La mejor cinematografía del siglo XXI

La tecnología de la cinematografía ha sufrido parte de este siglo, con lo que comenzó en la década de 2000 como un proceso casi completamente fotoquímico que se transforma en las imágenes de hoy capturadas digitalmente de hoy. Sin embargo, el arte de la cinematografía, el uso de la luz, el color y la textura para expresar ideas y provocar reacciones emocionales de la audiencia, permanece intacta.

En 2017, Indiewire hizo una lista de las películas de mejor disparo del siglo hasta el momento; La lista se actualizó en 2020, y lo que sigue es la tercera y más extensa versión de la lista. También es el primero en ser encabezado por el equipo de artesanía de Indiewire, que ha crecido considerablemente desde que se publicó esta lista. La clasificación de la cinematografía es, de alguna manera, un mandado tonto dada la amplia variedad de géneros, recursos e intenciones abarcadas por las películas a continuación, pero estos son 60 títulos que Indiewire cree que resistirán la prueba del tiempo.

Mención de honor

"1917"; "Todas estas noches de insomnio"; "Antecristo"; "Nacimiento"; "Swan negro"; "Lucero"; "Incendio,"; "Colateral"; "Decisión de irse"; "La campana de buceo y la mariposa"; "Dunkerque"; "La caída"; "El fuego vendrá"; "La fuente"; "El Grand Budapest Hotel"; "El Gran Maestro"; "La gran belleza"; "Su"; "Isla de los perros"; "Ixcanul"; "Matarlos suavemente"; "La La Land"; "El último hombre negro en San Francisco"; "Deja el correcto"; "Leviatán"; "Lujuria, precaución"; "Macbeth"; "El maestro"; "Melancolía"; "Midsommarmar"; "Neon Bull"; "Nuevo Mundo"; "No hay país para los viejos"; "No hay tiempo para morir"; "Pan’s Labyrinth"; "Parásito"; "El prestigio"; "Renoir"; "El Revenant"; "Correr"; "Sicario"; "Luz silenciosa"; "Espectro"; "Estudiantes de vacaciones de primavera"; "Tragedia de Macbeth"; "El caballo de Turin"; "Gemas sin cortar"; "Debajo de la piel"; "Lo que se encuentra debajo"; "WonderStruck"; "Y Tu Mama Tambien"; "Zama"

60."Zodiac" (2007)

El fallecido no quería disparar digitalmente "zodiaco", pero demostró ser el director de fotografía perfecto para llevar el nivel medio al siguiente. Savides era el maestro de los negros lechoso, haciendo un trabajo increíble con bajos contrastes para crear un aspecto único que los cinematógrafos todavía están tratando de emular hoy. Con "Zodiac", David Fincher y Savides crearon un tipo diferente de aspecto negro. Los Savides abandonaron las sombras duras de la iluminación discreta, comerciando en fuertes fuentes de iluminación direccional para fuentes prácticas más pares, de baja vatición y baja, donde la luz se curvó lentamente en la oscuridad. Tan parte de la cinematografía noir estilizada tradicional que es más evocadora, pero más realista, podríamos distinguir los detalles en las esquinas oscuras del marco de Savides: el aspecto perfecto para la documentación de Fincher de la escurridiza búsqueda de un asesino en serie de la vida real. "Zodiac" marcó la maduración de la cinematografía digital como su propio pincel distinto que podría crear su propia belleza única mientras se ajusta a los valores de producción de Hollywood. -_Chris O'Falt_

59."The Dark Knight" (2008)

La segunda parte de la trilogía "Dark Knight" de Christopher Nolan fue un punto de inflexión en su carrera y en su colaboración con el director de fotografía Wally Pfister, elevando una película de superhéroes de DC a un drama criminal arenoso con gravitas. Oportunamente, Pfister eligió una paleta de colores que enfatizó el verde y el azul de acuerdo con el aspecto de Joker. Pero el director de fotografía también introdujo un brillo de manera sorprendente, como cuando Batman (Christian Bale) voltea el interruptor de la luz durante su brutal interrogatorio de Joker. Pfister disparó principalmente en Kodak 35 mm con PanaVision Panaflex Millennium XL y cámaras de platino. Sin embargo, Nolan quería adoptar un gran formato a lo grande, por lo que esta se convirtió en la primera característica convencional que se filmó con la cámara IMAX 65 mm, que lanzó la revolución. En total, hubo 28 minutos disparados en IMAX (incluido el sorprendente prólogo de atracos de bancos de seis minutos que inmediatamente transmitió la inmensa escala de Gotham City). Sin embargo, en lugar de recortar la imagen 2: 35: 1, Nolan y Pfister llenaron toda la pantalla con una relación de aspecto de 4: 3. Desde entonces, Nolan ha aumentado constantemente su dependencia de IMAX, convirtiendo la marca en un lugar teatral confiable para el espectáculo. -_Bill desowitz_

58."El intruso"

La directora Claire Denis y el director de fotografía más enigmático se desarrolla como un sueño, pero las imágenes nunca son de ensueño. En cambio, se basa en un fuerte sentido de lugar y temporada: la película se mueve fluida a través del tiempo y el espacio de alpinas nevadas, el campo francés, el tahití tropical y la Corea urbana, como las composiciones de Godard y las imágenes ligeras que son sensoriales, nunca adornadas y provocadas en el espectador un sentido de ser tocado o la sensación de la piel húmeda. Y a menudo es la cámara de Godard la que le da a la película su sentido de propulsión narrativa, como un simple viaje portátil por un camino secundario o una larga toma de lentes que interviene un sentido creciente de que hay algo primario que acecha en el pasado y el futuro de la película. La culminación de esto es una escena visceral de ser arrastrado por los caballos a través de la nieve, en la que el director de fotografía sosteniendo la cámara en un trineo logrado más de lo que el ejército de técnicos de un éxito de taquilla podría soñar. No desde que "Beau Travail", la marca de poesía cinematográfica de Denis ha sido tan dependiente de la capacidad de su colaborador visual para traducirse en imágenes. -_CO_

57.“” (2019)

Cuando muchos votantes de premios vieron la entrada de Oscar de Portugal en 2020 a través de un enlace de proyección, estaba charlado, la película estaba demasiado oscura, ese regreso del director Pedro Costa al vecindario Lisboa de Fontainhas hizo que la cinematografía de Bradford Young pareciera una comedia de estudio en comparación. Pero aquellos que tienen la suerte de verlo con experiencia cinematográfica experimentada adecuadamente en la que surgieron figuras luminosas de un mundo de oscuridad literal y figurativa del dolor y la pobreza. Al igual que otros cineastas artesanales, la cinematografía digital ha permitido a Costa despojar su aparato cinematográfico y abrazar la autenticidad de trabajar con actores no profesionales, pero la evolución de su cine se ha alejado bruscamente de capturar una realidad visual ordinaria. Costa y el director de fotografía Leonardo Simões crean composiciones sublimes en las que un sentido de lo espiritual brilla a través de las duras realidades de la pobreza y el dolor. Con "Vitalina Varela", Costa empujó su cine más bajo tierra, creando la sensación de que sus personajes habitan debajo de la superficie de la sociedad, y lo hundieron más profundamente en la oscuridad (creando algunos de los negros más satisfactorios y ricos en la corta historia de lo digital), que se convierte en un lienzo apto para su enfoque de Murnau para contar la historia en términos de luz y oscuridad. -_CO_

56."The Untomed" (2016)

Al principio de "The Untamed" de Amat Escalante ("La Región Salvaje"), una joven llamada Verónica (Simone Bucio) tropieza con una puerta y hacia la niebla más gruesa imaginable. Ella está sangrando de su lado y lucha por mantener el equilibrio. El director de fotografía de nacido en el chileno Manuel Alberto Claro, quien ha filmado todos los proyectos de dirección de Lars Von Trier desde "Melancholia", rastrea su hueco de escape con su cámara digital de mano. Aunque filmada en el estado mexicano de Guanajuato, la escena evoca visualmente un ambiente alienígena donde la desorientación y la falta de visibilidad inculcan el miedo a lo desconocido. Es como si acabara de aterrizar en otro planeta. Que sigue un encuentro sexual entre un ser humano y un ser extraterrestre solo refuerza ese sentimiento inquietante. Con una iluminación principalmente naturalista a lo largo del drama contundente y algunas tomas de naturaleza idílica y etéreas de la naturaleza cerca de donde vive la criatura, Claro combina sin problemas el realismo social que caracteriza las obras de Escalante con los elementos de ciencia ficción singulares en juego aquí. -_Carlos Aguilar_

55.“” (2015)

Apretado en la cara del actor Géza Röhrig, los marcos cuadrados del director de fotografía húngaro Mátyás Erdély colocan a la audiencia dentro de la inevitable proximidad de los horrores del Holocausto. Y, sin embargo, nunca vemos la violencia, ya que se desarrolla en el fondo perpetuamente fuera de enfoque que limita a qué información visual tenemos acceso. Ese campo parcial de visión e incertidumbre constante se asemeja a cómo los prisioneros dentro de las instalaciones infernales en Auschwitz-Birkenau experimentan la vida diaria allí. Fundamental para la calidad inmersiva de la característica de debut del director László Nemes es la sincronización entre la cámara de 35 mm de mano de Erdély y el artista principal mientras se mueve a través del caos incesante, pero con precisión coreografiada. Long Trake nos lleva a través de la tubería aborrecible de exterminio después de un hombre en busca de una astilla de la humanidad. Desde su marco inicial, donde las figuras borrosas emergen de un paisaje distorsionado y se vuelven reconocibles como seres humanos cuanto más se acercan a la lente, a su devastadora toma final, la cinematografía de "Son of Saul" califica como una clase magistral en la amalgama orgánica entre la artesanía y el tema. -_ESO_

