_[Nota del editor: Indiewire contactó al nominado al nominado de edición de "Killers of the Flower", Thelma Schoonmaker, pero no estaba disponible para participar._]
Esta temporada (que también está nominada a la Mejor Película) exploran las crisis existenciales, lo que las hace dramáticamente convincentes y identificables. Cuatro de los editores, Laurent Sénéchal (), Kevin Tent (), Jennifer Lame (") y Yorgos Mavropsaridis (), seleccionaron una escena o secuencia fundamental que mejor muestra su trabajo, diciéndole a Indiewire cómo las escenas exploran el ritmo y el ritmo de los carácter, y por qué fue tan desafiante para tener razón.
En el apasionante misterio del asesinato de Justine Triet, "Anatomía de una caída", Sénéchal equilibra delicadamente el punto de vista a través de la memoria y la imaginación, ya que el candidato a la Mejor Actriz es juicio por el asesinato de su esposo. A través de este crisol, el novelista se ve obligado a confrontar el amor, el matrimonio, la crianza de los hijos, la culpa, el miedo, el arrepentimiento y la ambición despiadada.
En "The Holdovers" de Alexander Payne, la tienda equilibra hábilmente la fantasía y la melancolía, como el candidato al Mejor Actor interpreta a un profesor de historia de internado de Nueva Inglaterra que se lleva a cabo obligado a enfrentar demonios de su pasado. The Catalyst: un vínculo poco probable con el problemático estudiante Dominic Sessa durante las vacaciones de Navidad de 1970.
El "Oppenheimer" de Christopher Nolan proporcionó a POV subjetivos del físico teórico J. Robert Oppenheimer (nominado al mejor actor) en color ("fusión") y el almirante antagonista Lewis Strauss (nominado al mejor actor de apoyo Robert Downey Jr.) en Black-and-White ("fisis"). Sin embargo, el éxito de la bomba atómica desata una reacción en cadena de miedo y culpa en Oppenheimer sobre el futuro de la existencia del mundo.
Las "pobres cosas" de Yargos Lanthimo, el "Frankenstein" de género "Frankenstein" protagonizado por la mejor nominada a la Mejor Actriz como Bella, quien ha reanimado de los muertos, proporcionó a Mavropsaridis la oportunidad de navegar en los cambios repentinos en tono, local y estilo visual que definen el viaje extraordinario de Bella como un viaje de víctima liberada y liberada de Bella.
"Anatomía de una caída": las bases de apertura
"Anatomía de una caída" Cortesía de Everett Collection
Sénéchal eligió la escena de apertura no solo porque fue una de las secuencias en las que más trabajaron, sino también por los complejos bases estructurales que se establecen tan brillantemente, en particular, la importancia del sonido (dirigido por el diseñador de sonido Fanny Martin y el mezclador de re-registro Olivier Goinard).
“La escena está construida en capas, olas y niveles. En la oscuridad, la voz cautivadora de Sandra Hüller pregunta: "¿Qué quieres saber?". Inmediatamente nos atrae una relación íntima con este personaje, con el cual esta pregunta resonará a lo largo de la película. En un corte, vemos la escalera donde el perro[Fisgonear], que estará en el corazón de la película, aparece (la película también termina con él).
“La edición luego se une tres escenas en los tres pisos del chalet: la conversación casi íntima (usamos exclusivamente las tomas de primer plano) entre las dos mujeres.[Hüller y un entrevistador estudiantil], el niño[Milo Machado-Graner], cuyo handicap solo podemos adivinar, lavar a su perro y al padre[Samuel Theis]Arriba (que existe solo a través del sonido) con su trabajo y, sobre todo, su música, que termina invadiendo todo el espacio hasta el punto de interrumpir la conversación. Después del estudiante, descubrimos la toma de establecimiento: estamos encaramados en las montañas. Este complejo presente, en parte registrado por el estudiante, se diseccionará literalmente durante el juicio ".
‘The Holdovers’: The Nighttime School Montage
"The Holdovers" © Focus Feature/Cortesy Everett Collection
Tent eligió una secuencia clave que involucra al oponente de Giamatti, Angus Tully de Sessa. Este fue el montaje donde Angus roba las llaves y traipes de Paul alrededor de la escuela por la noche, lo que continuamente evolucionó y mejoró.
“El montaje se escribió originalmente para aparecer en su posición actual. Mientras condensamos y reorganizamos el orden de los disparos, vimos oportunidades para algunos disoluciones geniales e interesantes (nuestro primer paso evolutivo en la secuencia). Ninguno de los cuales hubiera sucedido sin[director de fotografía]El hermoso encuadre y la fotografía de Eigil Byrld, con sus sombras y espacios negativos oscuros. Los disueltos no solo transmitieron el paso del tiempo, sino que también agregaron resonancia emocional a la escena y de alguna manera reforzó la soledad de Angus.
