Tilda Swinton explica el misterioso giro de "La hija eterna" y cómo Tony Gilroy cambió su vida

[Nota del editor: esta entrevista contiene spoilers sobre la trama de "la hija eterna".]

La carrera de Tilda Swinton ha tomado algunos giros inesperados en las décadas desde que fue la pareja experimental de Derek Jarman. Después de su aclamado giro en "Edward II" de Jarman, la actuación de Swinton que doblaba el género como un noble isobelino en "Orlando" de Sally Potter solidificó su capacidad de audaces transformaciones en pantalla. No fue hasta 15 años después, con su giro ganador del Oscar en "Michael Clayton" de Tony Gilroy, que Swinton comenzó a explorar más material comercial.

En estos días, sin embargo, ella ha duplicado las empresas más singulares que la pusieron en el mapa, desde la meditativa "Memoria" de Apichatponseethakul hasta "La hija eterna", su última colaboración con la antigua amiga y colega Joanna Hogg.

"La hija eterna", que A24 lanzó teatralmente la semana pasada, fusiona la ambición performativa de Swinton con un giro cuasi-genre. Ella interpreta a Julie, una cineasta de mediana edad, y su madre Rosalind mientras la pareja viaja a una finca gótica de campo. Mientras Julie intenta hacer una película sobre la vida de su madre, la pareja enfrenta viejos recuerdos y el extraño espacio negativo entre ellos a medida que cobra vida en los terrenos en su mayoría abandonados. Mientras Julie deambula a los exteriores de Foggy e investiga extraños baches en la noche, "la hija eterna" se asienta en una niña fantasmal sobre la naturaleza resbaladiza de la memoria en el núcleo de las relaciones entre padres e hijos.

Filmado en medio de la pandemia, es un drama existencial muy unido acerca de enfrentarse a la desconexión intergeneracional, los lazos madre-hija se desentrañan y el impacto de la muerte en todas esas cosas. En declaraciones a Indiewire este otoño después del estreno norteamericano de la película en TIFF, Swinton desenredó el giro similar al "sexto sentido" en el centro de la narrativa y explicó cómo el Audaz Material se unió a la imagen más amplia de su carrera hasta la fecha.

La siguiente entrevista ha sido editada y condensada para mayor claridad.

Indiewire: ¿Cuándo le trajo Joanna el concepto de "la hija eterna"?

Tilda Swinton: Hemos estado hablando de eso durante años. Nos conocemos para siempre y hemos estado hablando entre sí sobre nuestras madres y las relaciones que hemos tenido con ellas son la misma generación. Hemos hablado mucho sobre madres e hijas de nuestra generación y el abismo entre ellas. Por mucho afecto, por mucho amor genuino que haya, también hay una forma muy diferente de comunicarse entre esa generación y la nuestra. Sé que porque ahora tengo una hija de una edad similar a la edad que tenía cuando comencé a pensar en esto. Ella tiene 24 años. Nuestra relación, mi hija y la mía, es realmente diferente. Hay un tipo diferente de comprensión y intercambio.

Joanna y yo no solo hemos hablado de eso toda nuestra vida, sino particularmente a través de las películas de "recuerdo". Incluso esos son mucho el viaje de Julie, la relación que tiene con Rosalind es una cuerda importante en ese arco. Establece su necesidad de ser independiente. También hay algo que más me encanta que se desarrolle en esas dos películas, que Rosalind quiere convertirse en artista porque tiene una hija artista. Por lo tanto, no se trata solo de ese abismo, sino de cómo era para las mujeres de esa edad, de ese entorno, tener hijas artísticas, lo que creo que no fue necesariamente fácil, por mucho que nos apoyaron, no era necesariamente fácil.

¿Eso informa su relación con su propia hija?

Mis hijos crecieron en una casa de artistas: su padre, su padrastro, yo. Están rodeados de pinturas, películas y libros por personas que conocen, incluidos sus padrinos. Saben lo que es hacer arte.

¿Qué tan desafiante fue interpretar a dos personas en una escena?