54."Ingrese el vacío" (2010)

Con el advenimiento reciente (y vastas mejoras) de iluminación LED ajustable, ligera y de color asequible, el cuerpo de trabajo en los últimos 20 años (que se basó más en geles, filtros y prácticos) se ha convertido en uno de los más influyentes en la cinematografía moderna. Los cineastas, ahora equipados con una manera fácil de experimentar e incorporar el color en su propia iluminación, están estudiando cada vez más el audaz uso del color de Debie en sus colaboraciones con Harmony Korine ("Breakers de primavera" y "The Beach Bum") y ("clímax", "irreversible"), pero es el experimental "ingresar el siico" que a menudo los deja sin voz. El mundo de Tokio iluminado por neón por la noche, los personajes que toman drogas psicodélicas y la historia de un concesionario herido que tiene una experiencia fuera de cuerpo: todos estos elementos dan a Noé y Debie Licencia para crear un lenguaje visual de imágenes inestables que se sienten como algo nuevo. El color es emoción y un estado mental, pero también una historia misma. Al igual que con su trabajo en Florida con Korine, no es simplemente el color que Debie agrega al marco, sino cómo filtra y captura el color y la sensación del mundo frente a su lente, lo que crea una paleta diferente a cualquier cosa que hemos visto antes. -_CO_

53."The Lighthouse" (2019)

De alguna manera, especialmente si fuiste a la universidad en Nueva Inglaterra, "The Lighthouse" parece la película de tesis estudiantil más cara jamás realizada. Las imágenes en blanco y negro de la película se limitan a un puñado de sets de repuesto, todas de estudio, y la relación limitada de aspecto 1.1: 9 se siente más cercana al expresivo temor de la "M" de Fritz Lang que el caldero de la atmósfera del director Robert Eggars en la atmósfera en "la bruja". Las opciones formales que se hicieron para construir los marcos de la película (contenidos, claustrofóbicos) son tan contundentes como la veterana veterana del faro de Willem Dafoe. Pero cuanto más tiempo continúe la película, más se repiten las imágenes de Blaschke y los fragmentos, y se refracta, comenzando a asumir un sentimiento mitológico mucho más poderoso. La película fluye desde la lógica de las imágenes a medida que cambia, como la quimera, entre la violencia aguda y repentina de la tierra de los vivos a la neblina de la niebla, el reino misterioso donde podrían vivir las sirenas. Las composiciones limitadas se convierten en paisajes en las caras de Dafoe y Robert Pattinson. El gran logro de "The Lighthouse" es que el control absoluto de Egars y Blaschke sobre la imagen te hace sentir los fuegos del infierno sin ningún color y el océano por todas partes._—Sharam Shakhat_

52."Once Upon A Time in Anatolia" (2011)

Un grupo de hombres busca un cuerpo enterrado mientras son conducidos por pequeñas ciudades y el paisaje turco por un sospechoso aparentemente demasiado borracho para recordar el asesinato. Este tema de una búsqueda evasiva de la verdad es inquietantemente atacada en cada cuadro del director Nuri Bilge Ceylan y el metafísico negro del director de fotografía Gökhan Tiryaki. Las imágenes del enfoque de cine lento de Ceylan evocan el vacío de Antonioni, la atmósfera hipnótica de Tarkovsky y el paisaje de la pantalla panorámica melancólica de Sergio Leone (cuyo "Once Upon a Time in Occidente" y "Once on a Time in America" ​​son referidos por el título de la película). A medida que los hombres comparten detalles y secretos profundamente personales se revelan, el realismo de la historia está envuelto por el paisaje y las composiciones que agregan una sensación de oscuridad y desesperación a los procedimientos. Sorprendentemente, Tiryaki creó imágenes tan fuertes y totales (a menudo con disparo ancho) con cámara HDCAM 1080 (Sony F35 Cinealta 1080) e iluminación extremadamente rudimentaria; Cada composición recibe el cuidado y la exactitud de una pintura bien equilibrada. -_CO_

51."Mudbound" (2018)

Al ver la rica elegancia clásica de "Mudbound", es fácil olvidar cuánto fue el equipo de cine más allá de sus medios (un presupuesto de producción de $ 9 millones de dólares) para crear la hermosa y extensa película del período. Sin embargo, es impresionante no solo por las limitaciones impuestas. Ambientada en Mississippi en la década de 1940, la película del director Dee Rees se trata tanto de hoy como el pasado de nuestro país, lo que lleva a Morrison a evitar la nostalgia dorada del cebo de Oscar de prestigio tradicional. Disparando digitalmente, el director de fotografía captura la especificidad de los fotógrafos de la WPA de la época, como Dorothea Lange y Walker Evans, quienes inspiraron el enfoque del cineasta. Morrison encuentra la humanidad de esta trágica historia en su sorprendente paisaje. Sin embargo, la película visualmente impresionante fue el producto de simplemente capturar la luz natural. Imágenes esto esculpido no son fáciles cuando se disparan en casas de aparceros estrictas y sin ventanas o bajo la dura luz de verano del sur profundo. Antes de "Mudbound", Morrison fue uno de los talentos más emocionantes del mundo de la película independiente. Con esta película, ella ingresó a la lista A. -_CO_

50."Black Hawk Down" (2001)

El drama de guerra histórico de Ridley Scott sobre la redada de 1993 del ejército de los EE. UU. En Mogadiscio, que resultó en la muerte de 19 soldados estadounidenses y la posterior retirada de todas las fuerzas estadounidenses de Somalia, fue liberada tres meses después de los ataques terroristas del 11 de septiembre, lo que lo hizo inesperadamente, y una noche topical. Fue filmado por el director de fotografía polaco Slawomir Idziak con cámaras Arriflex 35 y 435 ES, junto con las cámaras de Moviecam Compact y Superlight y usando las lentes Angenieux HR Zoom y Zeiss Ultra Prime. La película contenía una apariencia desaturada derivada de tonos marrones fangosos y de oliva para establecer el paisaje desolado y sombrío del Mogadiscio devastado por la guerra. Para filmar adecuadamente las secuencias de acción expansivas, filmaron con múltiples configuraciones de cámara, generalmente de seis a ocho, con muchas más para las secuencias más grandes. Sin embargo, a diferencia de muchas películas de acción rápidas de la época, Scott prefería hacer secuencias de combate largas y complejas de principio a fin, con cámaras que capturan momentos específicos según su ubicación. Esta técnica se agregó a la espontaneidad y la autenticidad de las batallas. -_Bd_

"Black Hawk Down" © Columbia Pictures/Cortesy Everett Collection

49."Amélie" (2001)

Ninguna de las películas de Jean-Pierre Jeunet tiene lugar en el mundo real. Siempre ocurren en un universo lateral que es solo un giro a la izquierda de la nuestra, donde las imágenes coinciden con la emocionalidad de la historia y, lo que es crucial, su sentido del humor. Por lo tanto, es apropiado que, para un protagonista que busca el amor con un corazón que late demasiado rápido, el director de fotografía Bruno Delbonnel lava el París de "Amelie" en exuberantes y románticos rojos y verdes en cada oportunidad posible. Es en esa calidez de color y sensación de diseño elevado que incluso la Dolly más simple se mueve en Amélie (Audrey Tautou) parece un poco más mágico e importante, y cuando Delbonnel se pone en una lágrima, hace mucho más que empujar. Esa es la verdadera magia de "Amélie": su estilización invita al espectador a la perspectiva anhelante y asombrada del mundo de Amélie. Nunca nos distancia de la acción y la emoción de la historia. Las imágenes nos sumergen en la sensación de ser una persona implacablemente curiosa y amable para la que las misiones con gnomos de jardín y las cacerías del tesoro de fotomatones como declaraciones de amor son la norma. Que todas las películas que afirman "sumergir" al espectador dentro de un mundo ficticio sean incluso la mitad de atractivos visualmente que "Amélie". -_Ss_

48."Ciudad de Dios" (2002)

César Charlone ha sido el ojo cinematográfico de Fernando Meirelles en cuatro proyectos, incluida la parte del director de la película de antología "Rio, I Love You", pero su primera colaboración sigue siendo su mejor y más vital trabajo. "City of God" establece el listón alto para la cinematografía de mano. La energía Charlone da cada foto de seguimiento o una sartén agitada está tan cargada y cinética que el director de fotografía de la película crea gran parte de la tensión hirviendo de Meirelles. Lo que es tan increíble sobre el aspecto de la "Ciudad de Dios" es cómo ninguno de los disparos de mano distrae de los colores vivos del escenario. El calor del telón de fondo de Río de Janeiro de la película hirven a fuego lento en los sofocantes rojos y naranjas de Charlone, y llena las ciudades y suburbios de paletas tan ricas que la película puede crear un mundo entero de cultura viva y respirada sobre la mosca. La cinematografía portátil puede ser divisiva, pero la "Ciudad de Dios" demuestra cuán dinámica puede ser la ruptura de la cámara. -_Zach Sharf_

47."In the Cut" (2003)

