Wes Anderson en "Asteroid City": salud mental, Marilyn Monroe, y enviando correos electrónicos a Tom Hanks

Wes Anderson ha explorado muchos mis entornos distintivos a lo largo de los años, desde el ficticio Zubrowska del "Hotel Grand Budapest" hasta el fondo del mar en "La vida acuática con Steve Zissou" e "Isla of Dogs". Sin embargo, "Asteroid City" puede ser el telón de fondo más personal de Anderson hasta ahora, ya que su tema principal es contarlo en sí mismo.

Una meta narrativa juguetona que desafía la categorización simple, la "ciudad asteroid" funciona como tres películas en una: es la colorida historia de una convención junior de Stargazers en una ciudad desértica del medio oeste alrededor de 1955, pero es_también_una obra de televisión de la década de 1950 llamada "Asteroid City", y encima de_eso_, una mirada detrás de escena a un dramaturgo problemático (Edward Norton) que trabaja en la obra antes mencionada. Hay un alienígena interpretado por Jeff Goldblum, pero también Jeff Goldblum interpretando a un alienígena. ¿Tienes todo eso?

Además de ser una película sobre la actuación, "Asteroid City" es un escaparate de actuación. El regular de Anderson, Jason Schwartzman, interpreta a un padre afligido, mientras que Anderson Newbie Tom Hanks interpreta al duelo suegro; Scarlett Johansson interpreta una estrella de cine glamorosa; Bryan Cranston narra el programa de televisión; Otras caras familiares incluyen a Adrien Brody, Jeffrey Wright y Steve Carell (quien, como Anderson le dijo a Indiewire esta semana, para reemplazar a Bill Murray).

Con su trayectoria narrativa cambiante, "Asteroid City" se convierte en una fascinante meditación sobre la historia de la narración estadounidense, con referencias que se extienden desde la era "Playhouse 90" y el estudio de los actores hasta "encuentros cercanos del tercer tipo". Es un estofado creativo único para un cineasta más conocido por desarrollar su propio estilo local. Mientras que su estética extraña e inmaculada ha sido imitada con A.I. Los trailers en abundancia (que afirma que no ve), el cineasta sigue siendo un narrador impredecible en la cuarta década de su carrera. En Cannes, la película desconcertó a algunos críticos, pero David Ehrlich de Indiewire la llamó, y podría llegar a finales de este año.

Todo eso queda por ver, pero por ahora, Anderson está de buen humor. El director viajó desde su centro principal en Europa a Nueva York el domingo y rápidamente se dirigió a su lugar de reunión habitual, Bar Pitti, para ver amigos. Luego se subió al teléfono con Indiewire antes del estreno de los Estados Unidos para desempacar los muchos temas e inspiraciones detrás de su nuevo trabajo. También explicó el viaje de su próximo cortometraje de Netflix, "The Wonderful Story of Henry Sugar", y compartió sus pensamientos sobre las carreras en evolución de sus directores favoritos.

La siguiente entrevista ha sido condensada y editada para mayor claridad.

Indiewire: A menudo pones tus películas en el pasado, pero esta es la primera vez que exploras a los Estados Unidos de los años 50 y está claro que tienes una fuerte fascinación con el trabajo de cine y teatro desde esa época. Desde que naciste en 1969, no estabas vivo para esa época, entonces, ¿cómo desarrollaste una relación tan fuerte con ella?

Wes Anderson:Cuando Owen Wilson y yo teníamos 18 años más o menos, estábamos juntos todos los días, queríamos hacer lo mismo y sabíamos que queríamos hacerlo juntos. Tuvimos nuestros cursos universitarios que estábamos tomando, pero nuestra educación real fue la que nos estábamos dando, lo que tenía mucho que ver con las películas. La cosa en el centro de esto, si lo desglosas, es Elia Kazan. Estábamos muy interesados ​​en Marlon Brando, James Dean, Montgomery Clift y el mundo de estas nuevas voces en las películas de los años 50. Fue tan resonante. Cuando lo pienso ahora, lo extraño que es que, si bien nos encantó las películas de los años 70, teníamos a todos nuestros muchachos de ese período, los años 50 estaban realmente en el centro de nosotros. Por mucho que se tratara de Kazan, también se trataba de las repercusiones de Marlon Brando caminando hacia el escenario.

¿Cómo ves la interacción de Brando y otros actores que traen su talento de teatro a cine?