"La hija eterna" A24

Ese fue un verdadero trabajo porque improvisamos. Joanna escribe lo que es realmente un andamio y es bastante pequeño. Ella trabaja muy diligentemente en él, pero en realidad es solo un esqueleto y todo lo demás está improvisado. Quien comience la conversación cuando tenga dos personas presentes, la otra seguirá. Lo soñamos juntos. Lo que técnicamente era un desafío aquí era que teníamos que decidir todos los días, para cada escena, quién era la persona que iba a comenzar. En cierto modo, tuvimos que tomar más decisiones que tomamos con las otras películas. Primero dispararíamos a una persona, pero siempre había una brecha y un poco de magia para hacerla diferente.

Parece que debe haber sido una experiencia descombobulante para mantener a los dos personajes rectos.

Pero aquí está la cosa: ¿son personas diferentes? Esa era la cuerda floja, para que se sintieran como diferentes personas, pero cuando se producen los créditos, puede considerar la posibilidad de que no lo fueran, después de todo. Una de las cosas que también fue bastante complicada, pero sabíamos que desde el principio teníamos que hacer era hacer un fuerte vínculo entre ellas, y decidimos hacerlo con la voz. Entonces, a pesar de que fue bastante difícil para mí interpretar naturalmente a Rosalind con la misma voz que Julie y yo tenemos, eso realmente ayudó porque eran la misma persona.

Realmente no sé cómo lo hicimos. Es misterioso. Era como el juego de un niño. Nos conocemos desde que teníamos 10 años y nos sentimos como niños de 10 años.

Volviendo a "Orlando", has entregado estas actuaciones que requieren que te transformes. ¿Cómo tu experiencia en esa película estableció una plantilla para ti?

Para ser precisos al respecto: me di cuenta de que siempre quiero encontrar el tipo de inmersión en el fondo de algo bastante mutable. Entonces, con "Orlando", Sally Potter y yo tuvimos un viaje muy similar porque comenzamos a hablar sobre las diferencias obvias entre Orlando como hombre y Orlando como mujer, pero muy rápidamente decidimos que no estábamos interesados ​​en mirar las diferencias; Queríamos mirar algo que no cambió. Nos concentramos en eso.

Todas las otras mutaciones, que se trataban principalmente de disfraces y otros tipos de proyecciones, ahí es donde se encuentran todas las diferencias, pero Orlando como espíritu, como persona, en realidad no cambió. Una vez que nos dimos cuenta de eso, nos liberó. Era algo bastante similar con la "hija eterna". Eso siempre ha sido lo que me interesa.

Encontrar la consistencia dentro del cambio es una idea fascinante, pero ¿qué significa en un nivel más práctico?

No estoy realmente interesado en actuar. Estoy tratando de encontrar el menos performativo que una persona pueda ser. Nunca me gusta hablar del personaje. Todo ese lenguaje vernácula pertenece al teatro. Se trata de esta sensación de lo más relajado y poco desempeñado que puede ser una persona. Por supuesto, tenemos que mencionar "Memoria" en esto. "Memoria" es, en muchos sentidos, el tipo de seno qua non para el trabajo que estoy discutiendo aquí. Es el menos construido, el menos performativo podría ser.

Mirando hacia atrás en su colaboración de Jarman, ¿por qué crees que te dejó tal impresión?

Nos presentó a todos una forma de trabajar a la que estoy dedicado. La posibilidad de trabajar colectivamente es lo que me mantiene en marcha. Si alguien quiere hacer una película que pueda ser una buena idea para mí y no está interesado en trabajar colectivamente, entonces no va a suceder.

Por supuesto, esas películas siempre tuvieron una audiencia muy limitada. ¿Eso te molestó alguna vez?

Eso era lo que sabía. Toda la forma de trabajar con Derek marcó la pauta para mí. Siempre se sintió basado en procesos. Nunca sentimos realmente que invertir en el producto. Era como un árbol y las películas eran como hojas que simplemente salieron. Realmente no prestamos tanta atención a los lanzamientos de las películas, en parte debido al tipo de películas que eran. Pero en cualquier caso, han entrado en la corriente de río del canon. Siempre fuimos una especie de discreta a largo plazo. Si tienes eso, y ahí es donde estoy con Joanna, creo que estas películas son películas reales de boca en boca con las que la gente se conectará individualmente. No son películas de fanfarria. Tienes que verlos para creerles.