“Uno de mis favoritos es la transición de Angus en el pasillo hacia él en el piano que ilumina la articulación. Es mágico. En el script, la secuencia terminó en este punto con la intención de oscurecer las ventanas del auditorio, por lo que aún parecía ser de noche. Mientras tanto, hubo otra escena más tarde en la película, en la que Mary[Mejor nominada a la actriz de reparto Da’vine Joy Randolph]Encuentra a Angus en la iglesia mirando la foto de su hijo. Este momento serio y sombrío fue escrito y atado al ritmo humorístico de que Paul arrojara el fútbol en la nieve. Ambas grandes escenas, pero el cambio de tono no funcionó. Y, por un período de tiempo muy corto, se presentó la escena con Mary y Angus. Pero era demasiado bueno para caer, así que cuando buscaba un lugar donde podía ir, intentamos moverlo al final del montaje. Esto hizo grandes cosas para nosotros y fue el próximo gran paso evolutivo de la secuencia.
“Mover la escena e incorporarla al montaje agregó un golpe emocional que era inesperado y necesario. De lo contrario, el montaje podría haber sido solo un niño punk de fiesta toda la noche. En cambio, Angus no solo comió helado, bebió vino y fumó una articulación, terminó su noche en un momento contemplativo y consciente de sí mismo que se refleja en su vida y en el de Curtis Lamb (hijo de Mary). Esto le dio al personaje de Angus mucha más profundidad, y debido a que llegó antes en la película (aproximadamente 15 minutos en tiempo real, lo cual es exponencial en el tiempo de la película), comenzó el proceso de unión entre Mary y Angus Sooner, casi el momento en que la audiencia probablemente tenía hambre de algo nuevo para absorber y masticar. Tonalmente, la escena no solo encajaba sino que apoyaba la naturaleza melancólica de toda la secuencia y esa sección de la película.
“Creo que, para la audiencia, también hay algo muy identificable en estar despierto toda la noche, sentirse atontado, un poco de resaca y vulnerable. Sospecho que esto fortaleció su empatía y simpatía por Angus. La evolución final de la escena se produjo cuando nuestro editor de música Richard Ford sugirió que intentáramos "llorar, reír, amar, mentir" de Labi Siffre. Habíamos probado varias canciones y puntajes, pero nada parecía correcto. Labi fue perfecto con su sensación y letra inquietante solitaria. Al ajustar la longitud de la secuencia y editar la canción, pudimos que terminara/resolver naturalmente y entregarnos (a través de una larga disolución) a la foto de Curtis Lamb. Dejamos que el resto de la escena juegue en casi silencio: solo los sonidos resonantes de la entrada de Mary y los crujientes sonidos de una vieja y fría iglesia ".
"Oppenheimer": el desglose en el bosque
"Oppenheimer" Melinda Sue Gordon/Universal Pictures
Lame eligió la escena después de que Oppenheimer recibe la llamada sobre la muerte de Jean (Florence Pugh) y Kitty (la mejor nominada a la actriz de apoyo Emily Blunt) va a encontrarlo en el bosque. Oppenheimer relata lo que le ha sucedido a Jean y al mismo tiempo confiesa a su esposa sobre su asunto en curso.
“La escena llega en un momento fundamental para Oppenheimer, ya que la presión aumenta de las luchas internas entre los científicos involucrados en el Proyecto Manhattan, así como una creciente frustración de los militares con respecto a la seguridad y querer una fecha para la prueba. La escena fue desafiante no solo porque es un momento tan vulnerable para Oppenheimer, ya que rara vez se rompe en la película o muestra mucha emoción, sino también un momento crucial en la relación entre él y Kitty.
"Durante mucho tiempo, tuvimos una opinión en la película donde Robert estaba mirando hacia adelante y sollozando, y tocamos gran parte de la escena en él, pero a medida que continuamos a través de muchas versiones de la película, quedó claro que jugar más de la escena en Kitty y elegir una actuación en la que Oppenheimer estaba mirando hacia abajo, desagradable de lo que había hecho a Jean y Kitty, trabajó mucho mejor. Los cortes rápidos del suicidio/asesinato de Jean tardaron bastante tiempo en calibrar. El propio Oppenheimer apenas quería ver las horribles imágenes que estaba creando en su mente durante más de unos segundos, por lo que jugamos con lo cortos que podríamos hacerlas sin que fuera demasiado abstracta ".
