Sundance 2023 Cinematography Survey: The Cameras and Lenses Behind 22 Docs at the Fest

 , A los cinematógrafos detrás de las películas que se estrenan en el Festival de Cine de Sundance 2023, y pregunta qué cámaras, lentes y formatos que usaron, y por qué las eligieron para crear el aspecto y satisfacer las demandas de producción de sus películas. Aquí están las respuestas de los cineastas que trajeron documentales al festival; .

Las películas aparecen en orden alfabético por título.

"Mala prensa"

Detrás de escena de "Bad Press" Conrad Beilharz

Tú:Rebecca Landsberry-Baker y Joe PeelerDOP:Tyler Gram
Formato:4K Canon C-Log 2.35
Cámara:Canon C300 Mark II
Lente:Angénieux Optimo 16-40 mm y 30-76 mm, Zeiss CZ.2 70-200 mm, Canon MP-E 65 mm Macro, Lensbaby Composer Pro

Gramo:Como director de fotografía en "Bad Press", mi objetivo principal era asegurarse de que las texturas, los colores y la sensación de Muscogee Nation impregnen la pantalla. La imagen Canon se siente muy fiel a la vida, pero también me da suficiente profundidad para hacer cambios estilísticos en la publicación. Fuimos con un tono ligeramente más fresco en la corrección de color, pero conservamos los increíbles colores de nuestras ubicaciones. Los Angénieux Zooms funcionaron muy bien, dándome un poco de carácter extra pero también la practicidad del tamaño y el rango. Los disturbios focales más amplios te dan una sensación muy íntima durante las escenas vérité, por lo que la audiencia siente que están allí con Angel mientras informa. Dado que siempre filmamos entrevistas con una sola cámara, el zoom más largo me dio la flexibilidad de cambiar las tomas rápidamente y permanecer ágil dependiendo de lo que se decía.

La lente macro Canon de 65 mm se usó únicamente para los insertos del periódico. Siempre estábamos muertos en filmar todos los insertos de archivo prácticamente en lugar de depender de las recreaciones digitales. Creo que realmente vale la pena porque cuando llenas el marco con una palabra de un periódico real, la audiencia puede sentir pulpa y tinta en la página. Le da a las tomas mucho más vida y profundidad que una imagen digital fija. También hicimos algunos efectos prácticos en estas tomas de las que estoy muy orgulloso, por lo que cada látigo, giro o movimiento que ves en un inserto de periódico se realizó prácticamente en la cámara.

"La respiración más profunda"

Disparando a "El aliento más profundo" Sarah Thomson

Tú:Laura McGann,DOP:Tim Cragg
Formato:5k
Cámara:Géminis roja 5k
Lente:Cooke 2x anamórfico

Cragg:La columna vertebral de la película se centra en una riqueza de iPhone, GoPro y imágenes en el hogar, todos muy crudos, irregulares, viscerales y honestos. Queríamos agregar a esta paleta visual una esencia elevada de cómo es el estilo de vida de buceo gratuito en contraste con este metraje hiperreal en el hogar. Interiors empapados del sol, hermosas playas remotas, océanos brillantes con bengala del sol y el enorme abismo en forma de espacio en las profundidades profundas de los submarinos. Sentimos que las lentes anamórficas y, en particular, la naturaleza tridimensional que evocan las lentes 2X anamórficas Cooke ayudarían con estas imágenes elevadas. Respaldos destacados, interiores de color primario ricos, imágenes brillantes. Esta película fue filmada durante el bloqueo, mientras que el viaje fue muy restringido y, sin embargo, a través del gran esfuerzo en el equipo de producción en Ventureland, logramos llegar a Dahab en Egipto, Blue Hole en Bahamas, Niza, Praga, Roma, L.A, México, hermosos lugares que sentimos más que la responsabilidad de aportar la esencia de estos lugares al mundo de la audiencia, un viaje virtual y una virtual que escapa de la playa While While Whard Whard to el Hearty, el más ingratiente. La combinación del sensor más grande en el Red Gemini y las lentes anamórficas de 2X Cooke ayudó enormemente a crear este escape cinematográfico.

