Es un mensaje clásico de la historia: el último hombre en la tierra escucha un golpe en la puerta. En Joshua Oppenheimer, delirante y delicadamente monumental "", el hombre es una familia über-afluente. La "puerta" (por así decirlo) conecta las ruinas quemadas de nuestro planeta con el cavernoso búnker subterráneo donde estos personajes se han enterrado durante los últimos 25 años. El golpe reverbera con una fuerza lo suficientemente poderosa como para desalojar todos los sentimientos que han trabajado tan duro para enterrar junto con ellos: la humanidad que han tenido que negar en algún lugar en lo profundo de sí mismos para hacer las paces con la humanidad que eligieron para dejar atrás en la superficie.
Sin embargo, a pesar de la amplia familiaridad de su premisa, esta historia no se desarrolla como ninguna fábula post-apocalíptica antes. Por un lado, es un musical de garganta completa que comienza y liderando al resto de los sobrevivientes en una sonrisa forzada de una canción sobre el brillo de su futuro compartido. Por otro lado, una trama tradicional, del tipo a menudo basada en el descubrimiento de que "The Last Man On Earth" es mucho menos solo de lo que pensaba, nunca amenaza con materializarse, incluso si se ve a los personajes de la película preparándose para ese escenario a través de una serie de ejercicios de incendio teatrales divertidos.
Mejor conocido por su par de documentales que excavan el alma sobre el genocidio indonesio, Oppenheimer no está muy interesado en el suspenso. El título de su primera característica narrativa está destinada a ser tomada al pie de la letra, e incluso las preguntas más básicas del guión (por ejemplo, "¿Qué pasó?", "¿Qué va a pasar después?") Nunca son tan urgentes o enmarcados centralmente como las razones Por qué sus personajes son reacios a preguntarles. Los raros momentos en los que "The End" nos invita a adivinar qué podrían hacer sus personajes sin servir para redirigir nuestra atención al misterio infinito de por qué sus personajes hacen algo.
En ese sentido, la épica subterránea de Oppenheimer que se canta y danza es el eje salvaje que podría representar para su fabricante, sino más bien una repetición perfectamente natural de la oscuridad primordial que cavó en "el acto de matar" y "el aspecto del silencio". Mientras que un poco más ligero y menos destripado en su reconciliación forzada del pasado y el presente, la culpa bíblica y el autoengrama patológico (este sigue siendo una obra de ficción después de todo, al menos por ahora), "The End" es, sin embargo, otro atrevido y no placentero Examen de cómo las personas viven consigo mismas cuando tantos otros han muerto por sus pecados, del artificio inherente a cualquier futuro construido sobre o debajo del cementerio de una atrocidad. Las armonías solo destacan la disonancia cognitiva que permite que estos personajes salgan de la cama todas las mañanas.
Para una película cuyo poder de acumulación lenta no se hunde completamente hasta sus momentos finales (un estribillo dulce que es aún más llamativo por su condena anticlimática), "The End" no pierde ningún tiempo para poner sus cartas en la mesa. . El mundo tal como lo conocemos ha terminado. Algo, o una reacción en cadena de algunas cosas, la mayoría de ellas presumiblemente relacionadas con el clima, se ha extendido por la superficie de la tierra, desestabilizando la civilización humana y haciendo que nuestro planeta no se pueda vivir. La mierda es tan mala que Oppenheimer evita cualquier visión de la devastación a favor de un T.S. Cita de Eliot.
Por supuesto, tales horrores son demasiado fáciles de olvidar para la familia que se ha estado escondiendo en una fortaleza subterránea en algún lugar debajo de los huesos de Old Salem (_cual_Salem nunca se especifica, aunque el crisol de Oppenheimer reverbera con los ecos más débiles de Massachusetts del siglo XVII). Estas personas no son preppers que sobreviven en latas expiradas de spam en una caverna subgramada, son élites de alta sociedad que parecen haber tallado una mansión de las intestinos calcáreas de una mina de sal, y mientras la cámara constante de Oppenheimer frecuentemente se desliza desde el comedor del comedor habitación de la casa a la oscuridad del olvido que rodea en un solo movimiento de fluido (de modo que parece que sus personajes están atrapados en un set en un Soundstage), la ilusión a menudo es lo suficientemente convincente como para olvidar su contexto. O al menos sería si no fuera por el sistema de filtración que se ejecuta debajo de los túneles, evocando los gusanos de arena de Arrakis mientras se funns de una cámara a otra.
