Presentado por Adobe, presente el patrocinador y la solución de edición oficial de 2024\_\_. Para más información, _._
"Riesgo ... puede ser el catalizador que lo impulsa hacia adelante" es una cita de Robert Redford que vive en el sitio web del Instituto Sundance, un mensaje apropiado del fundador del festival que tiene más de cuarenta años de historia que cultiva las carreras de muchos cineastas por primera vez. Quentin Tarantino, Robert Rodríguez, David O. Russell, Paul Thomas Anderson, Ryan Coogler, Ava Duvernay, Chloé Zhao, Cathy Yan y Wes Anderson se hicieron un nombre durante el evento de Park City.
Para la instalación de 2024, la tradición de los directores que estrenan su proyecto debut continúa con más de 90 películas y títulos episódicos que se exhiben para la 40ª edición del Festival de Cine de Sundance. Entre ellos hay ocho títulos cuyos equipos de edición buscaron Adobe Creative Cloud Apps para crear sus historias. Desde una adolescente incierta que intenta encajar, una abuela en una búsqueda de venganza llena de acción, una joven que encuentra su camino en el desierto, hasta la misteriosa desaparición de Mavis Beacon y un examen de la conciencia en la IA, los narradores de narradores a continuación comparten los desafíos contra los que estaban enfrentando y los pasos que tomaron para propulsar el delantero narrativo.
Premiere Pro es nuevamente el software de edición de video más popular en el Festival de Cine de Sundance 2024, utilizado por más de la mitad (57%) de las películas de estreno. Y las herramientas de Adobe Creative Cloud se utilizaron en más del 80% de las presentaciones de este año en general.
Competencia dramática de los Estados Unidos
Director: Nathan Silver
Editor: John Magory
"Entre los templos" Sean Price Williams
Jason Schwartzman y Carol Kan protagonizan el último proyecto de Nathan Silver "Between the Temple", una historia sobre la curación del vacío con la amistad. Los dos actores interpretan a Ben y Carla cuyos caminos se cruzan una vez más después de que ella vuelve a entrar en su vida como su estudiante adulto de Bat Mitzvah. Su creciente conexión se convierte en el corazón de la película. "Lo que realmente me destaca es la necesidad mutua entre Ben y Carla, una necesidad que se dice relativamente tácita", dijo el editor John Malary a Indiewire. "Al principio, solo son dos extraños a la deriva, pero a medida que avanza la película, nos invertimos cada vez más, y con suerte más y más encantados con su amistad peculiar y profundidad".
En preparación, el director y editor habló sobre "Harold y Maude" y "The Graduate" como puntos de referencia. “Me encanta el estilo de edición predominante de finales de la década de 1960 a principios de la década de 1970. Cortes duros, transiciones de sonido angular, señales musicales en primer plano. Un poco de Altman, un poco Godard. Así que supongo que mi vaga concepto inicial para la edición fue los años 60. No entré con mucho más que eso. Solo quería que la película_mover_y, si es posible, para reorientar la opinión ”, dijo MAGARY.
Al crear la química entre los personajes, el editor extrajo los detalles de sus actuaciones. "Jason y Carol son, por supuesto, actores muy divertidos y improvisadores talentosos, y se jugaron muy bien en el set, por lo que mi trabajo era capturar esos pequeños rayos peculiares de rayos", dijo Malary. “El ritmo fue una de mis principales preocupaciones. Cómo hacer estas conversaciones entre Ben y Carla, a menudo salpicado de improvisación suelta, se mueven de una manera que las conversaciones se mueven entre dos personas que instantáneamente se vieron bien pero no necesariamente de una manera romántica ".
Para una escena en la que la fe de Ben está siendo probada por un sacerdote interpretado por Jason Grisell, magary revisó una serie de tomas improvisadas. “Lo abordé casi como una escena documental. Tiré selecciones de mis momentos favoritos y luego lo reuní en una edición de radio. Básicamente, mi desafío era utilizar un flujo de trabajo documental para hacer una escena corta, efectiva y totalmente coherente con mucha conversación muy suelta. ¡Y terminó siendo una de mis escenas favoritas en la película!