"Profundito ascendente"

Detrás de escena de "Deep Rising" Juliana Mejia

Tú:Matthieu Rytz,DOP:Matthieu Rytz
Formato:Mezcla de formatos
Cámara:Utilizamos una amplia gama de cámaras: Sony Alpha, Panasonic S1, Blackmagic 6K, Fujifilm GFX, cámaras industriales en submarinos
Lente:Usamos una amplia gama de sistemas

Rytz:"Deep Rising" es una investigación sobre la minería de los tonos de mar y, en ese contexto, utilizamos una amplia gama de cámaras. Algunas escenas encubiertas se han filmado con teléfono inteligente barato y algunas imágenes submarinas se capturaron con imágenes de 6k RAW (Panasonic S1). La cinematografía de última generación tiene el poder de desencadenar emociones. La cinematografía encubierta y de volar en la pared puede crear una dinámica y suspenso intrigantes. Para contar nuestra historia, mezclamos periodismo de investigación con emociones. La cinematografía del océano profundo se realizó con cámara integrada a ROV (vehículo submarino operado de forma remota) que puede ir a la frontera intacta de nuestro planeta. Los desarrollos técnicos junto con la ciencia trajeron imágenes nunca antes vistas de nuestro planeta a la pantalla grande.

"Fantástica máquina"

La tripulación de "Fantastic Machine" cortesía del director

Tú:Axel Danielson y Maximilien van Aertryck,DOP:Axel Danielson y Maximilien van Aertryck
Formato: HC
Cámara:Blackmagic Pocket Cinema Camera 6K
Lente: Arte sigma

Van Aertryck:"Fantastic Machine" es un 90 por ciento de imágenes de archivo. Hay tres escenas en la película que filmamos. Todos siguen un método que hemos desarrollado en varias películas donde usamos la cámara para capturar el comportamiento humano. Nos acercamos a ciertas escenas como si fuera un estudio, creamos configuraciones en las que dejamos que las personas interactúen con él. Una plataforma de buceo en "Torre de diez metros", o una gran cámara Obscura en "Fantastic Machine", por ejemplo. Configurar las cámaras se convierte en una decisión de qué perspectivas queremos cubrir para estudiar mejor cómo se comportan las personas en la configuración.

La elección de las cámaras era muy práctica: tenía que ser pequeña para que pudiéramos cambiar su posición fácilmente, así como combinar con los alrededores más fácilmente, para no sentir constantemente su presencia e influir en nuestros sujetos. Como directores, siempre comenzamos con la imagen en mente. Observamos el papel del fotógrafo casi como el de un cazador, capturando momentos de la vida. En ese sentido, lo más importante es saber dónde se debe colocar la cámara y cuándo presionar el botón.

"5 temporadas de revolución"

Detrás de escena de "5 temporadas de revolución" cortesía del director

Tú: Lina DOP: Lina
Formato: HD
Cámara:Canon 7d, Sony HDR-CX760, otros
Lente:Canon EF 50 mm, Canon EF-S 15-85 mm, Canon EF 70-200 mm

Lina: La prioridad era permanecer bajo el radar. Todo el tiroteo estaba encubierto, en situaciones muy desafiantes, por lo que se priorizó el kit de buena calidad menos detectable, minimalista. Además, mantener la intimidad con los personajes era muy importante, especialmente en situaciones donde era parte de la escena/evento, por lo que no podía centrar toda mi atención en operar la cámara y necesitaba algo simple. Por ejemplo, me encantó la intimidad de la profundidad de campo poco profunda del Canon 50 Prime en 1.4, pero hubo momentos en que no podía dedicar suficiente concentración para su enfoque manual, y luego también en los momentos en los que simplemente tuve que disparar con lo que pudiera tener en mis manos en el momento y allí, así que ni siquiera sé/recuerdo ahora qué cámaras eran. Al principio, esto fue muy desafiante, especialmente cuando se trataba de cortar el material en la edición y ver cuán diferente era el aspecto, por lo que me di cuenta de que Sony es una opción más realista, especialmente con el uso de micrófonos muy limitados. Más tarde, todos aprendimos a abrazar esto como parte integral de este tipo de situación cinematográfica, y una verdadera representación de la historia en sí.

