se desarrollan con ricas recompensas. La gran vida salvaje de Milk, y que finalmente tuvo un gran impacto, una de sus preocupaciones consistentes a lo largo de la película, relacionada con cualquiera, se le da el tratamiento de viñeta, pero el rendimiento constante de Penn y una gran cantidad de fuertes giros de apoyo lo empujan por encima de otros territorios biopic. James Franco se mueve particularmente como el amante de Harvey Scott Smith, mientras que el desgarrador Jack Lira de Diego Luna roba la pantalla en cada escena. Lo más conmovedor, y, sin duda, desgarrador, es cuán oportuna es la historia de "leche" que se establece principalmente en los años 70, todavía se siente hoy. Es un llamado urgente a la acción, tanto personal como político, y el mensaje se queda mucho después de que los créditos sean. -_El_
24."Los niños están bien"
Siempre una audiencia dura, el ingenioso drama familiar de Lisa Cholodenko fue divisivo entre las lesbianas, que se molestó en el mensaje detrás del triángulo amoroso central de la película. Pero es difícil criticar cualquier película en la que Annette Bening y Julianne Moore sean tan buenas e interpretando a los socios lesbianos, nada menos. Al igual que muchos matrimonios, sus neurosis y encantos se mezclan para crear un cóctel asesino de amargura ingeniosa y resentimiento profundo. Cuando sus adolescentes precoz cambian sus vidas en busca de su donante de esperma, arroja una llave en sus vidas precariamente contenta. Mark Ruffalo es perfectamente elegido como el soltero consumado de espíritu libre, cuyo encanto y encanto se vuelven demasiado seductores. Pero el matrimonio, como los niños, resulta bien, y esa cosa molesta llamada conflicto dramático (necesario para cualquier historia) se resuelve: la identidad lésbica intacta. Divertido, encantador y sin miedo a profundizar en la marca particularmente narcisista de Ennui y el descontento, "los niños están bien" siempre será un canon queer, ya sean lesbianas persisticadas o no. -_JD_
23."Mandarina"
La audaz farsa de Sean Baker después de un día en la vida de dos chicas trans que trabajan en las calles del centro de Los Ángeles es infinitamente volviendo a ver y requirió una visualización si de alguna manera lo perdió en 2015. Baker obtuvo puntos importantes por lanzar mujeres trans reales a la cabeza, y valió la pena. Mya Taylor y Kitana Kiki Rodríquez saturan la película con un sabor tan auténtico, es suficiente para que uno jure por completo de los actores profesionales. Filmado completamente en iPhone (con la ayuda de un adaptador anamórfico), "Tangerine" hizo olas cuando se estrenó en Sundance en 2015. Se ve genial, pero es el panadero de intimidad cruda capturado en la cámara que hizo de "Tangerine" un clásico instantáneo instantáneo. -_JD_
22."Paria"
La primera característica de Dee Rees es una historia de la mayoría de edad de la mayoría de edad que se inspira en la suya. Harphing con la electricidad de la sexualidad reprimida finalmente desenfrenada, "paria" sigue tanto a los adolescentes (Adepero Oduye) en un viaje hacia la rareza y la expresión masculina de género. Somos testigos de cambiar en silencio de su sombrero de béisbol y camiseta en el tren a casa de Brooklyn, vistiendo un suéter femenino para calmar las sospechas de sus padres (Kim Wayans y Charles Parnell). Nos derritemos junto a ella mientras se ilumina con las primeras hormigueos del amor, viéndolo a sí misma como deseable por primera vez a través de los ojos brillantes de Bina (Aasha Davis). El director de fotografía Bradford Young ("llegada") las primeras noches por igual en el club en colores ricos y saturados. La película pulsa con el ritmo del primer amor y el costo del autodescubrimiento. "Pariah" estaba ligeramente por delante de su tiempo, pero a medida que la estrella de Rees continúa aumentando, finalmente ha obtenido su debido. -_JD_
21."Vi el brillo de la televisión"