Siempre he sido muy susceptible a la mística de una historia detrás del escenario y al teatro, solo al aura de la misma. El escenario de los años 50 de Nueva York es su propia cosa especial, pero había este nuevo tipo de actuación, esta nueva variedad de narraciones de la que Kazan y estos dramaturgos de la época formaron parte. En cierto modo, fue el más cinematográfico de la historia. Su efecto es más grande en las películas que incluso en el escenario. De ahí es de donde comienza a venir una parte de esta película para nosotros y por qué llegó a existir.

Por supuesto, eso no aborda la forma en que posiciona el oeste americano aquí. Tiene una calidad casi exótica.

Steve Carell en "Asteroid City" cortesía de Pop. 87 producciones/características de enfoque

Tiene que ver con una especie de emisión de euro del oeste americano. Pensé mucho sobre Wim Wenders. Siempre me ha encantado su interpretación del paisaje y la gente que contiene. Las cosas estadounidenses lo fascinan desde una especie de punto de vista de Berlín. Vuelve de una manera que me lo hace fresco. Tomó muchas fotografías fijas en California, Nevada, Arizona, lugares así. En nuestros primeros días, Owen y yo amamos a Sam Shepard. Él es de California, pero su opinión sobre Occidente se filtra a través de una perspectiva de vanguardia. Él va a Nueva York antes de comenzar a contar estas historias. Su Nueva York es Patti Smith y Lou Reed. Es un rockero del centro de Nueva York. Creo que también es una especie de euro. Y luego termina en colaboración con Wim Wenders en "París, Texas".

"París, Texas" ciertamente tiene sentido como un punto de referencia visual para la "ciudad asteroid", pero también tiene un sentido de escala más grande, casi hiperbólico.

Hay un tipo diferente de cine que proviene de los años 50 además del enfoque Kazan, que es el cinemaCope de gran imagen. De repente, están estas cosas de pantalla panorámica que ocupan todo el paisaje, estos amplios formatos que inventaron para hacer que las películas sean más grandes. También me siento atraído por eso.

Mencionó a Marlon Brando antes, pero Marilyn Monroe también es relevante para la "Ciudad de Asteroid", ya que el personaje de Scarlett Johansson está claramente modelado en ella. ¿Cuál es tu relación con su trabajo?

No puedo decir que Marilyn Monroe haya sido una fijación especial para mí, especialmente sabiendo que la lucha a veces era superar la experiencia de hacer una película con ella. La amo en "Some Like It Hot" y "The Prince and the Showgirl". Billy Wilder hizo dos películas con ella y él sabía que no había otra forma de conseguir a Marilyn Monroe que pasar por todo el asunto, para que Paula Strasberg le dijera qué hacer a sus espaldas. Ella es este tipo de talento más vulnerable donde está sucediendo algo real frente a la cámara. Ella es una actriz de cine que regresa al otro lado. No sé si alguna vez jugó en el escenario de Nueva York, pero ella entró en el estudio de actores e intentó cavar profundamente de esa manera.

¿Viste "Blonde"?

No, pero sé que Adrian interpreta a Arthur Miller en él. ¿Es bueno?

Es preocupante, porque parece tener dificultades para apreciar el bien en su trabajo por lo que ella soportó.

Sabes, al final, siempre hay este tipo de cosas en torno a la salud mental. No importa cuánto talento haya alguien, al final, todavía está sujeto a la que el cerebro funciona y Dios sabe, el trauma cerebral puede venir en muchas formas. Una cosa es tocar una escena. En cierto modo, ser actor es bastante sencillo. Pero es algo increíblemente difícil encontrar su camino para ser mágico, aspirar a algo y encontrar su camino hacia ello. Simplemente no hay receta. Es una mezcla de cosas que tienes que descubrir.

Los actores no siempre quieren seguir con una visión específica. "Asteroid City" parece tener eso en cuenta. ¿Te frustra cuando tu elenco no entiende lo que estás buscando?

No hay nada que más amo, incluso cuando hace que el proceso sea más desafiante y tumultuoso, que tener a alguien que solo quiere arrojarse completamente a la cosa y cree en ello. Todo el asunto de esta película se trata de haber pasado algún tiempo con los actores y experimentar el viaje emocional que continúan y lo que significa para mí estar con ellos.

También parece ser una meditación en el estrellato, por lo que es notable que estés trabajando con Tom Hanks por primera vez. ¿Cómo fue ponerlo a bordo?