"Comida y país"

Instituto Sundance "Food and Country"

Tú:Laura Gabbert DOP: Jerry Henry
Formato: CHC Digital
Cámara:Sony FX9, Canon C300 MKII
Lente:Fujinon MK Cine Zooms, Cooke S4Mini Primes

Henry: Disparé con el FX9 debido a su excelente imagen y capacidad con poca luz. El sensor dual me permitió tener versatilidad y poder trabajar a velocidades rápidas. En su mayoría era solo por Covid. Filmamos esta película en el apogeo de la pandemia. Eso significaba que tenía que ser ágil, pero también podía capturar una imagen cinematográfica. La capacidad del FX9 para cambiar a la velocidad de cuadro variable con un toque de un botón es la característica principal que más utilicé. Lo han perfeccionado. Especialmente cuando estás en el campo disparando vérité y quieres cambiar las velocidades de cuadro, la cámara lo hace sin problemas.

"Ir a Marte: el proyecto Nikki Giovanni"

Detrás de escena de "Ir a Marte: el proyecto Nikki Giovanni" Ayana Enomoto-Hurst

Tú:Joe Brewster y Michèle Stephenson,DOP:Greg Harriott
Formato:Canon Clog2 XF-AVC
Cámara:Canon C300 MKII principalmente, pero también tenía cámaras Arri, Sony y Blackmagic algunos días
Lente:Zeiss Contax Primes con algunos zooms Canon 2.8 L

Harriott:La producción de "Going to Mars: The Nikki Giovanni Project" fue una mezcla de escenas vérité íntimas y algunas escenas de lectura/sueño de poesía más estilizadas durante la producción. Los directores y L querían imágenes fuertes con un enfoque en composiciones interesantes, pero a menudo es un desafío encontrar el equipo correcto para la filmación de Vérité para mantener la calidad y la creatividad altas, mientras que aún pueden grabar tardas largas todo el día sin un aire acondicionado.

El Canon C300 Mark II era el punto óptimo de una cámara de cine de alta calidad que podía manejar el amplio rango dinámico que necesitábamos en un cuerpo lo suficientemente pequeño como para poder mantener todo el día sin una plataforma. Los primos Zeiss Contax de manera similar fueron una buena mezcla de vidrio vintage interesante que todavía eran livianos, rápidos y fáciles de enfocar en el barril. No quería que el aspecto se sintiera demasiado limpio, por lo que las lentes vintage combinadas con filtros Black Pro Mist ayudaron a agregar una calidad de ensueño a la imagen. Nikki tiene tantas lámparas maravillosas en su casa que se combinaron bien con los filtros Pro Mist que dan un brillo suave a los aspectos más destacados. Por razones prácticas, también usaríamos un conjunto de 2.8 zooms Canon L para filmar eventos o lugares donde mi movimiento sería limitado. Para las secuencias más estilizadas, mantuvimos el paquete de cámara/lente en su mayoría igual, pero confiamos en una iluminación dramática y al uso de proyectores/imágenes reflejadas.

"Ir equipo universitario en mariachi"

Detrás de escena de "Going Varsity in Mariachi" cortesía del cineasta

Tú:Sam Osborn y Alejandra Vásquez,DOP:Michael Crommett
Formato:S-log3.s-gammut3.cine, xavc-i códec
Cámara: Sony FX9 y FX6
Lente:Angénieux EZ-1 y EZ-2 y Sigma 24-70 mm y 70-200 mm

Crommett:Los ensayos de mariachi ocurren en el bloque de cemento típico, aulas fluorescentes iluminadas, y aunque queríamos ser fieles a ese entorno en nuestros disparos anchos, el gran sensor del FX9 ayudó a aislar a los estudiantes y permanecer conectados con su experiencia dentro de ese entorno. El otro beneficio de los sensores grandes es que permiten que las lentes más largas tengan un campo de visión más amplio. Esto imita el enfoque estrecho pero una amplia gama de visión del ojo humano. Esto coloca al espectador directamente en la experiencia de los estudiantes, ya sea en el aula, en casa o en las alas justo antes de sus competiciones.