En su corta carrera como cineasta, Jane Schoenbrun ha mostrado un talento para las imágenes de mal humor y de enfoque suave que evocan una sensación de nostalgia y un dolor profundo. Su largometraje de segundo año "Vi The TV Glow" genera una sensación de inquietud e incomodidad en su propia piel que es bastante apropiada, dada la forma en que su protagonista Owen (Justice Smith) pasa gran parte de la película sintiéndose de la misma manera. Un adolescente en un suburbio anónimo, Owen se siente a la deriva en su vida, y el único amigo o conexión que tienen es Moody Outcast Maddy (Brigitte Lundy-Paine). Los dos se unen sobre su obsesión con la serie de fantasía adolescente "The Pink Opaco", y Owen se basa tanto en la serie como una muleta y un refugio seguro que comienza a sentirse más real que su vida real, y un oasis de la que pueden evitar hormiguear preguntas que rodean su propia identidad. "Vi el brillo de la televisión" no necesariamente sale y te guiará a través de sus temas trans, pero no es difícil ver el subtexto burbujeando debajo de la superficie, incluso cuando Owen empuja esas verdades esenciales y evita confrontarlas. Schoenbrun deja esta enigmática historia en una nota tanto triste como furtivamente esperanzada, mostrando el impacto que esta negación tiene en la psique de Owen mientras insinúa un despertar y tener en cuenta._-WC_
20."Lejos del cielo"
Todd Haynes ya fue uno de los mejores cineastas queer de Estados Unidos cuando hizo este evocador riff sobre los melodramas de Douglas Sirk, con Julianne Moore y Dennis Quaid como una familia suburbana de clase media en los años 50 que se enfrentan con la sexualidad cerrada de Quaid y la forma en que lleva el futuro de la familia. Haynes había jugado previamente con la revitalización de los tropos de cine clásicos en un contexto queer con "Poison", pero "lejos del cielo" marca un cambio histórico para el director. La película no solo rinde homenaje a los melodramas clásicos, sino que descubre su capacidad para aprovechar las grietas en el sueño americano, revelando la gran tragedia de una sociedad represiva perdida en sus fantasías hasta que se ven obligados a la superficie en virtud de los deseos que se niegan a mantenerse bajos. También es una señal de cosas por venir, con "Carol", Haynes solidificó su capacidad para aportar una nueva perspectiva a la identidad gay en períodos anteriores de la historia estadounidense, pero "lejos del cielo" fue la primera prueba de su brillante capacidad para meditar en el pasado a través de una lente contemporánea._-I_
19."Una mujer fantástica"
"Una mujer fantástica" de 2017 de Sebastián Lelio trajo al cineasta chileno internacional de renombre cuando ganó el Premio de la Academia por lo que entonces se conocía como mejor película de idiomas extranjeros. Protagonizada por Daniela Vega, también es una historia radical sobre una mujer transgénero, llamada Marina, que valientemente se enfrenta a un escrutinio dominante de los miembros de la familia sobrevivientes de su pareja recientemente muerta, que insisten en que no le deben nada. "Una mujer fantástica" demostró ser fundamental en Chile para levantar la discriminación arraigada contra las personas trans, y también ha convertido a Vega una de las mujeres trans más influyentes del mundo. -_RL_
18."Huir"
Una mezcla inspirada de géneros permite que este apasionante documental animado trascienda su desgarradora historia, ofreciendo un acceso íntimo a una historia tan personal y peligroso que su tema nunca antes había pronunciado una palabra. El tema es Amin Nawabi, un hombre danés-afgano que llegó a Dinamarca hace 20 años cuando era refugiado infantil. Por primera vez en su vida, cuenta su verdadera historia a su mejor amigo, el cineasta danés Jonas Poher Rasmussen, quien escucha abiertamente desde detrás de la cámara. La película se ve principalmente a través de Rotoscope Animation, una técnica en la que los animadores rastrean las imágenes de video, creando una apariencia 2D simple pero efectiva. La animación no solo protege la identidad de Amin, sino que transporta fácilmente a los espectadores a través del desgarrador viaje de Amin desde su infancia en Kabul al purgatorio de su familia en Rusia, y su eventual llegada a Copenhague.