La adaptación de Jane Campion de la novela de Susanna Moore sobre un profesor de escritura creativa (Meg Ryan), que es tanto sospechosa como una posible víctima en una serie de asesinatos, junto con la "hora 25" de Spike Lee como una de las primeras películas post-9/11 verdaderamente grandes, aunque la película de Lee nunca toma 9/11 como un tema. En cambio, "In the Cut" usa su retrato de una protagonista casi catatónica que se desplaza a través de Nueva York con aturdimiento como una metáfora de la cultura estadounidense en general, sin perder de vista sus obligaciones como un thriller erótico. El director de fotografía Dion Beebe emplea un estilo altamente impresionista para colocarnos en el lugar de la frannie de Ryan, creando un mundo lleno de peligro y sensualidad que se expresa en gran medida a través de la luz y el color. Cuando Frannie atrapa su primera visión del asesino, que ni ella ni nosotros sabemos que todavía es un asesino, está oscurecido por la sombra, pero es descrita por el neón rojo desde atrás que se convierte en parte de su camisa blanca un poco amarillo-verde. Es un esquema de color que se repetirá a lo largo de la película, con Beebe alternando o yuxtaponiendo el rojo y el verde para evocar una sensación persistente de emoción sexual y amenaza aterradora. Además de su enfoque único del color (que se extiende a una serie de flashbacks tonificados por sepia), Beebe desdibuja constantemente los bordes de la pantalla para transmitir tanto el punto de vista limitado y limitado de Frannie como el número cultural más grande de una ciudad y un país que aún se ocupan del impacto psíquico del 9/11. Es una obra maestra única, una historia de hadas aterrador y atractiva para adultos. -_Jim Hemphill_

46."Road to Perdition" (2002)

La segunda colaboración del director Sam Mendes y el director de fotografía Conrad Hall después de su trabajo ganador del Oscar en "American Beauty" no solo fue muy diferente de esa película, sino que era muy diferente de prácticamente todas las películas de gángsters de época que lo había presentado. Traduciendo los paneles de la novela gráfica de Max Allan Collins sobre la mafia irlandesa de Chicago de la década de 1930 a imágenes móviles, Hall fue para el realismo naturalista en lugar de la estilización extrema de la mayoría de los intentos modernos de revisar el lenguaje cinematográfico de "Little Caesar", "Scarface" y "Public Enemy". La cruda tanto del entorno de depresión como de la guerra psicológica del guión de David Self encuentra su corolario visual en la luz dura brutalmente despojada de Hall, tonos apagados, profundidad de campo limitada y fondos oscuros que amenazan con tragar a los personajes enteros; Después de décadas de cine negro, "Road to Perdition" logró lo que uno hubiera pensado que era imposible al hacer que el estilo pareciera nuevo nuevamente. -_Jh_

45.“” (2022)

El director Shaunak Sen se llevó un año de filmar a Nadeem y Saud, dos hermanos que dedicaron sus vidas a rescatar a las Birds Black Kite de Nueva Delhi, para descubrir el lenguaje visual de su película, la forma en que la cámara contemplativa reflejaría la perspectiva de los hermanos y capturaría la simultaneidad de la vida no solo entre los pájaros kite y los humanos, sino todos los animales del tóxico de la ciudad. Sin embargo, saber cómo se debe filmar el documental fue simplemente el plan. To execute it, Sen turned to one of the most fascinating cinematographers working today: German DoP Ben Bernhard, whose work with director Viktor Kossakovsky in filming the ocean (“Aquarela”) and animals (“Gunda”) has helped create and expand a new grammar for nonfiction film, and the results of his collaboration with Sen in India are some of the most striking, poetic, and thought-provoking images of 2022. -_CO_

44."Tinker Tailor Soldier Spy" (2011)

Un uso increíble de la lente larga distingue este thriller de espías helado, al igual que el regalo del director de fotografía Hoyte Van Hoytema para la composición que, incluso cuando usa una lente de 200 mm, de alguna manera nunca se siente como un truco visual. Utilizó la sensación voyeurista comprimida de lentes más largas para dar a la historia una sensación de drama desplegable, incluso cuando la densa trama dejó a los espectadores desconcertados. El director Tomás Alfredson usó el libro de fotografías en color de gran formato de Erwin Fieger de Londres de la década de 1960 como la inspiración para el aspecto del período de la película, y al igual que el trabajo de Lachman en "Carol", Van Hoytema reflejó perfectamente el grano, el color y la sensación del formato de época. El trabajo del director de fotografía va mucho más allá de emplear el proceso de captura correcto en la forma en que da vida a la atmósfera manchada de nicotina de Londres con textura de tweed. Dentro de la planitud del color y el espacio, encuentra increíbles belleza y detalle, esa forma única de ver hace la cinematografía de Van Hoytema, desde James Bond ("Spectre") hasta las últimas tres películas de Christopher Nolan, como nada que hayamos visto antes. -_CO_

43."The Aviator" (2004)

El director de fotografía Robert Richardson obtuvo su segundo de tres Oscar para la película biográfica Howard Hughes de Martin Scorsese, protagonizada por Leonardo DiCaprio. Logró una fusión estilística de técnicas de iluminación de época, disparando Super 35 mm con cámaras de platino Panaflex y lentes primo y seis existencias de Kodak diferentes. Pero lo único de la estrategia visual era cómo emulaba digitalmente los procesos de dos colores de Technicolor (rojo y verde) y de tres tiras (rojo, verde y azul), que caracterizaban muchas de las películas en color de Hollywood que Hughes produjo. Para lograr esta ambiciosa hazaña técnica, Richardson trabajó con el tres veces supervisor de efectos visuales ganador del Oscar/director de la segunda unidad ("The Jungle Book," Hugo "," Titanic ") y Technicolor. Crearon un DI sofisticado con una tabla de miradas personalizada (LUT), aplicando lo que equivalía a un filtro digital para lograr el aspecto de dos colores o tres colores. —_Bd_

42."The White Ribbon" (2009)

La meditación filosófica de Michael Haneke sobre el mal y lo que hace que las personas sean susceptibles a las ideologías fascistas marcaron un punto culminante en su colaboración continua con el director de fotografía Christian Berger, cuya fotografía en blanco y negro se siente, paradójicamente, dada la configuración del período de la película, más moderna que una película típica de Black and White. Utilizando contrastes agudos y dependiendo de la luz natural tanto como sea posible, Berger crea una apariencia que expresa clara y concisa tanto el lirismo pastoral como la crueldad despiadada de la historia de Haneke, a menudo dejando que los incidentes más desgarradores existan fuera de los bordes de la imaginación de la audiencia. Después de la ventaja de Roger Deakins en "El hombre que no estaba allí", Berger disparó en color y luego ajustó la escala de grises en el poste, dándole una mayor amplitud de posibilidades que la fotografía en blanco y negro convencional; Dado que esto permitió a Berger capturar tonos que no están disponibles para los cinematógrafos en blanco y negro del pasado, "The White Ribbon" tiene una inmediatez y una sensación contemporánea para recordarnos que el horror que estamos viendo se desarrolla hoy en día, ya que a principios del siglo XX, Alemania en la que se establece la película. -_Jh_

41."Skyfall" (2012)

James Bond y Roger Deakins pueden parecer un emparejamiento no coincidente. Uno vive en un mundo de glamour exótico y fantásticos artilugios de alta tecnología, y el otro trabaja con los principios fundamentados de la fotografía para evocar la emoción del drama realista. Sin embargo, en el contexto de nuestros protagonistas de la franquicia de fantasía, los viajes llenos de acción de Bond están notablemente terrestres y se establecen en un mundo reconocible, suministrando lo suficiente para que Deakins haga lo suyo. Una de las alegrías de "Skyfall" es y se divierte explorando la variada paleta, desde la luz hasta el color y el movimiento, de las piezas de set de Globetrotting de la película. Desde el rico resplandor del casino rojo hasta el rascacielos de vidrio de Neon Billboard en Shanghai, las sorprendentes imágenes del director de fotografía trajeron una sensación de detalles digitales y realismo a la belleza exótica de la película, que, a su vez, sirvió como una película histórica para la cámara de Arri Alexa relativamente nueva en términos de provocar a Hollywood, podría manejar el cenquilla de los ojos de Big Budget. "Skyfall" fue otro ejemplo de por qué la colaboración de Deakins con el diseñador de producción Dennis Gassner ("Blade Runner 2049", "1917", "O Brother, Where Art Thou") sigue siendo una de las grandes alegrías visuales del cine moderno, ya que la iluminación del cinematógrafo se construye e incorpora a los espacios de la película para crear un todo el tiempo visual que es más visual que es más visual que el efecto visual que es más visual que el efecto visual. Y en una vista previa de la futura colaboración del DOP con el director Sam Mendes en "1917", vemos a Deakins, que insiste en operar la cámara él mismo para obtener tanto la sensación como la composición de lo que se desarrolla, utilizando una amplia variedad de herramientas y técnicas para llevar una exactitud visceral a cada momento relleno de acción. -_CO_

40."Babilonia" (2022)

La epopeya pop de Damien Chazelle de Hollywood es tan audaz como las películas, y en su colaborador habitual Linus Sandgren, Chazelle encontró el director de fotografía más audaz posible. Adoptando una filosofía "más es más", Sandgren alcanza los extremos con tanta audacia y pasión como la estrella de cine muda de Margot Robbie, en cada escena, recorta el estilo hasta 11, explotando a sus personajes con luz en los exteriores y empapados en la horrible oscuridad de la oscuridad para secuencias como un gran conjunto de tiempo de todos los tiempos en la película que ofrece un verdadero tebuloso de Maguire. La presentación de ese personaje de Maguire habla de uno de los grandes logros de Sandgren aquí, que es su tabla de la fortuna de los personajes a través de la luz: cuando los encantadores pero condenados habitantes de "Babilonia" están en alto, la luz suave proporciona un brillo tan acogedor que hace que la película se sienta como se disparó en 3D. Cuando las cosas comienzan a salir mal, también la luz, se vuelve más dura y más implacable hasta que deja de existir por completo en las escenas posteriores de la película. Al tomar una película, Sandgren rinde homenaje y destroza la glamorosa historia de Hollywood, antes de que él y Chazelle lo volvieran a juntar todo en un clímax glorioso. -_Jh_