"Belleza invisible"

"Belleza invisible" Oliviero Toscani/Sundance Institute

Tú:Bethann Hardison y Frédéric Tcheng,DOP:Mia Cioffi Henry
Formato:HC
Cámara:Canon C70 y Canon C300
Lente:Lentes Canon EF y Sigma

Henry:Para este documental, los directores de Bethann Hardison y Frédéric Tcheng estaban buscando un ojo cinematográfico y de narración de historias para crear el "día actual" y el material de la entrevista que queríamos filmar para complementar nuestras imágenes de archivo e ilustrar esta película de retratos personales. Dibujé de mi amor por el mayor naturalismo, celebrando los hermosos tonos de piel diversos y trayendo marcos observadores pacientes que brindan cercanía al tema. Filmamos en cámaras y lentes Canon con una tripulación mínima y una huella para lograr esta película íntima. Principalmente de películas narrativas y comerciales, realmente disfruté trabajando con el C70 por su factor de forma y bajo perfil, así como la flexibilidad en la imagen de registro para promover nuestro aspecto en el grado con nuestro colorista fenomenal, Natacha Ikoli.

"Mariposas de hierro"

Detrás de escena de "mariposas de hierro" cortesía de Andrii Kotliar

Tú:Roman Liubyi,DOP:Andrii Kotliar
Formato:2k/checkie
Cámara:Arri Alexa, Sony FX9 y Sony AS7 II
Lente:Arri Lightweight Zoom, Cooke Classic Zoom, Cooke sin recubrimiento, Arri Alura

Kotlyar:Tenemos una película híbrida para que la solución no pueda ser clásica. Utilizamos cámaras Sony para la parte documental con lentes de zoom de buena calidad. Para la parte con recreaciones artísticas/piezas de ficción/teatro físico, utilizamos Arri Alexa con diferentes ópticas de Cooke, para mí fue la mejor combinación. También utilizamos muchas lentes atípicas, lentes de enfoque largo de Canon y COOKE sin recubrimiento, por ejemplo. (Nuestro avanzado y 1AC de esta película ahora sirven en el ejército ucraniano).

"¿Hay alguien por ahí"

Detrás de escena de "¿Hay alguien por ahí" Annemarie Lean-Vercoe

Tú:Ella Glendining,DOP:Annemarie Lean Vercoe
Formato: 1920 × 1080 HD
Cámara:Canon C500, Canon C300, Panasonic GH5, iPhone 12
Lente:Sigma Art 18-35 mm, Sigma Art 50-100mm

Lean-Vercoe: Necesitaba un kit de tiro compacto práctico ya que estaba grabando sonido, así como filmando, por lo que principalmente un rodaje en solitario. A menudo estábamos filmando con un niño pequeño y las ventanas de filmación eran cortas. En su mayoría fue una filmación observacional y no fue posible configurar tomas o repetir fotos, por lo que necesitaba ser muy flexible y no perder oportunidades. La lente de 18-35 mm era la lente del caballo de batalla, ya que seguía a Ella y quería permanecer cerca de ella en una lente ancha y sentirme presente, ya que es su historia. Disparar con lentes rápidos y tener la posibilidad de poder crear la profundidad de campo poco profunda era importante, por lo que Ella y yo podríamos crear momentos de poesía como Ella reflexionó sobre su infancia, mientras que talló nuevas relaciones en su vida adulta en la búsqueda para encontrar a alguien más que se parece a ella y comparte sus experiencias de vida únicas. El pequeño y simple paquete de cámara era el camino a seguir, así que Ella y yo pudimos trabajar espontáneamente y también construir nuestra relación juntos detrás de la cámara.

"Joonam"

Disparando "Joonam"

Tú: Sierra Urich,DOP: Sierra Urich
Formato: 2.8k
Cámara:Sony FS7
Lente:Lente de arte DG HSM 35 mm f/1.4; Lente de arte de DG HSM 20 mm f/1.4

Urich: "Joonam ”es una película personal sobre mí, mi madre y mi abuela. Se trata de nuestras relaciones íntimas, pero también del lugar, el paisaje y el hogar. Era importante que mi cámara y las lentes me permitieran no ser intrusivos, pero aún así capturar espacios y lugares maravillosamente.