Rasmussen rompe la historia con las luchas actuales de Amin, mostrando cómo el pasado de Amin está afectando su relación con su prometido danés Kasper. Kasper quiere comprar una casa y mudarse al país, mientras Amin persigue las oportunidades profesionales en el extranjero, esperando que el éxito alivie la culpa de los sacrificios que su familia hizo por él. Es el tipo de problema de relación contemporánea que sería demasiado sutil para una película narrativa, pero tiene mucho sentido como un conflicto de la vida real. En su forma más alta, los documentales pueden revelar a la humanidad de manera mucho más efectiva que un guión escrito. "Huir" golpea todas esas notas, y luego algunas._—JD_
17."BPM"
En este contendiente Palma d'Or (la sumisión de Oscar de Francia), Robin Campillo cuenta la historia de Act Up Paris con partes iguales, humor y reverencia, tal como la vivió. Campillo escribe desde su experiencia en la vida real, convirtiendo una historia dolorosa en una obra de arte conmovedora y a menudo alegre que da testimonio del pasado mientras ofrece a la generación actual un asiento en la mesa.
La película posiciona al espectador en medio de un grupo de jóvenes activistas que ejecutan ACT UP Paris, el grupo de defensa del SIDA originalmente iniciado por Larry Kramer en la ciudad de Nueva York en 1987. La película existe principalmente dentro del marco de Acto: las reuniones caóticas y los debates acalorados sobre todo, desde los eslogan de Pride hasta las compañías farmacéuticas, las acciones directivas de Acto Up False Balloons y los acalorados condones, desde ello, y los cuentos, y los cuidados de los benditos, y los cuentos. Sus dos horas y 20 minutos pasan volando, mientras la película te arrastra en el caos y la urgencia de su mundo, uno en el que sus personajes deben seguir moviéndose constantemente para mantenerse a flote. 2017 entregó un grupo de películas que hacen poesía de la complejidad de la experiencia LGBTQ, pero "BPM", con su rareza sin adornos y su visión humanizante del capítulo más desgarrador de la historia gay, toma el pastel. -_JD_
16."Dolor y gloria"
Para su séptima película juntos, Antonio Banderas hizo más que reunirse con Pedro Almodovar, cuyas películas lanzaron su carrera hace casi cuatro décadas. Esta vez, Banderas tuvo que tocar una versión libremente ficticia de su amado amigo y colaborador, verrugas y todo. Drapeado en un delicioso armario de Almodovar lleno de camisas vintage bloqueadas por color para morir, Banderas interpreta al cineasta español con una suave calidez, apuntalada por el bajo zumbido de la ansiedad de mortalidad.
En la moda clásica de Pedro, la película se siente como una serie de viñetas, cada una más conmovedora que la siguiente, que están tan vinculadas indeleblemente como momentos en una vida. La película es romántica, como cuando el director se reúne con un viejo amor, oscuramente divertido; Como cuando responde a las preguntas de la audiencia por teléfono mientras fuma heroína; y nostálgico, en las acogedoras escenas de su infancia del país. Es un poema de tono hecho por expertos, una contabilidad de celebración pero honesta de una vida bien vivida, y la evolución natural de un artista cuya visión singular ha cambiado para siempre el cine. -_JD_
15."Llámame por tu nombre"
A los 89 años, James Ivory entregó uno de los mejores guiones de su carrera, una adaptación de la novela de André Aciman dirigida por Luca Guadagnino con un sorprendente grado de intensidad erótica. El romance de verano en la Italia rural entre Teen Elio (Timothée Chalamet) y el joven erudito Oliver (Hammer Armie) tiene lugar con una calidad expresionista digna de Bertolucci de la era de los años 70 y adopta un enfoque elegante para la patada subversiva que tal relación de tabú.