La madre (Swinton) y el padre (Shannon) probablemente ni siquiera lo notan más. En lo que respecta a su hijo de 25 años con cara pastosa (George Mackay), esto es lo normal. Nació en el búnker, una pizarra en blanco cuya llegada perfectamente cronometrada alentó a sus padres a contarle sobre el mundo anterior en sus propios términos. La verdad no es más verificable que el mito. La madre era bailarina de ballet en el Bolshoi y el padre hizo sus miles de millones en el negocio de combustibles fósiles, pero el hijo no tiene razón para no creerle cuando dice que "nunca sabremos si nuestra industria contribuyó al colapso".
En este punto, es posible que el padre se haya vendido en la misma mentira; Solo mantuvo los recortes positivos del periódico, y las memorias que él y su hijo están escribiendo juntos es una forma tan efectiva de masajear la verdad que apenas parece importar que nadie esté vivo para leerlo (de todos los miembros de esta familia, Papá es el mejor para no pensar en tales cosas). Las otras personas en el búnker pueden saber lo suficiente como para responsabilizarlo, pero todas están unidas por la geometría de un enfrentamiento mexicano no violento: todos recuerdan las cosas horribles que cada uno de ellos está tan desesperado por olvidar y su compañero -Laxistencia se basa en un acuerdo mutuo para aceptar la fantasía.
En "The End", esa fantasía se hace realidad naturalmente a través de la canción. Duplicando la teatralidad de "El acto de matar", Oppenheimer se compromete completamente aquí, salpicando la película con números musicales optimistas pero mismos que van desde asidios suaves hasta declaraciones exuberantes (Mackay obtiene lo más cercano que esta película tiene a un showstopper , la secuencia que logra energía poco característica con la ayuda de la coreografía Slapstick de Mikhail Krichman). Los compositores Josh Schmidt y Marius de Vries marcaron la pauta con una obertura elástica inundada de cuerdas y clarinetes, y el resto de la puntuación se mantiene rápidamente en esa sensación de negación.
Las canciones en sí mismas lo agarran aún más, ya que sus letras e instrumentación se combinan para sugerir una versión elevada del tipo de canciones que una persona regular podría cantar a sí misma para olvidar que cada músico legítimo del planeta ha sido asesinado en un Holocausto nuclear. (o lo que sea). La música nos permite comprar el engaño de la premisa de la película, y la ilusión de la premisa de la película nos permite apreciar la música por lo que es a cambio, escuchar a Reedy Timbre de Swinton como una característica, no un error y deleite en el Los placeres inesperados de escuchar la voz de Shannon crack mientras se adentra sobre el amor que mantiene viva a su familia. A diferencia de "Dancer in the Dark", donde se usó el éxtasis de las canciones para subrayar la miseria de todo lo demás, estos números se sienten como una extensión natural de la película a su alrededor, que generalmente es sombría pero nunca lo suficientemente sombría como para reflejar la verdad de la situación.
La filosofía de la película refleja la del hijo, incluso cuando se desvanece en el coro durante un largo tramo en la segunda mitad. Un hombre hiper-noivo cuyo ethos entero está impulsado por el conocimiento prestado, el hijo es consciente de que los inmigrantes chinos construyeron el ferrocarril del Pacífico Central, pero pinta a los trabajadores maltratados con sonrisas en sus rostros en el enorme diorama que está haciendo con su padre. Casi parece ser un inocente perfecto si no fuera por el derecho inevitable de su existencia. La comodidad y la seguridad son todo lo que ha conocido, y la idea de que no podría_merecer_Tales cosas más que nadie menos afortunado nunca ha sido parte de la ecuación.
Esa dinámica se expresa ricamente, y se prueba, a través de la jerarquía de gratitud que ha persistido en el búnker todos estos años, con el mejor amigo de la madre (un desgarrador Bronagh Gallagher) sirviendo obedientemente como chef y cremaza como un agradecimiento por ser evitado de Armageddondondon de Armageddon . Lo mismo es cierto para el maestro de armas gay de la familia (Tim McInnnny haciendo Bill Murray) y el médico residente (una Lennie James maravillosamente amargada, interpretando al solo británico de la película).
Pero la gimnasia mental requerida para justificar su lugar en el orden jerárquico de la casa, y en la historia de nuestra especie más allá de eso, claramente ha dejado su huella en hijo. Mapeando los dolores de ser puro de corazón tan brillante como lo hizo en "The Beast", Mackay aprovecha la dualidad del estilo de Gollum que Oppenheimer y Rasmus Heisterberg han escrito en el papel (el hijo tiene una tendencia gruñona a llamar cosas "Cocksuckers" Cuando nadie más está cerca), y su carácter moral se convierte en un verdadero campo de batalla para el futuro de la humanidad cuando una nueva bomba entra en la villa.