"Babilonia" © Paramount/Cortesy Everett Collection

39."John Wick: Capítulo dos" (2017)

Cuando el director de "John Wick", Chad Stahelski, vio el trailer de "Crimson Peak" de Guillermo del Toro, fue tan golpeado por la profundidad del campo y los ricos colores que ni siquiera esperó para ver la película antes de llamar al director de fotografía Dan Laustsen sobre disparar "John Wick: Capítulo dos". Las películas de "John Wick" Laustsen pasarían a filmar (ha fotografiado todas las películas de la serie hasta la fecha) parecen películas de acción dirigidas por Bernardo Bertolucci o Wong Kar-Wai. Filled with incredibly vivid colors, bold widescreen compositions that earn comparison with the best of Sergio Leone, and a Caravaggio-esque interplay between light and shadow that’s constantly shifting in harmony with the action choreography, “John Wick: Chapter Two” is a feast for the eyes in which the cinematography showcases and enhances the actors’ movements every bit as much as the camerawork in classic musicals like “Singin’ in the Rain "y" The Band Wagon ". El mayor placer de la película es su precisión; La estrecha colaboración de Laustsen con Stahelski y el diseñador de producción de la serie, Kevin Kavanaugh, produce un mundo totalmente realizado en el que ningún detalle visual es extraño y cada eje de luz y chapoteo de color tiene un propósito emocional. Pocas películas de acción son tan hermosas o tan viscerales. -_Jh_

38."Hijos de los hombres" (2006)

La obra maestra distópica de Alfonso Cuarón con el director de fotografía Emmanuel (Chivo) Lubezki fue un avance al estilo documental en su célebre colaboración, con una cámara de mano y largas tomas de seguimiento. Protagonizada por Clive Owen y se ubicó en el contexto de una crisis de infertilidad global en 2027, lograron una estética sombría con una paleta de colores apagados. Lo más memorable fue la forma en que la luz se asomó a través de bengalas que salían de las ventanas. Lubezki filmó en Kodak 35 mm con la cámara Arricam LT y las lentes Zeiss Prime para lograr un gran sentido de naturalismo. La explosión de la bomba de la cafetería de apertura se ha vuelto legendaria: cuando la cámara sigue a Owen hacia la calle de Londres después de que sale del café, es testigo de la impactante devastación. Mientras se abre camino apresuradamente a la calle, la cámara de repente se vuelve inestable. La secuencia establece la imprevisibilidad y la desesperanza que caracteriza la difícil situación de la humanidad. Luego está la famosa escena de persecución de automóviles, con la larga toma estructurada en tres partes: dentro del automóvil con el grupo, la interrupción de un automóvil ardiente que los bloquea, lo que hace que el grupo huya en reversa, y los rebeldes fueron detenidos por un automóvil policial, permitiendo que el grupo escape. -_Bd_

37."El despacho francés" (2021)

El director de fotografía Robert Yeoman y el director Wes Anderson alcanzaron un nuevo pico creativo con su octava colaboración, una animada recreación episódica de historias de una revista ficticia. La naturaleza variada de los cuentos permitió a Yeoman emplear una variedad de técnicas estilísticas, que incluyen moverse entre color y blanco y negro y la transición de una relación de aspecto a otra, mientras que conserva las composiciones simétricas, de enfoque profundo, Anderson siempre ha favorecido, y la amplia gama de estilos se siente tan liberador para el espectador como debe haberlo hecho para Yeoman y Anderson. La película está llena de impresionantes tomas que implican combinaciones de látigos y movimientos Dolly en los que la cámara debe interactuar con los actores en un baile meticulosamente coreografiado, y a menudo son tan elaborados y complejos que el logro técnico en sí es tan responsable de la comedia como la escritura y la actuación. La bravura técnica se extiende a las tomas en las que podría no ser tan obvio para la audiencia, como las muchas composiciones de enfoque profundo que Yeoman tuvo que disparar en un T8 para obtener el aspecto que Anderson quería o una larga toma dolor en la que todos los actores están congelados, pero algunos están extremadamente cerca de la cámara, mientras que algunos están muy lejos, un disparo que colocó una gran demanda en el primer AC de Yreoman, vincente. Los esfuerzos masivos de la tripulación dieron como resultado una película que nunca muestra la tensión, una comedia tan encantadora y estimulante como las obras maestras francesas de New Wave que la influenciaron. -_Jh_

36."The Green Knight" (2021)

La adaptación mística y alucinatoria de David Lowery del poema artúrico del siglo XIV sobre Slacker Sir Gawain (Dev Patel) arriesgó su cabeza para ganar caballería contenía uno de los usos más audaces de color y composición en los últimos años por el cinematógrafo. Esto fue apropiado dada la desorientadora terrible experiencia mental experimentada por Sir Gawain. Encontraron la combinación perfecta de ubicaciones geográficas en Irlanda. Para lograr un sentido de escala y profundidad, Palermo disparó un gran formato con el Arri Alexa 65 con ADN Arri y lentes de tipo T (durante la mayor parte de la secuencia final, donde Gawain imagina un futuro que podría haber sido). Sin embargo, yendo en contra del aspecto típico de las películas medievales, Palermo fue por un diseño visual más colorido y moderno que logró un toque de lo surrealista. Dado que la iluminación interior en los castillos medievales sería tenue, el director de fotografía mantuvo la iluminación de una sola dirección de una sola dirección. Uno de los aspectos más destacados es la confrontación final en la Capilla Verde, que tiene un aspecto febril. -_Bd_

35."Dune" (2021)

El director de fotografía ganador del Oscar entregó el espectáculo del proyecto de Pasión de ciencia ficción del director Denis Villeneuve. Esto fue como una combinación de David Lean ("Lawrence of Arabia") y Andrei Tarkovsky ("Solaris"). Fraser transmitió la construcción del mundo visualmente diversa y su impacto en el viaje mesiánico de Timothée Chalamet como Paul Atreides. Fue fotografiado en gran formato, principalmente con el Alexa LF para transmitir el aspecto distintivo de los planetas, especialmente el planeta del desierto central de Arrakis, con su seductora belleza y poder, que requirió una modulación rigurosa por parte del director de fotografía tanto en composición como en color. Además, Fraser utilizó las cámaras IMAX de 65 mm para los sueños y visiones surrealistas de Paul en Arrakis, que proporcionó un enfoque más subjetivo. -_Bd_

34."Silencio" (2016)

El DP mexicano Rodrigo Prieto unió por primera vez a Martin Scorsese en "The Wolf of Wall Street", pero su colaboración alcanzó nuevas alturas en "Silence". Cuando ves el poderoso drama religioso/de época, la paleta distinta y las imágenes marcadas son sorprendentes, incluso para una película Scorsese, pero no es del todo sorprendente teniendo en cuenta la planificación cuidadosa que entra en cada una de sus películas. Pero Prieto creó la película. Haciendo malabarismos con ubicaciones difíciles bajo condiciones climáticas constantemente cambiantes y duras, Prieto de alguna manera controla los elementos haciendo que la niebla, la naturaleza, el mar y la luz del sol en las herramientas de su estudio al aire libre. -_CO_

33.“Roma” (2018)

Hizo la historia del Oscar como el primer director en ganar el Premio de Cinematografía, gracias a la falta de disponibilidad de su DP, el tres veces ganador del Premio de la Academia Emmanuel (Chivo) Lubezki. Cuarón creó una nueva estética visual, disparando en color con el Alexa 65 pero luego esculpiendo en blanco y negro como un pintor fotorrealista. Recreó meticulosamente el pasado a través de recuerdos de la corriente de conciencia de su familia, casa y vecindario durante los turbulentos 70 en la Ciudad de México. Sin embargo, eligió seguir a la trabajadora doméstica Cleo (nominada a la mejor actriz Yalitza Aparicio) con su cámara itinerante. Cuarón colaboró ​​con Technicolor en el acabado en blanco y negro estéticamente complejo (usando el brillo y la llama de Autodesk). Juntos, aislaron áreas del marco y manipularon el color y los valores tonales para lograr el aspecto monocromático preciso que el director deseaba. El concepto fue disparar en secuencia y colocarnos como observadores objetivos en el flujo narrativo a través del uso de sartenes horizontales dentro de la casa y en la azotea y luego rastrear tiros en el vecindario afuera. -_Bd_

32."The Neon Demon" (2016)

El concepto visual del director Nicolas Reming Refn de una colorida pesadilla nacida en el encanto de la belleza de la magazina de la moda es una de esas ideas que suena emocionante y genial pero no tan fácil de lograr. Afortunadamente, la director de fotografía Natasha Braier, una de las dops más inventivas, ingeniosas e intrépidas que funcionan hoy, no solo creó el elegante brillo de la fotografía de moda de alto precio con una corriente subterránea noirish, sino que lo hizo disparando en múltiples ubicaciones y dentro de los confines de una toma rápida de $ 5 millones. Pintar casi por completo con color y sombra, Brairer transforma Los Ángeles reconocibles en un impresionante paisaje infernal. -_CO_

31."Eternal Sunshine of the Spotless Mind" (2004)