Una vez que comenzaste a llamar más la atención de la industria, ¿rechazaste muchos roles?

Obtienes tu nombre en un póster de película e inmediatamente estás en una lista determinada y escuchas sobre un montón de ideas increíbles. No quiero decir cuáles, pero podrías bajar años - 1998, 1999 - y decir: "¿Qué películas se hicieron? ¿Qué partes necesitaban para alguien que era esa edad?" Todos nos ofrecen todo.

¿Qué te obligó finalmente a apuñalar a proyectos más convencionales?

"Michael Clayton" ocho/kobal/rex/shutterstock

Era Tony Gilroy. Trabajar con un guión como "Michael Clayton", y luego los hermanos Coen después de eso[en "Burn después de leer" y "¡Salve, César!"]- Eso me hizo comenzar a trabajar con guiones clásicos de Hollywood, y fue una revelación para mí, algo que realmente no esperaba. Lo encontré realmente interesante. Siempre he estado tratando de encontrar una manera de evitar lo teatral en el cine. Creo que hay una relación poco saludable entre el teatro y un cierto tipo de cine moderno. Pero el tipo de guión que escribe Tony Gilroy, ese tipo de arquitectura, es otra cosa: es el cine puro. Te hace sentir que estás trabajando con Billy Wilder.

Te perdiste esa oportunidad en aproximadamente una década más o menos.

Lo sé. En el pasado, cuando trabajaba con Derek, cada vez que fui a Los Ángeles, me preguntaba si podría verlo en el supermercado comprando yogurt. Quiero decir, ¡todavía estaba vivo! Luego hubo este momento realmente divertido, cuando se lanzó "Michael Clayton" y sucedió que todos los actores que ganaron a los Oscar ese año eran de fuera de Norteamérica: estaba Marion Cotillard, Daniel Day Lewis, Javier Bardem y yo. Recuerdo que la prensa fue un poco coqueta con nosotros y un poco condescendiente para nosotros, como, "¿A qué le gusta a ustedes europeos?" Y recuerdo haber dicho: "Bueno, ya sabes, Hollywood fue construido por europeos". Hubo un pequeño momento en el que tuvieron que descubrir que era cierto. Pero Billy Wilder fue uno de ellos.

¿Cuánto prestas atención a la charla de los Oscar en estos días?

No tengo ni idea. Ese es otro país para mí. Estoy fuera del bucle. ¿Pasó siquiera el año pasado?

Un chico abofeteó a otro chico.

¡Ooh, sí! Incluso lo atrapé. Bueno, lo que sea, es todo lo que puedo decir. Sí, tal vez, como dice Bong Joon-ho, si la gente está menos asustada de leer el texto en la pantalla, entonces eso es algo muy bueno para avanzar lentamente. Los tres Amigos han estado haciendo eso durante mucho tiempo. Si las personas realmente importantes, que no son la industria sino la audiencia, realmente prestan atención a los Oscar, no sé si lo hacen. Tal vez existen para lo que se financiará el próximo año.

¿Cómo se explica su fase más reciente de colaboraciones?

La gente comienza a saber que soy bastante vago en términos de hacer lo mío. He tenido este viaje de cambio bastante intensivo entre los mundos de los extraordinarios creadores de cine puros: Wes Anderson, Apichatpong, George Miller, Joanna Hogg. Todos ellos están haciendo cine puro, pero todos provienen de diferentes ángulos y ocupan diferentes puestos en el mercado. Entonces, en cierto modo, todos se sienten sobrealimentados y súper valores. El hecho de que haya todas estas formas de desollar a un gato hace que el cine se sienta más robusto, pero esa es solo mi experiencia personal.

"La hija eterna" ahora está en liberación teatral limitada de A24.