Nota del editor: esta revisión publicada originalmente durante el Festival Internacional de Cine 2023 Toronto. Osciloscope Laboratories lanzará "Wildcat" en los cines de EE. UU. El viernes 3 de mayo.
tiene una fijación intrigante con el proceso artístico. El actor convertido en director presenta a su propia hija, Maya Hawke, como la autora gótica del sur Flannery O’Connor, en otra película sobre la vida de un artista real; - con una estructura narrativa no convencional y atractiva. Sin embargo, a pesar de que Maya Hawke se lanzó de cabeza a la parte, los intentos de su padre de capturar la mente, el cuerpo y el alma de O'Connor terminan sintiéndose incompletos.
La escena de apertura toma la forma de un tráiler de películas antiguas, en blanco y negro en una relación de aspecto de 4: 3, apropiada para el entorno de la década de 1950 "Wildcat", para un thriller salaz sobre una joven rebelde (interpretada por Maya Hawke) que escandaliza a su conservadora madre católica (Laura Linney). Existe completamente aparte de la narrativa de la película, pero parece informar la declaración de misión directora de Hawke, ya que su objetivo es traducir una historia de proceso literario y contradicción espiritual, al lenguaje cinematográfico.
La verdadera escena de apertura de la película (en 2.35: 1 pantalla panorámica y colores fríos y apagados) toma la forma de una toma de punto de vista portátil, de un criminal imaginado que sostiene a un personaje a punta de pistola. Rápidamente se hace evidente que este es un producto de la imaginación creativa de O'Connor, ya que ella va y viene sobre el diálogo del criminal, y la escena se repite y se extiende más allá de su punto final orgánico. El arma se dispara y, como en reacción a su propia creación, la cabeza del verdadero O'Connor se adelanta hacia su máquina de escribir, en una decepción frustrada. La primera vez que la vemos: dientes torcidos, miradas incómodas por detrás de espesas espesas, y una disposición determinada puntuada por la duda, apenas puede obtener una oración sin cuestionar sus impulsos creativos.
Esta es la línea de base desde la cual Hawke comienza a contar la historia de O'Connor, una en la que la sombría, lo obscena y el macabro chocan de cabeza con su catolicismo, y las expectativas de su familia para una joven mujer sureña de la sociedad educada. Gran parte de la trama se desarrolla en su ciudad natal de Milledgeville, Georgia, donde es diagnosticada con Lupus, la misma enfermedad que reclamó la vida de su padre, y donde más lucha con su identidad y su política, dado el choque abierto entre sus instintos artísticos y la chapa diametralmente opuesta de su comunidad local folksy.
La dramatización de Ethan Hawke de estos acertijos no es convencional. Toman la forma no de conversaciones, sino de viñetas cinematográficas ficticias: breves fragmentos de historias según lo imaginado por O’Connor, e influenciado por los detalles y las personas que ve a su alrededor en el mundo real. Se fotografia a sí misma y a su madre en papeles clave en casi todas las historias: Maya Hawke y Linney aparecen en cada uno de estos cuentos, un florecimiento de casting repetitivo que hace que la representación claramente cinematográfica de la autoproyección literaria. La forma en que el director Hawke dispara estas escenas (con una cámara flotante y sin ataduras, en comparación con la quietud con la que filma la realidad), las imbuye con una sensación de imprevisibilidad, mientras barrilan las revelaciones cada vez más absurdas sobre cada personaje, acompañados por la voz poética de O’Connor.
En un momento, "Wildcat" se convierte esencialmente en una adaptación de "Parker’s Back", una historia corta de O'Connor en la que la lujuria y la creencia cristiana chocan de manera que se sientan familiares para la vida del escritor. Sin embargo, esta reflexión solo llega hasta ahora, restableciendo los parámetros de un dilema espiritual que rara vez toma nuevas formas o presenta nuevos desafíos a medida que avanza la película. La subtrama romántica de O'Connor, con su profesor universitario Cal Lowell (Philip Ettinger), se siente igualmente sofocada, apareciendo como un mero elemento de la lista de verificación destinada a esbozar los límites de sus creencias de celibato-acosto de matrimonio, pero sin interpretar un papel central en la agonía emocional hacia la cual las películas frecuentemente se hacen gestos.
Esta agonía llega a una cabeza en una escena profundamente sentida (y dolorosamente encarnada) de confesión junto a la cama, en la que la actuación de garganta completa de Maya Hawke a medida que el autor conflictivo se mueve sobre el movimiento. Sin embargo, la cámara de Ethan Hawke disminuye inadvertidamente el impacto de esta y otras escenas a las que su hija se compromete por completo. Sus primeros planos se editan, en primer lugar, para su función, y su diálogo, en lugar de lo que podrían revelar a través de silencios, y cuando la cuestión de la mortalidad comienza a aparecer sobre O’Connor, introduce un florecimiento tan bellamente concebido que accidentalmente rompe la película. Aproximadamente a la mitad, presenta espacios familiares para la audiencia (y algunos desconocidos, como los cementerios) pero los define a través de la ausencia física de O’Connor, utilizando espacios vacíos donde una persona debería estar.
Es un ejemplo conmovedor del pensamiento genuino que presenta como director (y como coguionista de Shelby Gaines) a cómo expresar sin palabras el espectro inexpresable de la muerte. Sin embargo, en lugar de seguir este hilo emocionalmente efectivo, elige este momento, de todos los momentos, para retroceder e introducir una estructura narrativa de revuelto, retratando un momento en que la presencia física de O'Connor no está en desacuerdo con este vacío, y nunca regresa completamente a esta dicotomía cinemática.
Es una idea audaz que se siente desperdiciada, y cuando O’Connor finalmente puede abordar algún tipo de cálculo espiritual, es una forma ni directa ni oblicua, no se presenta ni en los términos dramáticos literal de la narrativa lineal de O'Connor, ni en su alcance imaginativo, sino en la forma de implicación de la memoria, ya que la película práctica practica la película que finalmente termina termina la película que termina practicada en la práctica finaliza prácticamente termina,_in medias res_Justo cuando comienza a ser interesante.
Dado los florituras formales que se encuentran en este final, no es difícil rastrear sus inspiraciones cinematográficas: las películas de Paul Schrader, con quien Hawke colaboró en "Primer reformado". Pero donde los indicios de esplendor climático de Schrader se basan en el tormento espiritual, las representaciones de Ethan Hawke de lo mismo nunca alcanzan su cenit emocional. "Wildcat" es demasiado manso en su representación del sufrimiento para dejar que sus matices católicos canten o tomen una forma cinematográfica poderosa, lo que resulta en un trabajo en el que las paradojas son dilemas a medias que parecen muy convenientemente resueltas, y la vida misma es algo que ocurre muy fuera de la pantalla.
Grado: C+
"Wildcat" se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Toronto 2023.