Cuando hablamos de la magia de la "Eternal Sunshine", a menudo se trata de la combinación de chocolate y mantequilla de orina de la ingeniosa locura narrativa del escritor Charlie Kaufman y la poesía visual efímera del director Michel Gondry. Sin embargo, es la cinematografía de Ellen Kuras la que sirve como pegamento que mantiene los dos unidos. En un nivel muy práctico, la iluminación de Kuras sirve como una exposición vital, delineando claramente las diferentes dimensiones y suministrando transiciones inventivas, que permite que el complejo dispositivo de ciencia ficción se derrita en el fondo y la poesía metafísica se eleven a la cima. En una película sobre el borrado de los recuerdos, la iluminación en sí tiene una fragilidad en su belleza desgarrada que crea una textura visual. El resultado no solo refleja los temas de la película, sino que se convierte en el principal dispositivo de narración de cuentos. Kuras crea una película que es íntima y de otro mundo a la vez. -_CO_

30."Sightly" (2018)

La "Suspiria" original no es solo uno de los mejores usos del color saturado en la historia del horror sino en todo el cine. Lo fascinante de la remake de la directora Luca Guadagnino y el director de fotografía Sayombhu Mukdeeprom es cómo fueron en la dirección opuesta con su entorno de la Guerra Fría más monótona para crear algo que estuviera tan vivo. En la era digital, este tipo de película desaturada a menudo se logra con un giro del dial en la publicación, aplastando la vida y el alma de la imagen. Eso no es "Suspiria". La paleta estrecha de la película es un tour de force de cinematografía exquisitamente esculpida: imágenes vívidas, casi opulentas, con una rica capa apilada sobre una rica capa: el tono de la piel de porcelana, la sinfonía de los colores apagados, la delicada luz de invierno. Todo eso transfiere sin problemas a dimensiones alternativas, como el espacio sombrío e indefinido en los corredores, la teatralidad de la actuación de Volk, las pesadillas etéreas y ... bueno, ese final. Mukdeeprom captura perfectamente la esencia del director de fotografía Michael Ballhaus, cuyo trabajo de los años 70 con el director alemán Rainer Werner Fassbinder encarnó el espíritu de la época que Guadagnino estaba tratando de canalizar, pero lo hace suyo. -_CO_

"Suspiria" © Amazon / Cortesy Everett Collection / Everett Collection

29."Mulholland Drive" (2001)

Cuando el director de fotografía Peter Deming se reunió con su director de "PEERT Highway" David Lynch para "Mulholland Drive", pensó que estaba filmando un piloto para una serie de televisión en la línea de "Twin Peaks" de Lynch. Gracias al desdén de la red por lo que Lynch entregó, el piloto se convirtió en un lanzamiento teatral después de que a Lynch se le ocurrió un nuevo acto final que transformó al Noir de Hollywood en una película de rompecabezas interminablemente fascinante y finalmente insoluble. Yuxtapone la luz solar que tanto las persianas como los ingresos de la ciudad con las noches negras lechosas que atraviesan los escuadrones apartamentos del centro de Los Ángeles y sus fiestas más tontas en las colinas de Hollywood, Deming usa la luz como un corolario visual para las preocupaciones temáticas de Lynch y transmite el significado que el patrón de pantalla intencionalmente inexplible obfes. A veces, los actores en la misma escena se iluminan de manera completamente diferente para reflejar sus experiencias, como en un intercambio entre Betty (Naomi Watts) y Rita (Laura Elena Harring) en el que la luz que golpea a Betty es natural y la luz sobre Rita es una luz suave antinatural desde arriba para indicar el estado de sus sueños. Cuando el sueño se convierte en una pesadilla en el desgarrador acto final de la película, Deming lleva a "Mulholland Drive" directamente al territorio de la película de terror, empapando a sus personajes en las sombras que harían que Jacques Tourneur sea verde con envidia. -_Jh_

28."Invisible Life" (2019)

Año tras año, el director de fotografía francés Hélène Louvart, especialmente a través de su trabajo con directores como Alice Rohrwacher y Eliza Hittman, ha producido algunas de las cinematografía más texturales, íntimas y orientadas a la historia vistas en el Circuito Internacional del Festival de Cine. Con "Invisible Life", el director de fotografía logró producir el tipo de imágenes hermosas que personifican su talento. Esta película se basa en la exuberante panorama nocturna y el paisaje tropical de Río, que Louvart puede construir orgánicamente para incorporar los elementos mágicos de la película. A través de un uso increíble de lentes anamórficas, luz de fondo y saturación de color, las escenas nocturnas cobran vida con imágenes que coinciden con la vitalidad de la música. A través de contrastes brumosos, la piel del elenco irradia, a menudo enmarcada por el punto destacado perfecto, para proyectar una vida y un espíritu interno que subraya las sutilezas de rendimiento e historia. Una película luminosa en todos los sentidos de la palabra. -_CO_

27."Interestelar" (2014)

La primera colaboración del director Christopher Nolan con el director de fotografía Hoyte Van Hoytema es una epopeya de ciencia ficción firmemente arraigada en la autenticidad, ya sea que sea realmente posible o no, se siente real, y eso es lo que motivó las decisiones de Nolan y Van Hoytema al encontrar un estilo. Van Hoytema filmó un poco más de una hora de los 170 minutos de la película en 155 mm IMAX de 65 mm, disparando el material restante en 35 mm anamórfica y 8-Perf Vistavision. Lo interesante de esta elección no es la forma en que Van Hoytema usa el formato IMAX para las escenas de espectáculo de la película, aunque esas son apropiadamente impresionantes, sino la forma en que lo aplica a los momentos más íntimos de la película, aprovechando la profundidad, la claridad y el tamaño de Imax para crear retratos que atrae a la audiencia emocional de los padres y los niños. El deseo de forjar esa conexión entre el espectador y los personajes condujo a otras innovaciones, como la creación de una plataforma que uniría a los actores IMAX a los actores a través de un sistema de cables y plataformas de carrocería suspendidas, una especie de IMAX GOPRO, y Nolan y Van Hoytema se intensificarán a la conexión de la audiencia a los conjuntos y la Camera de la Camera de la Camera de la Cerlawobia de la Claustróbica de un Spotes de Spide. tiempo. Con ese fin, Van Hoytema trabajó con el asistente de Panavision Dan Sasaki para construir lentes personalizados que le permitieran obtener los disparos que necesitaba en los conjuntos de naves espaciales, que se diseñaron a propósito para que las paredes no se movieran ni salían volando. (Sasaki también fue llamado a crear lentes que se establezcan de manera diferente a los anamórficos típicos: en las palabras de Van Hoytema, "más cálido y esponjoso"). El resultado final es un clásico de ciencia ficción de poder emocional profundo e inmediatez. -_Jh_

26."Moonlight" (2016)

Hay una tensión visual inherente en el aspecto de la "luz de luna" de Barry Jenkins. Ubicada en las duras realidades de Liberty City, una sección empobrecida de Miami donde Jenkins y el coguionista Tarell McCraney crecieron, el vecindario bañado por el sol está lleno de brillantes colores pastel y exuberantes árboles y hierba tropicales. Lo que Jenkins ha llamado una "hermosa pesadilla" se da vida en el director de fotografía, en el que puedes sentir el calor del sol de Miami en las caras de los personajes, ya que revela colores ricos de los tonos medios y le da a la película una calidad de ensueño. Jenkins y Laxton no solo eluden el realismo documental que esperamos de un indie estadounidense que aborda los problemas sociales, sino que también desafían las probabilidades de una cine de bajo presupuesto para traer un nivel de oficio extremadamente alto a este poco probable ganador del Oscar. -_CO_

25."Mad Max: Fury Road" (2015)

"Mad Max: Fury Road", soñó en un avión y realizado por un director de 70 años 35 años después de su debut con el "Mad Max" original, no sigue ninguna fórmula que un ejecutivo de estudio reconociera. Para filmar su visión de una película de acción sin parar, "Una película muda con sonido", George Miller sacó a un gran director de fotografía australiano de la jubilación para este logro nominado al Oscar. Siguieron algunos tropos occidentales, sustituyeron las ruedas por los caballos y se enfrentan a los adversarios entre sí en un desierto interminable, pero se alejaron de los clichés posapocalípticos imitativos saturando la paleta de colores y evitando el aspecto del depósito de chatarra de otros paisajes distópicos. Dos secuencias impresionantes implican una mejora digital. Una es la tormenta de polvo masiva que envuelve el enjambre de vehículos en guerra, que se pierden en una bruma CGI de ensueño. El otro está en el amplio desierto (filmado en Namibia) en una noche azul de color azul con estrellas brillantes. Al igual que los westerns de los años 40 y 50, lo dispararon día por la noche, con una luz brillante en el cabello, la piel y los ojos. -_Anne Thompson_

24."Retrato de A Lady on Fire" (2019)

Las mejores películas son siempre, de alguna manera, sobre el acto de mirar; Pero el trabajo de la director de fotografía Claire Mathon no es el primer lugar de Katie Mitchell o el Top 25 de esta lista simplemente jugando con perspectiva. Las largas tomas de Mathon y el encuadre cuidadoso establecen la dinámica de poder entre la pintora Marianne (Noemie Merlant) y su sujeto, el Héloïse (Adèle Haenel) que se enfrenta a la próxima vez, luego rompe esas dinámicas. El uso concentrado del color, el movimiento de la cámara es deliberado y tan expresivo como una pincelada, y el juego de la luz, la sombra y la llama natural trabajan juntos para crear un ambiente que está más musicalmente vivo que incluso la puntuación romántica más exuberante. La película realmente no necesita una. Es todo lo que lleva a Marianne y Héloïse a conocerse y amarse de una manera que puede ser evocada (pero nunca capturada por completo) por el arte del entorno del siglo XVIII de la película. Pero la cámara de Mathon lo captura. Las imágenes del "Retrato de una dama en el fuego" se ven engañosamente simples, aunque hermosas, pero hay innumerables opciones y técnicas que colocan a la audiencia en la pose exactamente correcta para verlo. -_Ss_