La mujer (Moses Ingram) aparece de la nada un día, en ausencia de un nombre, un compañero o casi cualquier otra cosa aparte de una historia de sollozo sobre la elección que hizo para abandonar a su familia. Ella es la primera extraña en ingresar al búnker de la familia en 20 años, y su presencia provoca una gran cantidad de sentimientos conflictivos sobre el equilibrio adecuado entre el miedo y la seguridad; Desde el principio, "The End" está sin piedad sintonizado con las crueldades de que las personas se permitirán en interés de proteger la suya. Tener hijos es lo más hermoso del mundo, pero también genera un narcisismo irrompible.
La mujer es tan amable como puede ser, pero no es su culpa que todos los demás estén en el límite por su llegada. Su mera existencia es suficiente para desencadenar el enorme de la cría del hijo (e inspirar sueños clásicos de huir juntos), y su negrura parece compensar sutilmente a la madre del niño de una manera que sugiere que nuestra especie podría ser descartada de alguna manera por sus prejuicios. El guión no pone un punto demasiado bien en eso, sino que nos deja preguntarnos por qué nadie menciona la posibilidad repentina de repoblación. ¿Es solo que esta rica ama de casa obsesionada con la estética, que odia la sutileza porque "siempre tienes que redescubrirlo"? ¿Ya no les preocupa?
De hecho, la verdadera amenaza que la mujer representa a estas personas es que la pura_realidad_De su presencia, las curvas se establecieron en la historia en preguntas no resueltas, y obliga a la familia al contacto directo con las partes más profundamente reprimidas de sí mismas en el proceso (la honestidad postraumática de la actuación de Ingram crea un contraste rico y hábil con los nuevos anfitriones delirantes de su personaje. ). Hicieron_en realidad_"No tengas otra opción" sobre a quién eligieron ahorrar con su dinero, o nuestro regalo singular para la autoconsolución a punto de enfrentar su prueba final? Verificando ambientamente las historias que estas personas se han contado a sí mismas y entre sí desde el Apocalipsis, la mujer, sin darse cuenta, asume el mismo papel que Oppenheimer sirvió en sus documentos: una conexión formalizada por la escena en la que inspira a alguien a retirar su culpa.
En lugar de cualquier peligro claro y presente, "The End" se sostiene al interrogar estas capas de culpa con el detalle forense de una autopsia, y la matriz cambiante de culpa y vergüenza que descubre crece cada vez más gratificante para mapear como la película va. (Cuanto antes dejes de preguntarte qué pasará, antes podrás comenzar a sentarse con la angustia que esta historia había terminado antes de que incluso comenzara). - Las canciones a menudo se usan para devolver a estos personajes a sus líneas de base emocionales en lugar de ser un conducto para que expresen sus mayores sentimientos. A veces, incluso cantan juntos, como si esa armonía pudiera suavizar el hecho de que todos con el poder de perdonarlos están muertos durante mucho tiempo. En una cámara de eco tan herméticamente sellada, es posible que estas personas puedan hacer algo bien al elegir perdonar_entre sí_. Pero hay una línea delgada entre la amabilidad y la complicidad, y "The End" logra su poder furtivamente inmenso al bailar sobre ella con una ambivalencia que el trabajo anterior de Oppenheimer nunca permitió.
Al contar una historia sobre personajes tan ampliamente inventados, Oppenheimer es libre de implicar al resto del mundo junto con ellos. La familia que conocemos aquí está lejos del promedio, pero la escala de sus pecados es demasiado reconocible cuando se redujo para adaptarse a los sets de la película. Mientras que "The End" no activará ninguna de la misma controversia que se enfrentó a "The Zone of Interest" del año pasado (que también tomó prestado de "el acto de matar"), la película es igualmente condenatoria, y condenatoria para_ser_tópico en cómo rastrea los límites finitos de la compasión humana.
Solo aquí, en un microcosmos igualmente visalizado del mal de masa, la apatía en exhibición se hace aún más incómoda por los diversos intentos de explicarlo. ¿Estas personas siempre fueron sociópatas, o simplemente han elegido realizar la parte para sobrevivir al peso aplastante de su propia culpa? "The End" no ofrece la gratificación instantánea de un musical típico, pero esta película entra profundamente en tu cabeza porque subraya tan poderosamente cómo nuestras sensibilidades pueden ser tan inhumanas como nuestra indiferencia. "Sentimos demasiado", dice el padre, "incluso por nuestros errores".
Grado: A-
"The End" se estrenó en el Festival de Cine de Telluride 2024. Neon lo lanzará en los cines.
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