Características de enfoque de "Asteroid City"

Cuando tuve la oportunidad de trabajar con Tom Hanks en esta película, había cruzado una especie de umbral para ser más icónico. Ahora es un ícono completo. Si hubiera trabajado con él en 1998 o algo así, habría sido una gran estrella de cine, pero no una leyenda. Se expandió durante esos años. Lo conocí muy brevemente un par de veces a lo largo de los años y tuve su dirección de correo electrónico. Cuando estaba trabajando en esta película, pensé que sería perfecto para esto porque está interesado en la historia del siglo XX de América. Lo hemos visto seguir esta era en su trabajo. Era bastante simple: lo escribí, dije que tenía esto y le pedí que lo leyera. Me respondió y dijo: "¿Cuándo son las fechas?" Él es el tipo de persona en la que hará que todo funcione mejor y más bien. Él va a hacer cosas para ayudarte a hacer la película. Entonces también Rita su esposa vino con él y ella está en la película. Su entusiasmo ayuda a mejorar todo. Y además de eso, tienen un hijo que también trabaja en nuestras películas ahora y se quedó con nosotros después de "Asteroid City".

¿Qué es real en esta película? Tienes actores interpretando a la gente en una historia, pero también están interpretando a los actores que ensayan esa historia ...

Esos personajes son los actores que están interpretando, pero para mí, todavía siento que son los personajes que juegan los actores. Se mezclan para mí. Las partes de color en blanco y negro y de color, de alguna manera siento que son una persona. El alienígena es Jeff Goldblum en su disfraz, pero siento que él también es esta cosa incontrolable más allá de nuestra comprensión que ha entrado en la mezcla.

La escena más espectacular de la película, y tal vez todo su trabajo, llega cuando todo el elenco comienza a cantar "No puedes despertarte si no te duermes". ¿De dónde vino esa línea?

La escena en sí sale de esta clase de actuación donde están haciendo ejercicios. A veces, lo que estás haciendo en una clase de actuación es bastante abstracto porque lo estás sacando de carácter y, en cambio, estás entrando en algo para "probar tu instrumento", para entrenarte para hacer algo que un texto necesitará de ti, pero no sabes cuál es ese texto. Están inventando una especie de ejercicio de actuación, pero también están destinados a tratar de ayudar a este dramaturgo a romper una especie de bloqueo que tiene en su guión. Tiene algo que está imaginando y no está seguro de qué es, por lo que está mirando a esta compañía a taller con él. Entonces esta cosa les brota.

Pero hay una idea más grande incrustada en esa línea.

Ese fue el contexto de esta escena, pero lo que realmente sucede en ella sigue siendo algo que sucede espontáneamente entre usted y un lápiz o una máquina de escribir. Estás esperando lo que también está más allá de tu control de repente. Diré que hay un tipo de referencia teatral, pero dudo en decirlo. En una fecha posterior, lo diré. Es algo que se ha adaptado. Será más interesante en una fecha posterior. En realidad, cuando te digo, entonces lo verás, y será interesante. Es mejor dejarlo a fuego lento por ahora.

Anteriormente mencionaste cómo te inspiró el cine americano de los 70. Muchos de los cineastas que has citado como tus favoritos de ese período todavía están funcionando hoy. ¿Qué haces de su evolución al considerar tu propio trabajo en evolución?

Martin Scorsesegetty Images para FLC

Las personas están obligadas a competir con sí mismas y todo lo que hacen es compararse con su trabajo anterior. Existe una cierta opinión de que las personas hacen su mejor trabajo como directores de cine en sus 30 o 40 años y 50 años, no realmente sus 60 o 70 años. No dicen eso sobre los conductores. Pero con este grupo, ha habido mucho trabajo especialmente bueno de ellos en sus 70 años. Martin Scorsese tiene más de 80 años y tiene una gran película que sale. No he visto "Killers of the Flower Moon", y no diría que "Wolf of Wall Street" tiene el tipo de explosión de originalidad e inspiración que nos da "Goodfellas", pero utilizó todo este tipo de herramientas y técnicas que él inventó. Estaba trabajando con actores de una manera que no lo había hecho en años, de una manera de improvisación que sea tan bueno en eso. Hizo esta gran y grande película que es infinitamente entretenida.

Ahora vemos a Paul Schrader con un conjunto completo de películas posteriores que son una especie de bressoniano, donde se ha enfocado y ha recuperado algo para sí mismo. Las colaboraciones de Spielberg con Tony Kushner han producido un trabajo tan interesante y todo es cosas de época posterior. Incluso Frances Coppola, que no ha hecho una película en algún tiempo, ahora está haciendo algo gigantesco. Está asumiendo un proyecto tremendamente personal que ha querido hacer todos estos años. Es un giro en el todo que ha sido interesante y sorprendente. Pero yo diría que cada uno tiene un tipo diferente de virtuosismo que es totalmente exclusivo para ellos.