23."Héroe" (2002)

El director Zhang Yimou literalmente eleva la película de Wuxia, ya que algunas de las estrellas de arte marcial más grandes del mundo están prácticamente sin peso en algunas de las escenas de pelea más hermosas comprometidas con el cine. La dirección de Yimou está limpia, lo que permite una pura apreciación del arte de las peleas, sin mencionar la forma en que se incorporan a sus fondos naturales, todos los cuales están filmados con colores vivos por el DP DP DP DP de War Kong-wai. La película explota con imágenes de color caramelo que son una alegría pura._CO_

22."El engañado"

El mundo del sur de la Guerra Civil Gótica de la Directora Sofía Coppola está envuelta en una atmósfera gruesa y nebulosa que nos lleva al interior de un grupo de mujeres cortadas del resto del mundo durante la guerra. La piel de porcelana, el exterior gris de gasa que gotea con humedad, el calor de la luz de las velas que se estrecha en el negro celuloide, la forma en que la luz natural entra en la casa y brilla sobre la piel de Colin Farrell, podríamos seguir y seguir. La iluminación de Philippe Le Sourd crea texturas que prácticamente puedes sentir. Combinado con el uso de la cámara y el suyo de Coppola, una hiperrealidad con carga sexual se desarrolla debajo del exterior gentil de las mujeres. -_CO_

21.

Con "Nope", Jordan Peele hizo su versión de un éxito de taquilla ovni de gran presupuesto desde la perspectiva negra, en IMAX, nada menos. Básicamente es una película de terror de advertencia sobre nuestra adicción a Spectacle que también ofrece todos los productos cinematográficos que esperamos del tipo de objeto atractivo del que nos está advirtiendo. No sorprende que Peele elija Hoyte Van Hoytema como su director de fotografía; Van Hoytema es el maestro del gran formato y el rodaje en el cine, gracias a su innovadora colaboración con Christopher Nolan ("Interestelar", "Dunkerque", "Tenet" y el próximo "Oppenheimer"). Naturalmente, Van Hoytema estaba de humor experimental con "Nope". Disparó con cámaras IMAX de gran formato para la acción inmersiva junto con las cámaras Panavision System 65 para el resto (con Kodak suministrando una película de 65 mm para ambos). Tomó la cámara voluminosa en su hombro y en helicópteros para lograr una sensación única de grandeza y creciente terror. Cada ataque fue estampado después de un género diferente: ciencia ficción, horror, película de desastre y Western. Sin embargo, la mayor innovación de Van Hoytema fue idear una técnica para filmar un gran formato día de noche para una visión nocturna más realista. Esto consistió en disparar cada secuencia en una ARRI Alexa 65 personalizada para disparar infrarrojo apuntando verticalmente en perfecta alineación con una cámara PanaVision System 65, que estaba en un eje horizontal. El metraje se mezcló con una sincronización perfecta. -_Bd_

20."West Side Story" (2021)

La extravagancia musical de Janusz Kaminski y Steven Spielberg es más que una reinvención del original de 1961 de Robert Wise y Jerome Robbins; Es una celebración de toda la forma de arte de los musicales de Broadway, con evocar el glamour y la belleza que siempre asoció con la forma como inmigrante cautivado por la cultura estadounidense. Al abarcar el potencial del exceso melodramático inherente a la historia, Kaminski crea una sensación de romanticismo brillante en cada cuadro, colocando a sus personajes en grupos teatrales de luz y aprovechando al máximo el diseño de producción y los disfraces que abarcan toda la rueda de color. Una interacción temprana entre María, su hermano Bernardo y la novia de Bernardo, Anita, podrían haber sido una escena de diálogo estándar, pero al bloquear a los actores en medio de telas de colores brillantes colgando en el apartamento y utilizando el vidrio manchado como un elemento de diseño, Kaminski y Spielberg permiten una vibrante interacción de luz, la sombra y el movimiento. Cuando la película realmente se suelta con sus números de baile ambiciosos y elaboradamente coreografiados, Kaminski va aún más lejos, empapando a sus actores a la luz que les da a ellos y a su entorno una cualidad casi mágica a la par con los mejores musicales del apogeo de MGM. -_Jh_

Captura de pantalla de "West Side Story"

19."Ida"

La fotografía en blanco y negro ha sido, durante todo el siglo XXI. Pero es raro que esa elección sea tan esencial para contar la historia de una película como en "Ida". La película de Pawel Pawlikoski sigue a una joven monja polaca (Agata Trzebuchowska) que, en el precipicio de tomar sus órdenes sagradas, asomaba su cabeza velada del claustro para descubrir verdades ocultas sobre quién era su familia y el mundo que va a prever la ropa. Y el poder brutal e impresionante de la película es que el peso emocional de esas verdades nunca se dice tanto como se detecta a través de las imágenes compuestas por los coinematógrafos Ryszard Lenczewski y Lukasz Zal. El blanco y negro sumerge al espectador en una atmósfera escalofriante de silencio deliberado y desesperación casual que es sorprendentemente hermosa, una en la que la evidencia de la destrucción de la Segunda Guerra Mundial es tan clara como el margen y las raíces que reclaman su lugar en la naturaleza. El uso de la luz y la sombra de Lenczewski y Zal son tan nítidos que pueden perforar la armadura, y eso solo haría que "Ida" sea una narración maravillosamente romántica de una historia trágica. Sin embargo, lo que hace que la cinematografía de la película sea excelente es la forma en que los marcos de Lenczewski y Zal enfatizan cuán frágiles son los mundos que hacemos, a través de la forma en que la luz que llega a través de una ventana golpea una bañera un poco incorrecta o la forma en que una estatua de Jesús se ve como tanta madera mientras se lleva a través de la nieve. Mientras la cámara persiste en hormigón agrietado y fachadas desnudas, las imágenes de la película expresan el daño latente que está en todas partes alrededor de Ida, con la que debe considerar para tener alguna oportunidad de hacer la paz. -_Ss_

18."Once Upon A Time in Hollywood" (2019)

Quentin Tarantino se reunió con el director de fotografía favorito Robert Richardson por su afectuosa oda hilarante a la transición entre la antigua era del estudio y el nuevo Hollywood de la década de 1970, y ambos cineastas fueron claramente vigorizados por las posibilidades que ofrecía la premisa. In telling the story of fading star Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), his stuntman Cliff Booth (Brad Pitt), and their eventual intersection with real-life Hollywood icon Sharon Tate (Margot Robbie), Richardson was given free rein to recreate TV westerns, Italian exploitation films, pop music dance shows, weekly procedurals, John Sturges-esque war films, and a whole Mucho más, al tiempo que se desvía por un espoluznante horror inspirado en "Texas Massacre" inspirado en un viaje lateral para visitar a la familia Manson en Spahn Ranch. La variedad de estilos y tradiciones que se celebran es vertiginosa, pero todo se siente de una pieza, unificada por la dedicación de Richardson y Tarantino a la composición clásica y el movimiento de la cámara en forma de grúa deslizante y dolly. -_Jh_

17."Sr. Turner" (2014)

Es muy posible que ningún pintor haya creado más imágenes asombrosas e inspiradoras usando la luz solar que el pintor inglés del siglo XIX J.M.W. Tornero. La idea de hacer una película biográfica sobre el famoso pintor en el que la película reflejaría la luz de sus famosos paisajes parecía un experimento destinado a terminar mal, especialmente para un director como Mike Leigh, cuyos trabajos anteriores capturaron en su mayoría la realidad. Eso está subestimando los talentos a menudo no anunciados del DP Dick Pope británico, uno de los cinematógrafos más competentes que trabajan hoy en día. Pope viajó a la casa de Margate de Turner para encontrar la luz que inspiró al pintor, luego construyó un calendario de producción alrededor de obtener la luz en la hora adecuada del día. Incluso para los interiores, se negó a hacer CGI por las ventanas y usó pinturas al óleo reales como su referencia. El mayor cumplido que uno puede pagar la película es que logra capturar la esencia del trabajo de Turner. -_CO_

16."Gravity" (2013)

Desde la producción de "gravedad" comenzó hace casi una década, la tecnología ha avanzado significativamente, mientras que los flujos de trabajo de cine virtuales se han establecido mucho más. Y, sin embargo, cuando lo empujan ciegamente al territorio desconocido de crear con cámaras virtuales y luz, el director de fotografía Emmanuel Lubezki no solo rompió el código; Produjo un nivel de arte cero-G que nadie se ha acercado desde entonces. A través de su trabajo con Terrence Malick en "Tree of Life" y "New World", es fácil pensar que el director de fotografía es el maestro de cine instintivo de su generación: su trabajo con la luz natural y la virtuosa Camera de las Cameras de improvisación elevada y liberada el cine poético de Malick es una manera tan emocionante. Sin embargo, de alguna manera en "Gravity", Lubezki pudo fabricar la belleza de la luz natural con el cóctel perfecto de las luces de cine en el escenario y la iluminación virtual en servicio. Y mientras pionera las herramientas de generación de computadoras no maestras, de alguna manera produjo el mismo tipo de movimientos de cámara de toma larga que logró en "Children of Men" y luego "Birdman". El trabajo de Lubezki en "Tree of Life" y "Gravity" demuestra todo el potencial de las dos direcciones muy diferentes. Se dirige el cine de hoy. -_CO_