Competencia dramática de los Estados Unidos
Director: Sean Wang
Editor: Arielle Zakowski
"Dìdi (hermano)"
La editora Arielle Zakowski fue "impresionada por el humor de la risa en el corazón inmenso pero sensible" del "Dìdi (弟弟) (弟弟)" del director de Sean Wang, una mirada auténtica a una vida adolescente de navegación estadounidense taiwanesa de primera generación, cuando Myspace, Myspace, AOL Instant Messenger y Flip Pellons. Al principio, los colaboradores por primera vez discutieron el ritmo emocional del personaje principal apodado Wang Wang (Izaac Wang) y cómo querían contrastar su "energía caótica y llena de testosterona fuera de la vida entre amigos, y el mundo tranquilo y casi dolorosamente lento de su vida en casa". "Queríamos crear una tensión entre estos dos entornos para que Wang Wang nunca sienta que encaja en cualquier lugar, un reflejo de las luchas de peces de un joven adolescente que lucha por encontrar su lugar en el mundo", dijo Zakowski.
El pegamento visual que sostiene los errores sociales de Wang Wang juntos es una realidad fundamentada, una que combina una calidad atractiva pero casi casera del director de fotografía Sam Davis. "Las formas en que los personajes hablan entre sí a la caña de la era 2008, cómo una madre y un niño se comunican entre sí en dos idiomas diferentes, cómo cada persona se comporta en raros momentos de soledad, todo esto está destinado a sentirse muy natural y fiel al tiempo y el lugar", señaló Zakowski.
Para obstaculizar uno de los desafíos de la sala de corte en una escena en la que Wang Wang aparece en un parque para un club de pelea adolescente, Zakowski se inclinó en un "menos se acerca" al editar en el ecosistema de Adobe. "Hubo muchas líneas habladas entre los personajes y una mini trama completa que se desarrollaron dentro de la escena, pero cada vez que lo vimos sentimos que la escena no tenía la energía que estábamos buscando". Entonces, un día intentamos lanzar una canción extraña y eliminar casi todas las líneas, dejándola esencialmente como un montón de caos, y pensamos, dang ... ¡creo que encontramos algo aquí! Hicimos y recortamos desde allí, pero básicamente terminamos dejando la escena en su forma casi sin sentido. La esperanza es que después de que juega, los espectadores se quedan con un poco de "¡Espera ... ¿qué demonios fue eso?"
Medianoche
Directora: Jane Schoenbrun
Editor: Sofi Marshall
"Vi el brillo de la televisión" A24
Al dar vida a la película de la escritora y directora Jane Schoenbrun "I Ve the TV Glow", una historia sobre un niño suburbano llamado Owen (Justice Smith) obsesionado con un programa de televisión nocturno, el editor Sofi Marshall sintonizó el conflicto interno del personaje. "Es un niño tranquilo y tímido que se esfuerza mucho para evitar conocerse a sí mismo, asustado de lo que podría encontrar". Uno de mis objetivos en la edición era tratar de hacer que su viaje emocional fuera lo más externo posible para que la audiencia tenga la oportunidad de conectarse profundamente con él. Tácticamente, que parecía verter el metraje, buscando la expresión facial perfecta o entrega de líneas, o redactar y volver a escribir la voz de Owen para entregar la cantidad justa de información ".
También era importante que el editor encapsulara el viaje de Owen a través de una lente de honestidad, incluso en momentos que son dolorosos de ver. "En última instancia," Vi el brillo de la televisión "se trata de un niño que se siente incómodo en su propia piel. Hablamos mucho sobre nuestra propia infancia, particularmente sobre cómo crecer en los suburbios no ofrece exactamente ningún apoyo a los niños inadaptados. También hablamos sobre nuestra nostalgia compartida para los medios de comunicación de los 90 y cómo burlarse de eso en la película a través de algunas devoluciones de llamada divertidas ", dijo Marshall.
Encontrar el ritmo correcto para varios montajes destinados a pasar el tiempo a medida que las edades de Owen crearon un obstáculo para Marshall. “Se necesitaron mucho de ida y vuelta para lograr el equilibrio correcto entre centrarse en la calidad emocional del montaje y los puntos de la historia que necesitábamos transmitir. Agregue clavado el ritmo y el ritmo sobre eso, y teníamos una tonelada de piezas móviles que debían masajear en una sola secuencia cohesiva. En última instancia, nos permitimos mucho espacio para jugar, yendo y viniendo al incluir, cortar o recortar tiros una y otra vez hasta que Jane y yo sentimos que lo habíamos intentado todo ".