Brian de Palma le ha brindado mucha orientación a lo largo de los años. ¿Cuánto ha inspirado la forma en que te acercas al cine?

Siempre se podría decir que De Palma sigue el camino de Hitchcock, pero mucha gente ha seguido el camino de De Palma. Su punto de partida de la influencia de Hitchcock es muy fuerte. He tratado de hacer fragmentos como una escena de De Palma, estableciendo una secuencia como De Palma, pero es casi imposible para mí. Tarantino y Paul Thomas Anderson han hecho escenas en las que establecen cosas como De Palma y lo hacen bien. Yo no yo. Tuve que encontrar otras cosas en su trabajo. Hay ciertas cosas que hace que ciertamente robo, pero otras que no puedo robar, porque no soy capaz de eso.

¿Qué relación tienes con la huelga de la WGA en este momento?

No tengo una habitación de escritores. Tiene un contexto completamente diferente de la forma en que trabajo. No estoy involucrado con eso. Nunca he trabajado en una habitación de escritores. Ha pasado tanto tiempo desde que viví en Los Ángeles. Es un poco un mundo aparte del área donde trabajo.

Pero podría interponerse en su capacidad para trabajar.

No estoy escribiendo. Si estuviera escribiendo algo, no sería un negocio como siempre porque estaría en huelga.

Tienes un proyecto que espera disparar este otoño, ¿verdad?

Pero eso ya está escrito. Si estuviera en el medio de ese guión, diría que desearía poder escribir mi guión, pero ese no es el caso. Sabes, espero que todos obtengan lo que quieren y las ofertas se hagan a la satisfacción de las personas.

Eres un verdadero purista teatral, pero tienes un nuevo proyecto con Netflix, una adaptación de "La maravillosa historia de Henry Sugar". ¿Le preocupa que no obtenga el tipo de vida en pantalla grande que prefiera?

En mi caso, es un poco extraño. Conocí a Roald Dahl desde antes de que hiciéramos "fantástico Sr. Fox". Conocí a Lindsay Dahl, su viuda, cuando estábamos disparando "The Royal Tenenbaums" como hace 20 años. Durante años quería hacer "Henry Sugar". Me apararon esta historia porque yo era amigo de ellos. Lindsay le entregó la antorcha a Luke, el nieto de Dahl. Así que tuve esto esperándome. Pero realmente no pude encontrar el enfoque. Sabía que lo que me gustaba en la historia era la escritura de ella, las palabras de Dahl. No pude encontrar la respuesta, y de repente lo hice. No es un largometraje. Son como 37 minutos o algo así. Pero cuando estaba listo para hacerlo, la familia Dahl ya no tenía los derechos en absoluto. Habían vendido todo el acuerdo a Netflix.

De repente, en esencia, no había en ningún otro lugar que pudieras hacerlo desde que lo poseen. Pero más allá de él, porque es una película de 37 minutos, fue el lugar perfecto para hacerlo porque realmente no es una película. Sabes que solían hacer estas cosas de la BBC llamadas "Play For Today" dirigidas por personas como Steven Frears y John Schlesinger y Alan Clarke. Eran programas de una hora o incluso menos. Me imaginé algo así.

Así que esto es más parecido al cortometraje "Hotel Chevalier" que hiciste para Apple en 2007.

Sí. No es la elección entre un lanzamiento de cine completo y un lanzamiento de transmisión porque nunca distribuiría un cortometraje como ese y lo distribuiría en los cines. Tendrían que vender boletos más baratos o hacer una doble función. Diré que si bien solo tuve una buena experiencia con Netflix, pero estoy muy feliz de poner "Asteroid City" en los cines. Focus y Universal lo están haciendo de la manera real del cine. Así es como realmente quiero que se muestren mis películas.

Te mudaste a Europa hace más de 15 años y divide tu tiempo entre Inglaterra y Francia. ¿Cómo te impacta vivir fuera de los Estados Unidos como cineasta?

Lo que amo es que mi experiencia del mundo es más amplia de lo que era. No crecí en Los Ángeles o Nueva York. Crecí en Houston. Era una perspectiva más estrecha. Además de saber ahora cómo es vivir en otro lugar, la experiencia de ser un extranjero te enseña todo tipo de cosas, otras que realmente no puedes describir. Pero también, como he trabajado en varios lugares en todo el mundo, he reunido colaboradores a medida que avanzé. Tengo personas que he conocido en todos los rincones del mundo, realmente, que se han quedado conmigo. Todos traen cosas de sus lugares que usamos como grupo. Realmente me ha encantado tener una experiencia más grande que cualquier cosa que tenían mis padres.