"Rey Carbón"

Detrás de escena de "King Coal" cortesía del cineasta

Tú: Elaine McMillion Sheldon,DOP:Curren Sheldon
Formato:4K XF-AVC
Cámara: Canon C300 Mark III, Canon C70
Lente: Voigtlander Heliar Classic, Zeiss Cp.3, Sigma Art

Sheldon: "King Coal" cuenta la historia de dos mundos diferentes: el mundo bloqueado de una cultura que se desvanece y el mundo imaginativo de un futuro no realizado. Queríamos reflejar ambos mundos de una manera visualmente única, por lo que elegir específicamente técnicas y lentes para hacerlo. Mientras filmamos los diferentes eventos alrededor del carbón, mantuvimos la cámara bloqueada y inmóvil con vidrio limpio y afilado. Pero para mostrar los elementos de realismo mágico de la película, probamos bastantes lentes vintage y modernos para encontrar el aspecto que estábamos buscando. Nos decidimos por la lente Voigtlander Heliar Classic 50mm, que es una lente nueva pero con un estilo y nos vemos verdaderamente propios. Junto con un filtro de niebla 1/8 Pro, nos dio el efecto deseado.

Me encanta el sensor Canon C300 III y C70, así como la flexibilidad, los factores de forma de ambas cámaras nos dan en diferentes escenarios de tiro. Mientras jugamos en el espacio híbrido para esta película, a menudo seguíamos reaccionando a personas reales en eventos reales y, por lo tanto, necesitábamos un paquete de cámara que nos permitiera adaptarnos rápidamente. Los cánones nos dan esa flexibilidad sin sacrificar la calidad de la imagen y, por lo tanto, siguen siendo mi paquete de referencia para el trabajo documental.

"El adiós más largo"

Detrás de escena de "el adiós más largo" cortesía de Boaz Freund

Tú:Ido Mizrahy, DOP:Amigo boaz
Formato:3.2K Pro Res 4444
Cámara:Arri Amira como cámara y canon C300 II y Sony FS7 como cámaras B para la entrevista
Lente:Canon K35 25 mm-120 mm Zoom y Zeiss Super Speeds

Amigo:Elegimos el vidrio vintage para tener una apariencia nostálgica. Dado que la película explora a la humanidad en un entorno tecnológico muy de alta tecnología, futurista y avanzado, queríamos una imagen que contrastara eso y se sintiera natural y texturizado. Con estas herramientas más antiguas y más suaves, hizo que la imagen fuera relatable y familiar fuera de la caja, y al comparar este set con vidrio más nuevo y nítido, tanto Ido Mizrahy como yo acordamos que la imagen se sintió más orgánica y "correcta" para esta historia, que trata mucho con la condición humana en aislamiento extremo, para ir con el vidrio más antiguo e imperfecto.

"Asesinato en Big Horn"

"Asesinato en Big Horn" Jeff Hutchens/Cortesía de Showtime

Tú:Razelle Benally y Matthew Galkin,DOP:Jeff Hutchens
Formato:3840 x 2160 XF-AVC Clog 2
Cámara:Canon C500 Mark II
Lente:Leica R Summilux primos 35 mm/50 mm/80 mm con 1/8 Black Pro Mist

Hutchens:Queríamos elaborar una representación fundamentada y compasiva de los problemas subyacentes que impulsan el movimiento #MMIW (mujeres indígenas asesinadas y faltantes), trabajando de la manera más sensible y colaborativa posible con las familias que habían perdido a sus seres queridos y todavía están buscando justicia. El cine debía sentirse sin problemas para su entorno: cine tranquilo que elevaría las voces de los directamente afectados, pero no saltaría estilísticamente, aparte de su intimidad.

Queríamos la iluminación siempre naturalista (que paradójicamente puede tomar mucho más trabajo que crear una imagen que se sienta "encendida"), y las entrevistas siempre tienen un sentido de lugar y se sienten como escenas en lugar de entrevistas, con una paleta de colores general que reflejaba los cálidos tonos de la Tierra de Montana. Trabajando con luces duras, que generalmente se modifican los focos teatrales que pueden apuntar y controlar muy precisamente, casi nunca iluminaría directamente a una persona. En cambio, la luz interactuaría indirectamente con su entorno, ya sea difundida y entrando a través de las ventanas, o rebotó en el piso, o rebotó en una pared. La clave era no notar la luz, sino sentir la luz, una mezcla malhumorada de naturalismo íntimo y negro.