15."Carol" (2015)

El director Todd Haynes y el director de fotografía Ed Lachman, que se remonta a "Far From Heaven" de 2002, es prodigioso y profundo, pero el conmovedor romance "Carol" de 2015 es la mejor destilación de sus poderes compartidos hasta ahora. Continuamente preocupada por el tiempo y el lugar y poseer una habilidad real para retratar la configuración del período a través de los detalles, la iluminación de Lachman es la más cálida hasta el momento, transmitiendo la intimidad de los espacios en los que Carol (Cate Blanchett) y Therese (Rooney Mara) se encuentran y, con mayor frecuencia, se esconden juntos. Pocos romances miran tan atrevidamente personal, rogándole a la audiencia que llegue más allá, al tiempo que hace que sea claro que de alguna manera se entrometen. Impulsado por primeros planos luminosos y burlas de las promesas hacia las promesas lejanas, la lente de Lachman es tan exuberante como se vuelve y igual de desgarrador. -_Kate Erbland_

14.“” (2016)

El director de fotografía Chung Chung-hoon y Park Chan-Wook han colaborado desde 2003 ("Old Boy") para crear algunas de las obras cinematográficas más singulares del siglo, pero es con "The Handmaiden" que el trabajo de Chung se permite que realmente brille. Su cámara siempre se mueve con un sentido divino de propósito: Park sabe cómo retirar cualquier espacio para cada onza de su potencial drama, pero la iluminación de Chung nunca ha sido más medida o exacta. Las escenas nocturnas están cubiertas de una luminosa neblina gris que persigue la propiedad con los fantasmas de los parientes descartados de Lady Hideko, y las escenas de sexo están empapadas en una calidez flexible que resiste activamente el vacío de la pornografía; Hay una honestidad en estas imágenes que permite a Park disparar un 69 mientras lo mantiene 100. - -_David Ehrlich_

13."A Star Is Born" (2018)

En el director, coguionista y la versión 2018 de Star Bradley Cooper de una de las historias favoritas de Hollywood sobre sí misma, Matty Libatique mantiene la cámara en el escenario con la estrella Rising Star Ally (Lady Gaga) para transmitir su experiencia de ir de cantar en pequeños clubes a los mayores arenas del mundo. Con una asistencia del operador de Ace Steadicam, Scott Sakamoto, la cámara inquieta de Libatique tiene una subjetividad extrema tanto en las secuencias de conciertos como en los momentos íntimos que representan la trágica historia de amor entre Ally y Jackson Maine (Cooper). A medida que el equilibrio de poder en la relación cambia de Jackson a Ally, los colores se vuelven más vívidos para reflejar la intoxicación de Ally con la fama, solo para cambiar a la luz blanca en su escena final para traerla de regreso a la Tierra. A lo largo de la película, Libatique le da a Ally y Jackson su propio lenguaje visual distinto, aplicando lentes específicas, técnicas de iluminación y filtración a cada personaje que luego ingresa al mundo del otro personaje cuando están juntas, ya que una persona u otra se le da mayor peso dramático. Es . -_Jh_

12."Miami Vice" (2006)

Trabajando con los cinematógrafos Dion Beebe y Paul Cameron, el director Michael Mann abrió nuevos caminos en su thriller de 2004 "Associantal", una de las primeras películas de estudio importantes en utilizar la captura digital. No fue solo disparar digitalmente lo que hizo que "garantía" sea especial; Fue el hecho de que Mann adoptó las propiedades de Digital y maximizó su potencial. En lugar de simplemente tratar de replicar un aspecto de película, Mann usó digital para hacer lo que la película no podía, capturando exteriores nocturnos muy detallados en los que el paisaje de Los Ángeles parecía extenderse al infinito. Cuando Mann y Beebe se reunieron dos años después para "Miami Vice", llevaron los experimentos de "garantía" a un nivel completamente nuevo. La fotografía nocturna de enfoque profundo es más detallada y dinámica que nunca, pero donde "Miami Vice" se distingue en las escenas diurnas, donde el sensor digital crea una sensación palpable de luz que golpea a los actores y paisajes con un impacto que es sensual y billado, de alguna manera hiperreal y extraña poética al mismo tiempo. (Irónicamente, parte de lo que se parecen a los momentos más simples requerían la luz más artificial, ya que Beebe tuvo que asar a sus actores para equilibrar la luz solar extrema que se inundan en los interiores desde afuera, tanto para la teoría que lo digital requiere menos luz). En última instancia, la verdadera grandeza de la "vicio de Miami" se encuentra en la forma en que Beebe y Mann usan las cualidades de las calidad digital de las aplicaciones digitales y es más práctica de las aplicaciones prácticas de la calidad. experiencia puramente visceral e inmediata; La ansiedad y la adrenalina corriendo a través de las venas de los policías encubiertos en el centro de la película son claros en cada imagen de ensueño y afilas de afeitar. -_Jh_

11."Blade Runner 2049" (2017)

Lo que Roger Deakins hizo durante el pasado con "El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford", lo hace para el futuro en "Blade Runner 2049", encontrando el lenguaje visual preciso para el período que está tratando de transmitir. Cuando intentas desarmar los elementos visuales de la película (los efectos visuales, los fondos compuestos, los hologramas, puede parecer razonable preguntar dónde se detiene la cinematografía de Deakins y comienza la magia digital. Pero incluso mirar "Blade Runner 2049" de esa manera es malinterpretar la contribución de Deakins o la naturaleza de su colaboración con el director Denis Villeneuve. Después del director, comenzó a trabajar con su gran director de fotografía para determinar cómo lo construirían visualmente. Más allá de la luz y el color inspirado e inspirado: neblina de azufre naranja, luz de invierno plateada, la luz líquida amorfa de la guarida de Jared Leto, los pequeños bolsillos de luz interminables que dan profundidad a los vastos exteriores de Noir, esta fue una película que se inclinó fuertemente en el conjunto de habilidades particulares de Deakins. Gracias a su exhaustiva planificación previa y su control, realmente no puedes separar los efectos visuales del resto de las imágenes. Todo está perfectamente unificado en un mundo que, no muy diferente de Ridley Scott y el trabajo magistral de Jordan Cronenweth en el "Blade Runner" original, está construido y definido por la luz. El trabajo de Deakins en "Blade Runner" es una hoja de ruta para Hollywood, lo que demuestra cuán efectivos pueden ser los efectos visuales cuando un director de fotografía está involucrado de concepción a compuesto a corrección de color. -_CO_

10."Kill Bill Vol. 1 y 2" (2003-4)

Robert Richardson y Quentin Tarantino todavía se sentían en esta primera colaboración, "Jackie Brown", que fue, al menos desde el punto de vista de la cinematografía, la película más ambiciosa del director. Cinemáticamente, Tarantino dejaba los confines de Los Ángeles por primera vez para ingresar completamente a un mundo visual compuesto por una amplia gama de influencias de las artes occidentales y marciales. El uso del color, la luz y el movimiento de Richardson elevaron las referencias de género de cada pieza en una marca audaz y expresionista de cine personal. Desde el vigor de la cámara hasta el golpe de las zooms de Snap-Snap hasta la coreografía de la lucha, Richardson marcó el sentido de movimiento juguetón y violento de Tarantino y entregado con precisión visceral y montones de personalidad. Comenzando con "Kill Bill", Richardson se convirtió en el buque principal de Tarantino para crear mundos que fueron exclusivamente suyos y coincidentes para la belleza estilística del trabajo que lo llevó a convertirse en cineasta en primer lugar. -_CO_

"Kill Bill: Volumen 2" © Miramax/Cortesy Everett Collection

9."Madre de George" (2013)

Con "Selma" y "llegada", Bradford Young se estableció como uno de los cinematógrafos de élite de Hollywood. Sin embargo, no hace mucho tiempo, Young era el mejor camarógrafo que trabajaba en películas independientes. Sus películas de Sundance, que incluyen "Ain’t They Bodies Saints" y "Pariah", eran visualmente audaces pero clásicamente hermosas y unificadas en su look, una rara combinación para el cine de bajo presupuesto. No hay mejor ejemplo que la "Madre de George" de Andrew Dosunmu, un esquema de iluminación de alto contraste que permite que la oscuridad llene el marco y crea un paisaje urbano siniestro, mientras que tiene una rica paleta de colores y presenta a los personajes con gran calidez y reverencia. Young no se avecina a través de la iluminación y expone los tonos de piel más oscuros en una historia de una pareja nigeriana que vive en Brooklyn, sino que esculpa sus caras con una fuerte luz direccional que se refleja con la majestad. -_CO_

"Madre de George"

8."The Inmigrant" (2014)

Ninguna película en la memoria reciente se ha inclinado a la verosimilitud para producir un paisaje emocional tan pictórico y vasto. El director de fotografía Darius Khondji captura la experiencia de la abuela del director James Gray que emigra de Polonia (el guión de Gray se basa en revistas) al encontrar el poético en el realismo de disparar en espacios de calambres de las viviendas del lado este del Lower East y reflejar los colores apagados y la luz subestimada de las interiores de la lámpara de gas de la década de 1920. En lugar de simplemente resolver problemas para las limitaciones, como cómo disparar anamórficos de pantalla panorámica sin derribar una pared, Khondji encuentra una complejidad compositiva increíble en lo que está oscurecido, grabando detalles en los marrones oscuros, canalizando las obras de los grandes pintores del siglo XIX, los colores artísticos de los colores mutados de los autos de Lumière y gordon Willis "GodeMater". La textura de la película es evocadora y rica por la bajo exposición y la combinación de atmósfera y luz sin sentirse forzada o socavar las realidades más duras de la historia. -_CO_