Para Marshall, se conectó inmediatamente con el personaje que crecía en los suburbios. “La película aprovecha tantos momentos dolorosamente identificables de mi propia infancia, todo mientras captura bellamente la nostalgia de los años 90. La historia de Owen se reproduce como un recuerdo a veces, sintiéndose tan familiar que casi se siente como verme en la pantalla. Espero que el público tenga la misma experiencia ".
Próximo
Director: Jack Begert
Editores: Jake Torchin, Tyler Sobel-Mason
"Pequeña muerte"
En la película visualmente contundente "Little Death" de Jack Begert, mejor conocido por dirigir videos musicales para artistas como Doja Cat, Jack Harlow y Kendrick Lamar, David Schwimmer toca un guionista en medio de una crisis de mediana edad. La historia da un giro cuando dos propietarios de camiones de taco (Talia Ryder y Dominic Fike) están buscando su próxima solución de opioides. Los editores Jake Torchin y Tyler Sobel-Mason han estado trabajando con Begert durante más de una década y sabían que ir en esa "pequeña muerte" "usaría intencionalmente diferentes estilos en diferentes partes de la película".
“A veces, el corte tiende a estar en la cara con una variedad de secuencias hiper estilizadas posmodernas. Otras partes se vuelven más porción de la vida, donde nuestro trabajo era ocultar la edición. En última instancia, esto reflejó las perspectivas contrastantes de nuestros personajes ”, dijo Torchin a Indiewire. Sobel-Mason agregó: “Sabíamos que habría un cambio de ritmo en la película y que la historia y la estructura iban a ser experimentales. Pudimos jugar mucho con la estructura en la edición y utilizaron una combinación de imágenes de archivo y animación de IA para pegar ciertas secuencias ".
Las imágenes fueron filmadas por el director de fotografía Chris Ripley utilizando una película digital y 35 mm que ayudó a guiar la estructura de la edición. "Mirando algunas de las opciones que Jack y Chris hicieron sobre el encuadre, solo hay uno o dos disparos amplios en los primeros 40 minutos, y a medida que las cosas comienzan a cambiar, casi todas las escenas tienen una amplia", dijo Sobel-Mason.
Los efectos visuales se convirtieron en una parte integral de la historia y se crearon simultáneamente junto con la edición. La pareja integró el estreno, después de los afectos y Photoshop para su corte fuera de línea para impulsar los "límites visuales y temáticamente". Tener una sola película con diferentes estilos de corte presentó desafíos creativos únicos. Por ejemplo, hay una parte de la película que se reproduce muy linealmente, lo que nos permitió adoptar un enfoque más tradicional. Pero hay otra parte de la película que es un rompecabezas total, donde las escenas no necesariamente tenían que jugar en un orden específico. Entonces, como parte del proceso, Jack nos haría deconstruir completamente una escena y probarla de todos los caminos posibles, excepto la forma en que fue escrito y filmado ”, dijo Torchin.
Competencia documental de EE. UU.
Director: Peter Sillen
Editor: Conor McBride
"Love Machina"
"Cuando haces una película sobre tecnología, es fácil entrar en las malas hierbas técnicas y científicas. Era importante para el director Peter Sillen para asegurarse de que esta película permanezca, en su corazón, una historia humana ", dijo Conor McBride a Indiewire de" Love Machina ", un documental que interula poéticamente el amor, la humanidad y la IA. “Cubrimos mucho terreno en este documental: robótica, transhumanismo, derechos transgénero, sesgo en IA. A pesar de todos estos temas, Peter quería abrir la película en puntos, ralentizarla y tener estos momentos líricos ".
La historia en capas sigue a los futuristas Martine y Bina Rothblatt y cómo transfirieron la conciencia de Bina a una IA llamada Bina48 para preservar su vida amorosa en los años venideros. "Nuestra película comenzó como una historia sobre un robot que iba a la universidad, pero desde entonces se ha disparado en una historia sobre el amor eterno", dijo McBride. “Nuestros protagonistas son apasionados por hacer tecnología con la compasión humana. Igualmente, nuestra película quiere centrarse en los valores humanos y preguntarle a la audiencia cómo podemos preservar nuestra humanidad con el crecimiento de la tecnología y la inteligencia artificial ".