Disparo con la cámara acunada frente a mí en lugar de en mi hombro debido a la presencia adicional de que el cambio de altura (que coloca a la cámara ligeramente bajo la línea de la línea de ojos) da a las personas en el marco, y debido a la agilidad de composición, me da para crear secuencias dinámicas. Para la lente, elegimos lentes de LEICA RMILUX de los 90 R, disparando primímenes de longitud focal de 35 mm/50 mm/80 mm con 1/8 filtros Black Pro Mist para un ligero toque de halación. Amplio a f/1.4, encajan de una manera hermosa con un estilo de filmación naturalista e íntimo.

También queríamos crear un sentido atmosférico del lugar, pero sin caer en clichés de drones. Entonces, cualquier cosa aérea era estática o una sartén inquietantemente lenta, como si la cámara estuviera sentada en un trípode de 300 pies de altura que captura las líneas disonantes y las ondulaciones talladas como cicatrices naturales en los paisajes de las reservas de Crow y Northern Cheyenne.

"Nam June Paik: Moon es la televisión más antigua"

Filmando "Nam June Paik: Moon es la televisión más antigua" Amanda Kim

Tú: Quien es el amanda,DOP: Nelson Walker
Formato:Tantos formatos, pero principalmente 6k Raw y 4K Prores
Cámara:iPhone 11 Pro, Blackmagic Pocket 6K, Zoom Recordings, Sony FS7, Sony FX9, Panasonic S1H, Panasonic GH5, Arri Amira, Canon C500
Lente:ARRI/ZEISS 35 mm de alta velocidad III Prime T1.3

Kim: Una gran parte de la película está compuesta principalmente por materiales de archivo en una amplia gama de formatos, desde videos filmados con la primera grabadora de video Prosumer (Sony Portapak) hasta imágenes de videocámara desde principios de la década de 2000. El lenguaje visual de la película se siente como "todo menos el fregadero de la cocina" de los formatos de cámara, por lo que quería aceptar esta multiplicidad cuando estaba pensando en filmar material nuevo como entrevistas y B-Roll. Utilicé una amplia gama de formatos de video contemporáneos a los que tenía acceso, desde las cámaras más caras como la Arri Amira hasta opciones accesibles como las grabaciones de Zoom y el iPhone. ¡La película es una experiencia salvaje de medios mixtos que se siente muy, junio!

Estas ideas surgieron por casualidad cuando comencé la producción en el apogeo de Covid-19. Nuestra dependencia de Zoom y FaceTime se sintió muy en línea con la ambición y la profecía de Nam June: utilizar la tecnología para la comunicación y la conexión humana. Se sentía natural comenzar a grabar algunas de estas conversaciones de zoom e incorporarlas en la película. También filmé entrevistas mezclando el Blackmagic Pocket 6k y el iPhone. Parte de la misión de Nam June Paik era poner a disposición de todos los artistas a disposición de todos los artistas. Pensó que todos podían ser artistas y estas dos herramientas de video representaron esa accesibilidad cuando comencé a producción y no tenía un gran presupuesto. Utilicé la cámara Blackmagic Pocket 6K con una lente vintage que creó un aspecto de cine más suave y la mezclé con el omnipresente lenguaje visual digital del iPhone. Me gustó tocar con el contraste y colocar diferentes texturas de video una al lado de la otra durante toda la película.

Estas opciones de producción sirvieron nuestra película temática y visualmente, como un homenaje a Nam June, el bellamente caótico estilo y la filosofía de June Paik.

"Piano"

Detrás de escena de "Pianoforte" cortesía de Filip Drozdz

Tú:Jakub piątek,DOP:Filip drożdż
Formato:4K Canon Log/B -OG
Cámara:Canon C300 II, Canon C500 II
Lente:Oberkochen Opton

Levadura:Realizamos pruebas extensas antes de que comenzara la filmación. Estábamos revisando "el aspecto" y la ergonomía de la cámara en el campo. Canon C300 II, combinado con lentes Opton (y Zeiss) más antiguos, nos dio el aspecto suave que estábamos buscando. La ergonomía podría ser mejor, por lo que decidimos usar Easyrig para todo el rodaje. La otra razón fue la posición sentada de nuestros protagonistas durante la mayoría de las veces. A menudo estábamos filmando en espacios oscuros, por lo que tener lentes rápidos era imprescindible. También queríamos diferir de las transmisiones de televisión estándar y estar cerca de los protagonistas, por lo que una configuración tan pequeña era perfecta, lo que nos permitió ser móviles y listos para disparar.