La película nunca trata los deseos de sus personajes como algo menos una emocionante oleada de posibilidades románticas (y una escena desagradable que involucra fruta), al menos hasta que el verano llegue a su fin, y el joven Elio aprende por las malas que ha estado viviendo en una fantasía impulsada por la pasión. La actuación de la estrella de Chalamet es una maniobra arriesgada que prepara el escenario para una carrera prometedora, y el padre de calor del personaje (Michael Stuhlberg) da un monólogo final sobre la naturaleza del amor y el anhelo por las edades. Esta es una historia emocionalmente fascinante de la mayoría de edad contada con tan notable honestidad y lirismo que existe fuera de tiempo: podría haber jugado con una audiencia entusiasta hace 40 años, y casi seguramente tendrá el mismo efecto 40 años._-I_
14."Hedwig y la pulgada enojada"
Una de las historias queer más emblemáticas jamás contadas, John Cameron Mitchell adaptó su musical fuera de Broadway sin esfuerzo a la pantalla, dando a una generación completamente nueva su propia "espectáculo de imágenes de terror rocosas". La película lanzó una variada e impresionante carrera cinematográfica para la amenaza cuádruple por una buena razón. Él interpreta al personaje titular, un papel que repitió en un avivamiento de Broadway 2014. Hedwig es una fuerza en el escenario y la pantalla: conmovedor, provocativo, divertido, anhelo y profundamente filosófico. Su viaje se trata tanto de la identidad de género e cultural como sobre la angustia y la lujuria alimentada por hormonas. Puede que el idioma de Mitchell no se vea con las normas actuales en torno a la identidad trans, pero Hedwig se adelantó a su tiempo. Dibujo de Platón, sus lecciones son de hoja perenne. Todos podríamos usar un oráculo de muchos géneros para enseñarnos el origen del amor. -_JD_
13."Piel misteriosa"
La "piel misteriosa" de Gregg Araki de 2004 es sobre las formas en que nos protegemos de nuestro propio trauma y de nosotros mismos, que en el caso de esta adaptación de Nostalgia de la novela de los años 80 de Scott Heim, podría significar desaparecer en una fantasía alienígena para escapar del abuso de la infancia. Joseph Gordon-Levitt interpreta a Raffish Teen Hustler Neil McCormick, quien acaba de llegar a la superficie de su sexualidad, durante uno de esos infinitos veranos de la escuela secundaria. Neil fue molestado por su entrenador de béisbol en la escuela secundaria, pero aún considera que el hombre de alguna manera sea su primer amor. Es un equilibrio complicado y potencialmente desagradable, que Gordon-Levitt golpea hábilmente, frente a Brady Corbet como otra de las víctimas del entrenador.
Esta película fue enorme para cualquier persona joven y descubriendo que eran raras a principios de los años 2000, viéndola en secreto en una red de cable nocturna. La banda sonora curada por expertos de Araki es un paisaje de ensueño vibratorio, desde Slowdive hasta Cocteau Twins, Ride, y, en un momento de catarsis emocional volcánica, Sigur Ró. -_RL_
12."Mulholland Drive"
En el amor, todas las grandes cosas deben llegar a su fin, pero con David Lynch, esos fines suelen ser mucho más oscuros y sangrientos de lo habitual. La trama de "Mulholland Drive" se ha desconcertado desde su lanzamiento en 2001, con viñetas que recuerdan "Pulp Fiction" entrelazado con misterios sobre la identidad y el amor, y cubierto por líneas de tiempo intencionadas. Si bien el sexo humeante entre Naomi Watts y Laura Harring puede parecer repentino, se basa en parte en una de las escenas más desconcertantes y hermosas del cine, ya que Rebekah del Río canta hasta que literalmente cae, llevando a ambas mujeres llorar. "Mulholland Drive" podría exponer el bajo vientre de Hollywood, pero también muestra el escapismo que el amor puede proporcionar, y las longitudes que haremos para mantener viva esa estabilidad. -_Jr_
11."Mala educación"
The MPAA slapped the tantalizingly lurid spectacle “Bad Education” with an NC-17 in 2004, and it was probably the best thing that could’ve happened to Almodóvar in years, because this dazzling and horrifying masterpiece of a movie ended up earning more than $40 million globally, and $5 million in the U.S. It’s one of the highest-grossing NC-17 films of all time, right there behind “Showgirls,” "Henry