Al dar forma a la historia, McBride se apoyó en Adobe Premiere Productions para crear un "flujo de trabajo sin esfuerzo" entre él, el editor adicional Ben Mercer y el director. "Ya sea que estuviéramos en diferentes estados o simplemente en diferentes habitaciones de la oficina, podríamos pasar seleccionados y escenas entre ellos sin problemas", dijo McBride. La tubería de producción fue especialmente útil para encontrar el clímax de la película. “Hemos tenido una variedad de finales para esta película. Cuando cuenta una historia sobre el futuro, la conclusión no es concluyente porque nadie sabe lo que va a pasar ", dijo. “Peter y yo, habiendo trabajado en la película durante unos años, estábamos en una rutina sobre cómo concluir la película. Tuvimos la gran oportunidad para trabajar con Brian Kates como editor supervisor en los últimos 6 meses. Él ayudó a guiarnos a través de un cambio de humor y aclaró el mensaje para la conclusión de la película ".
Episódico
Director: Mel Eslyn
Editora: Celia Beasley
"Penélope"
Dirigida por Mel Eslyn, "Penélope" sigue a una niña de 16 años (Megan Stott) que se desconecta de la sociedad para encontrar un nuevo significado en el desierto. Mientras que la serie episódica comparte el "salvaje" de Reese Witherspoon en la superficie, sus raíces en términos de tono, ritmo y punto de vista subjetivo, provienen del drama psicológico de Lynne Ramsay "Morvern Cald".
"La serie nos lleva profundamente a la experiencia de Penélope", dijo la editora Celia Beasley, cuyo trabajo incluye el galardonado documental "Sí, soy: la historia de Ric Weiland", que sigue la filantropía y las luchas personales del programador de Microsoft. “Como espectador, estamos con ella todo el tiempo, mirándola o viendo lo que está viendo, como un ratón en su hombro. A veces, en realidad entramos en su cabeza para vivir su experiencia sin ninguna separación, casi como una conciencia alternativa, donde los pensamientos son no verbales, atemporales y asincrónicos ”.
El director de fotografía Nathan Miller fotografió ciertos momentos con un estilo a medida y encontrar los puntos de transición precisos fue clave para la edición. "Algunos de estos momentos se dispararon a alta velocidad, por lo que me dio mucha flexibilidad en la edición para usar el tiempo de reasignación para explorar la transición entre los diversos niveles de conciencia de Penélope. También utilicé Score and Sound Design para enfatizar ese cambio, que incluía establecer el diálogo como asíncrono para el mundo que nos rodea ”, dijo.
La música también era crucial para la edición. “Mel le dio a nuestro equipo mucha libertad creativa para salir y explorar todo tipo de música temperatura diferente para dar forma al tono. Experimentamos con gente acústica, música electrónica, paisajes sonoros ambientales, vocalizaciones no verbales e incluso pop convencional. Probar todas estas opciones diferentes nos permitió ser receptivos cuando algo realmente se conectó ". Para una escena fundamental que ve a Penélope colarse en un tren en movimiento, el editor prestó meticulosa atención al mundo que pasa. “Fue filmado de manera muy simple y maravillosa con solo una cámara de mano por Nathan. Debido a que el tren era un tren de trabajo real, el metraje reflejaba el entorno de pase y la luz cambiante. Fue un desafío cortar la escena y mantener una progresión lógica del paisaje y la luz, pero valió la pena debido al hermoso tono que crea en este momento ".
Próximo
Director: Jazmin Renée Jones
Editores: especial
"Buscando Mavis Beacon" Yeleen Cohen
Mavis Beacon se lanzó en 1987 enseñando a millones de personas a escribir. Sin embargo, el modelo nacido en el haitiano adornando la cubierta, Renee L’Epperance, desapareció años después. Ingrese al director Jazmin Renée Jones, quien junto con la co-investigadora Olivia McKayla Ross, convierta las cámaras en busca del ícono perdido. Para Jones, estaba "simultáneamente intrigada e insatisfecha" con la información que encontró en línea sobre la mujer desaparecida y usó la película como una herramienta para "investigar la historia de origen de Mavis Beacon mientras rinde homenaje a todos los visionarios, artistas y tecnólogos negros que la inspiran.