"The Inmigrant" © Weinstein Company/Cortesy Everett Collection

7."House of Flying Daggers" (2004)

"House of Flying Daggers", como su primo de Wuxia "Tigre agachado, Dragón Hidden" y el propio "Héroe" del director Yimou Zhang, opera con una lógica visual elevada. El color está tan organizado y los paisajes se establecen con una emoción tan pintoresca y la acción es tan fluida y fluida que la elegancia de las imágenes se convierte en un tipo de juego en sí mismo. Pero dentro de las secuencias de acción asombrosas de la película (y las quietud que son igualmente esenciales para ellos), el director de fotografía Xiaoding Zhao convierte el movimiento de la cámara o la revelación repentina de un nuevo cuadro en su propio tipo de deleite. El uso alternativo de Zhao de la escala lenta o rápida, la escala de disparo y una profundidad de marco equilibrada que parece llamar a la audiencia hacia adentro, lo que hace que las imágenes de la película sean un medidor poético tanto como un medio para transmitir información de la historia. Incluso las adiciones generadas por computadora en 2004, la ráfaga de dagas en un bosque de bambú (o nueces en un burdel de clase alta), se sienten como en casa en este mundo intensificado, donde los ciegos pueden ver la más clara y nada es más exquisito que un toque de sangre en la nieve._—Ss_

"House of Flying Daggers" © Sony Pictures/Cortesía de Everett Collection

6."Habrá sangre" (2007)

Uno siempre tiene la sensación de que Robert Elswit y Paul Thomas Anderson aprenden unos de otros durante el proceso de hacer una película juntos, no solo cómo lente algo, sino dónde mirar, qué ver y qué no ver. Elswit ha demostrado durante mucho tiempo poder hacer cualquier cosa, desde los éxitos de taquilla de la raya "Misión: Imposible" hasta las comedias del período de Gonzo como "Vice inherente", pero su nitidez siempre marca su trabajo. Y la oscuridad también se eleva con más magia (y monstruosa) en la obra maestra de Anderson en 2007, "Habrá sangre". Un drama de personajes íntimo escribe grande, la cámara de Elswit es tan cómoda capturando a Daniel Day-Lewis, enfurecido y enfurecido, como una vista radical de la promesa estadounidense del oeste. La oscuridad brilla y se consume. -_El_

"Hay sangre" © Paramount/Cortesy Everett Collection

5."Guerra Fría" (2018)

En muchos sentidos, la "Guerra Fría" es un mejor escaparate para el director de fotografía Lukasz Zal que "Ida", la película anterior en blanco y negro que filmó para el director Pawel Pawlikowski, que le valió una nominación a la de la Cinematografía Oscar. Para la "Guerra Fría", Pawlikowski y Zal marcan el contraste mientras elevan la cámara para que pueda profundizar en espacios evocadores. La película también llegó con meses de preparación, durante los cuales los colaboradores diseñaron cuidadosamente las tomas más largas para que la narración visual se reduzca a sus elementos esenciales: cada movimiento es un ritmo dramático de la narración de historias, mientras que Zal enfatiza incluso los gestos más pequeños para darles implicaciones profundas, hasta el final trágico. -_CO_

"Guerra Fría" Amazon Studios

4."Lejos del cielo" (2002)

Todd Haynes ha arrojado al director de fotografía Ed Lachman algunos desafíos difíciles en el transcurso de sus colaboraciones, pero nada encabeza sus intentos de reflejar las imágenes icónicas de los melodramas de Douglas Sirk de la década de 1950 ("todo lo que el cielo permite"), que fueron capturados por el gran Metty Metty en el escenario de sonido universal en la tecnología de tres disparos, mientras que disparan en la ubicación de la nueva ubicación. Lachman, un mago técnico que hace su tarea, de alguna manera clavó el aspecto de un esquema de luz de cuadrícula superior (a pesar de trabajar con techos domésticos de 10 pies), una deslumbrante paleta de colores saturados (a pesar de la limitación de las existencias de películas de 2002), e incluso encontró una manera de controlar el sol para darle a los exteriores una sensación de retroceso. Lachman, el raro DP que encontró su camino para filmar a través de las bellas artes, no es simplemente un camaleón fotográfico sino un artista. Al igual que con Sirk, la belleza de la superficie sirve como una forma de represión con marcos que literalmente encarcelan a los personajes que luchan contra el racismo, el sexismo y la homofobia, mientras pintan sus estados emocionales con esquemas de colores asombrosos. Si el experimento de "lejos del cielo" fuera descubrir si el estado emocional elevado del melodrama de estilo de los años 50 aún podría funcionar en una audiencia moderna, la respuesta volvió como un rotundo "¡sí!" Pero solo si Lachman lo está disparando. -_CO_

"Lejos del cielo" © Focus Films/Cortesy Everett Collection

3."En el estado de ánimo para el amor" (2000)

Christopher Doyle, Mark Lee Ping Bing y Pun-Leung Kwan comparten un crédito de cinematografía sobre "En el estado de ánimo para el amor", la historia dolorosamente elegante de Wong Kar-Wai de dos personas que se unen una vez que se dan cuenta de que sus cónyuges están teniendo una aventura. Pero debido a que la película en su uso de ubicaciones, composiciones y ángulos de cámara, no solo es imposible elegir quién filmó qué escenas, sino además del punto. Sin volverse repetitivos, las imágenes crean un ritmo en la vida de los personajes que nos da una idea de su día a día y la atracción magnética, quizás del amor en sí mismo, que lentamente los une. La sensación de las relaciones, las obligaciones e incluso sus hábitos de comida para llevar los personajes se reforzan continuamente a través del marco cuidadoso del DP, atrapando a Tony Leung y Maggie Cheung en algún marco geométrico general; Sin embargo, ellos mismos son a lo que la cámara siempre se centra en nuestro enfoque, el punto que aparece más dentro de cada cuadro de color bellamente compuesto y suntuosamente de color. Para una película que se filmó de manera algo improvisada en el transcurso de 15 meses, hay una abrumadora sensación de diseño para el aspecto de "en el estado de ánimo para el amor". Cada textura, cada color, cada composición maravillosamente densa, por no decir nada de cómo los zarcillos de humo de cigarrillo sugieren el dolor del tiempo que pasa, en cada disparo se compone con el objetivo de lograr que la audiencia anhele que los protagonistas se besen. En cada disparo, lo quieres. Y, por supuesto, la belleza de "en el estado de ánimo para el amor" es que en cada toma, no lo hacen. -_Ss_

"In The Mood for Love" © Miramax/Cortesy Everett Collection

1.Ate "El árbol de la vida" (2011)

Un poema visual contado con luz. Mientras que "The New World" encontró al director de fotografía Emmanuel Lubezki agregando una nueva capa importante al idioma de Terence Malick, "Tree" es donde el director convence a su DP para que se suelte y reaccionen al momento y la luz en tiempo real. Siempre hay un elemento de espiritualidad para el trabajo de Malick, junto con la conciencia de que la existencia humana es una especificación del anochecer en el vasto lapso del universo. Es un tema explorado descaradamente en esta película, que incluye cortes de escenas que involucran la creación del universo, pero se expresa mejor en la forma en que Lubezki persigue la luz y crea retratos de una familia en una lucha interminable entre la vida y la muerte. El enfoque de las imágenes no es nuevo para Malick, pero el trabajo de la cámara virtuoso trae su fijación sobre el dolor de estar vivo a nuevas alturas profundas. -_CO_

"The Tree of Life" © Fox Searchlight/Cortesía de Everett Collection

1. TITE "El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford" (2007)

"La preferencia por la luz natural o las prácticas integradas en los conjuntos arrojó algunas de las imágenes más llamativas jamás puestas en el celuloide en" El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford ", una película cuyo entorno de época significaba que Deakins estaría más restringido de lo habitual. Deakins convirtió las limitaciones para su ventaja, creando imágenes poéticas y de otro mundo como las de una escena de robo de tren temprano que comienza en la oscuridad antes de bañar a la pandilla James en una luz misteriosa y de otro mundo que proviene del tren en sí. En un esfuerzo por recrear el aspecto de las fotografías de retratos del período que a menudo tenían viñetas en torno a los bordes y otras aberraciones, Deakins encargó lentes personalizadas personalizadas que finalmente se llamaron "Deakinizers", y la combinación de estos lentes con los disparos de Deakins a través de las puertas, ventanas y otros mares dentro de "Frames dan a" Framesse James "un sentido de Voyeurismo de Voyeurismo. La inevitabilidad fatalista del título se siente en todas las imágenes fantasmales, como las diversas técnicas de Deakins: soplando las ventanas y dejando que se vuelvan completamente blancas con un brillo nebuloso, creando patrones ondulados en las caras de los actores con los viejos vidrio de esas ventanas, creando texturas evocadoras en las paredes con la luz: las imágenes generadas que son cuidadas y hermosas en las medidas iguales. Su lenguaje visual culmina en el asesinato del título cuando Jesse nota la reflexión de su asesino justo antes de ser asesinado; Implica que el asesinato es una especie de suicidio, información que no sería evidente para la audiencia sin Deakins y la cuidadosa atención del director Andrew Dominik a la gramática cinematográfica. -_Jh_

"El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford" © Warner Bros/Cortesía Everett Collection