"Pobres": el baile como microcosmos
"Poor Things" © Searchlight Pictures/Cortesía de Everett Collection
Mavropsaridis eligió la secuencia de baile a bordo del delineador del océano porque la coreografía sirve como un microcosmos de Bella siempre bajo el control de los hombres. Este fue el objetivo de la edición. También vale la pena señalar que el baile es un tema recurrente en las películas de Lanthimos: expresar diferentes temas y emociones, extraído de la "biomecánica" del cineasta ruso Vsevolod Meyerhold.
“El primer corte fue casi el doble de la longitud de la edición final. Seguimos toda la coreografía, pero sentimos que estábamos perdiendo la esencia de su emoción y el objetivo básico de la escena, que era reflejar[Bella's]lucha por liberarse del control de Duncan y ser libre para nuevas experiencias. Así que gran parte de la coreografía y la música respectiva fueron eliminadas. La edición se centra en esta idea pero sin perder la diversión de la situación.
“Un tiro largo establece el lugar: en primer plano Bella y Duncan ordenan su cena, la gente baila en el fondo, más atrás la orquesta en vivo. Durante su breve discusión, descubrimos que Bella comienza a sentirse desilusionada por Duncan's[Mejor nominado al actor de apoyo Mark Ruffalo]actitud de control. Hacemos hincapié en la seriedad de sus sentimientos al cortar a Bella en primeros planos. Durante esta discusión, la atención de Bella está cautivada por un ritmo rítmico. Duncan absorbido por sí mismo mira hacia abajo; Cortamos a un disparo medio de Bella desde el ángulo inverso, mirando hacia la orquesta. Bella está obviamente fascinada y emocionada por lo que escucha y ve y no presta atención al monólogo de Duncan.
“El momento en esta parte de la escena es crucial; La edición debe informar al espectador de su nuevo interés mientras Duncan, absorto en sí mismo, mira hacia abajo sin notarla. Bella, emocionada, se levanta de su silla. Duncan todavía no lo nota. A largo plazo, Bella da un paso adelante hacia la pista de baile. Cortamos una foto de un músico tocando un órgano extraño; el es en realidad[Compositor nominado al Oscar]Jerskin Fendrix.
“Bella, emocionada como la adolescente que ella mentalmente está, sin inhibiciones, se apresura a la pista de baile con movimientos incómodos. Nunca tomó clases de baile, pero, de todos modos, se abandonó al ritmo sin importar lo que la gente piensa de ella. El seguimiento de la cámara se enfatiza hacia adelante. La escena fue filmada[por el director de fotografía nominado al Oscar Robbie Ryan]con dos cámaras; Había muchas opciones, pero el principio rector era la subjetividad y los sentimientos de Bella, como en toda la película.
"Duncan entra en el marco que improvisa sus movimientos con el objetivo de controlarla y traerla de vuelta a la mesa:" la sociedad educada "está observando. A su alrededor, los otros bailarines realizan un baile "civilizado", actuando como el espejo de la sociedad educada. Duncan la agarra, se resiste con una maniobra que le permite poner su brazo alrededor de su cuello. Duncan, tratando de no atraer la atención, finge que esto es parte de su baile. Bella se vuelve más agresiva, cambiándolo mientras lucha por liberarse. Los ritmos rítmicos comienzan de nuevo; Ambos los siguen improvisando lo que ven a los otros bailarines.
“Duncan finge disfrutar de toda la situación, pero la agarra con fuerza nuevamente; Ella maneja una vez más para liberarse. Duncan la sigue, fingiendo bailar, y esta vez la agarra para siempre y la obliga a regresar a la mesa. Comienza otro monólogo, esta vez tratando de manipular sus pensamientos, pero Bella ha perdido interés. Ella está parpadeando a un extraño; respondiendo a su parpadeo "fuera de cortés". Duncan enojado se levanta. Vemos la lucha de Bella’s POV en el[más elevado]Lente de 4 mm; El corte hace que la narración se quede con la subjetividad de Bella: es una niña que ve a dos gigantes luchar por ella. Rápidamente pierde interés cuando una joven pareja ofrece a Bella la posibilidad de una nueva experiencia: más baile en la ciudad.
“Bella está de acuerdo; Ella no teme probar nuevas experiencias. Cortamos a otro ángulo cuando Duncan ingresa al marco, lanzándose sobre el joven con el que Bella se fue, permitiendo en la edición un breve retraso entre los cortes para enfatizar la velocidad y la distancia de su salto, así como su desesperación. Es el comienzo de su desintegración; En París, habrá perdido toda su actitud compuesta ".