Los primeros dos años de producción que el equipo gastó documentando la investigación. “Jazmin tuvo una visión fuerte desde el principio y enfatizó el deseo de construir el mundo. Desde las horas dedicadas a perfeccionar la sede de la investigación, hasta la recolección de carteles y parafernalia de tecnología retro, hasta los coloridos atuendos coordinados, logró crear una estética cohesiva para la película ”, dijo Yeelen Cohen, quien coeditó la película con Jon Fine y Jazmin Renée Jones.
Para impulsar la edición, Fine seleccionó un ensamblaje cronológico que ayudó al proceso de disparo. "Debido a que el misterio todavía se estaba explorando, nos sumergimos en cualquier metraje que se sintiera emocionalmente convincente y al mismo tiempo que buscamos las pepitas que parecían ayudar a resolver el misterio incrustado en la película", señaló Fine. "Una vez que nos sentimos seguros del destino, el lenguaje de la película realmente se congeló". Ayudando a conducir la narrativa fueron secciones de transición o lo que el trío llamó "montajes de escritorio". "Los montajes de escritorio nos permitieron desempacar temas que se presentaron durante las entrevistas, además de plantar huevos de Pascua ideológicos en forma de memes, manifiestos y videos virales", señaló Jones.
Para el equipo, los primeros 20 minutos de la película fueron el mayor obstáculo. "Fue un desafío establecer los personajes, la búsqueda y la ubicación sin apresurarlo", dijo Cohen. “Lo más notable es la primera escena de mapeo cuando Jazmin y Olivia entran en el trabajo de detectives. Queríamos que sintiera que la audiencia estaba en la habitación con ellos mientras araban las piezas. Cada editor le dio un pase y terminó siendo una verdadera amalgama de cada versión ".
Estrenos
Director y Editor: Josh Margolin
"Thelma"
"Siempre me encantaron las películas de acción", dijo Josh Margolin, escritor, director y editor de "Thelma", una película inteligentemente entretenida que ve al actor June Squibb interpretar a un joven de 93 años cuyo estafador de teléfono y no se detiene ante nada para vengar lo que le quitan. La historia, inspirada en una experiencia de la propia abuela de Margolin, explora temas de independencia, tenacidad y envejecimiento a través de un prisma que hace referencia a la acción de la "misión: imposible" y la paleta emocional del "amor borracho". "Hay tanta sensación y ansiedad en la forma en que se roda esa película. Estábamos buscando formas de tomar ideas visuales de las grandes películas de acción y reducirlas a un alcance y una escala cotidiana. Queríamos que se sintiera íntimo y humano, pero poder evolucionar a algo emocionante y dinámico ”, dijo Margolin.
Para las secuencias de acción, Margolin no quería que una hazaña física fuera el foco de la broma. “Fue importante para mí que la acción tuviera apuestas y fuera tratado con sinceridad. Debido a que Tom Cruise salta de un avión es emocionante, pero también ver a mi abuela saltar a una cama alta. Ambos pueden ser desgarradores para el participante ”, dijo Margolin. "June en realidad terminó haciendo una buena parte de sus propias acrobacias con el apoyo de nuestro increíble equipo de acrobacias, por lo que también fue muy inspirador en términos de querer mostrarla tanto como sea posible".
Al editar una secuencia de persecución de corte climático, Margolin encontró terreno al servir la historia. "Debido a que es una mezcla de tensión genuina y ritmos cómicos, tardó un tiempo en encontrar una longitud que podría soportar ambos sin perder vapor", dijo. “Creo que recibir comentarios, luego regresar con los ojos frescos terminó siendo realmente fructífero. Solo lleva tiempo. Terminas matando a algunos queridos, pero definitivamente vale la pena al servir el panorama general ”.
El director espera que el público se conecte con la lucha de Thelma por la autonomía y la autoestima. "Creo que es algo que todos pasamos varias veces en la vida: creciendo, envejeciendo, constantemente renegociamos nuestro sentido de sí mismo. Y ver a June Squibb tomar el asunto en sus propias manos y defenderse cuando siente que ha sido contada debería ser divertido y catártico ".