"Plan C"

Detrás de escena del "Plan C" Veralucia Quispe

Tú:Tracy Tragos,DOP:Derek Howard
Formato:HC Super35 mm
Cámara:Canon C500 Mark II
Lente:Cooke Panchro/I Classic

Howard:Queríamos tener una configuración técnica que funcione bien para el disparo de estilo Vérité, por lo que el tamaño compacto de la cámara C500 Mark II y las lentes Panchro fueron una gran combinación. Estos primos vintage ayudaron a reducir la nitidez del sensor de cámaras y traducir imágenes con un poco menos de detalle que el vidrio contemporáneo, al tiempo que mantiene texturas muy agradables y hermosas bengalas y bokeh. Quería que la audiencia se sintiera incrustada y cercana con nuestros sujetos, por lo que favorecí las versiones sostenidas de longitudes focales más amplias y más largas, generalmente omitiendo disparos medianos. Quería apoyarme en un aspecto cinematográfico con una profundidad de campo muy poco profunda que lo distingue claramente del reportaje de noticias que estamos tan acostumbrados a ver. Las entrevistas tradicionales de la cabeza parlante se evitaban generalmente a favor de las tomas amplias que muestran sujetos en contexto con su entorno, y primeros planos extremos que aislan los rasgos de carácter específicos. El uso de tomas macro de lentes largos se volvió especialmente útil al preservar el anonimato de ciertos sujetos fue importante.

"Smoke Sauna Sisterhood"

Detrás de escena de "Smoke Sauna Sisterhood" cortesía del cineasta

Tú:Anna sugiere,DOP:Hormigas tammik
Formato:3.2k prores 444
Cámara:Arri Amira
Lente:Arte sigma

Roble:El ambiente de la sauna de humo puede ponerse muy caliente y húmedo, así que basé mi selección de cámara en algo que no fallaría en estas condiciones; desafortunadamente, este no fue el caso. El cuerpo de la cámara estaba tan caliente que dejaba marcas de quemaduras en mi piel, pero era la mejor opción aún debido al color y al rango dinámico de Arri: estaba filmando la piel desnuda en un ambiente oscuro. Fue sorprendente ver cómo un pequeño reflejo de la piel a la piel puede exponer dentro del sensor y agregar mucho al aspecto general. Para la iluminación, utilicé luces LED y HMI Arri. La sauna de humo por tradición es algo muy antiguo, lleno de misterio y magia, por eso hay tantas sombras, siluetas y profundidad en la cinematografía. Desde una perspectiva narrativa, nos dimos cuenta con el director de que Chiaroscuro era el camino a seguir en términos de estilo de iluminación, apoyando el concepto de contar historias no contadas.

Solo usamos una pequeña ventana para encender la escena, rebotando la luz de pequeños platos plateados en el agua, la piel de las personas, etc. Era físicamente difícil disparar horas en las temperaturas de 60 a 80 grados centígrados, en una habitación llena de humo, pero la mentalidad grupal nos mantuvo en marcha. Recomiendo que todos intenten tomar una sauna.

"Una voz todavía pequeña"

Detrás de escena de "una voz aún pequeña" Luke Lorentzen

Tú:Luke Lorentzen,DOP: Luke Lorentzen
Formato:Arri ProRes 4444 XQ
Cámara:Arri Amira
Lente:Angénieux Optimo 28-76mm T2.6

Lorentzen: Desde el principio, sabía que esto sería en gran medida una película de caras. Después de hacer algunas pruebas, me enamoré de cómo las lentes Amira con Angénieux manejaban los tonos de piel. Las preocupaciones que he tenido sobre la Amira en el pasado, siendo demasiado pesadas o desafiantes con poca luz, no se aplicó tan en serio para este proyecto, que tuvo lugar en un entorno relativamente controlado. Mantuve la lente casi siempre a 45 mm y lo más cerca posible de f/2.6, pero necesitaba la gama Angénieux Zoom para varios escenarios, especialmente cuando se filmó llamadas telefónicas, lo que me pareció mejor de cerca a 76 mm.

Quería que mi cinematografía creara una sensación de estar presente, de estar cerca, conectado y justo allí con los capellanes y pacientes que filmé. Me alejé de las imágenes que llamarían la atención sobre sí mismas y trabajaron hacia un estilo muy consistente y limpio. Este paquete terminó siendo un sueño absoluto para el trabajo y fue posible debido a la subvención de la cámara TCS TCS Films Rooftop.

"El paseo"

Detrás de escena de "The Stroll"

Tú:Zackary Drucker, Kristen Lovell,DOP: Sara Kinney
Formato:4K UHD/ ProRes 4444 XQ
Cámara: Arri Alexa Mini
Lente:COOKE S5I primos, Angénieux Zooms

Kinney: Estoy profundamente familiarizado con la familia Arri de mi trabajo narrativo, por lo que fue una elección fácil. Era importante tener una cámara que se preste a una pequeña construcción porque estábamos saltando de mano de mano a palos a Steadicam. ARRI también hace mis cámaras favoritas desde una perspectiva de la ciencia del color.

Me encantan las lentes Cooke S5 por cómo renderizan el color, así como su contraste y cómo tienen detalles. Encontré que son muy halagadores en muchos tonos de piel diferentes. Los directores y yo queríamos crear algo visualmente audaz, muy colorido. Queríamos que las entrevistas fueran tan vibrantes y visualmente dinámicas como las mujeres que estábamos filmando. Se trata del distrito de Meatpacking en la ciudad de Nueva York desde la perspectiva de las trabajadoras sexuales transgénero que vivieron y trabajaron allí, y queríamos enmarcarlo desde su POV, cómo les parece. Para el roll B, elegí una lente gran angular y mantuve la cámara cerca, y justo debajo del nivel de los ojos, para darle a la toma la sensación de ser triunfante, casi reverencial.

Pensamos mucho sobre el color y también la textura. La película que filmamos fue cortada con muchas imágenes de archivo, así como una animación increíble, por lo que el desafío era crear un aspecto para las escenas modernas que se destacarían pero que también funcionan bien cuando se entrelaza en el resto de la película.

"Víctima/sospechosa"

Detrás de escena de "víctima/sospechosa" Daniel Torres

Tú:Nancy Schwartzman,DOP: Jenni L. Morello
Formato: HC
Cámara: Sony FX9
Lente:Canon FDS, Canon CN-E 15.5-47 mm

Morello: Nancy y yo comenzamos nuestra conversación visual con una paleta de colores donde discutimos el uso de diferentes temperaturas de color para entrevistas y cómo quería que se sintiera la película. A medida que la película evolucionó, sabíamos que íbamos a tener una mezcla de idiomas cinematográficos, desde entrevistas hasta vérité, escenas estilizadas con cada una operando bajo su propio parámetro. Estábamos filmando con un reportero de investigación durante su investigación en tiempo real, por lo que necesitábamos ser ágiles y pequeños y poder adaptarnos a lo que sucedería en tiempo real; Además de filmar con mujeres que son sobrevivientes y ser conscientes de nuestra huella.

Nos decidimos por el FX9 y el canon FDS casi simultáneamente. Para nosotros era importante que nos expulsemos de los límites visuales tradicionales. El vidrio vintage era algo que ambos queríamos usar para romper la sensación de las cámaras digitales y tenía un poco de cremosidad en su imagen que nos proporcionaría sorpresas felices. Sabíamos que íbamos a crear algunas miradas interesantes y jugar un poco con algunas fuentes de luz para escenas de informes. Nancy quería incorporar tanta belleza como pudiéramos encontrar para una película pesada y oscura en el tema y que el FDS realmente ayudó con eso. La mayoría de nuestras escenas eran una sola cámara y, a menudo, en pequeñas habitaciones de hotel, por lo que para muchas de las escenas vérité no pudimos usar una prima, fuimos con el Canon CN-E 15.5-47 mm. Realmente queríamos favorecer una toma más amplia para que la audiencia pudiera sentarse en las imágenes y el contenido.

Una de las primeras conversaciones que tuve con Nancy fue pensar en cómo filmar las entrevistas con los sobrevivientes de una manera que se sintió diferente. Queríamos darles poder y decidimos que la filmación con un ojo directo les devolviera parte de este poder. En general, estábamos haciendo una película sobre un reportero de investigación, y "Spotlight" era una referencia visual a la que a menudo buscamos inspirarse.