[Nota del editor: el siguiente artículo contiene spoilers de "retadores"]
A pesar de las implicaciones del titular de esta historia, estos dos no son iguales. Bueno, lo son. Un poco. En algunos aspectos. Principalmente en el sentido de que el punto focal de cada uno se centra en los enfrentamientos que se producen como resultado de la no monogamia y específicamente los desafíos de mantener dentro de una relación ménage-à-trois. También hay una conexión entre los dos clientes potenciales de cada película, y Jean-Pierre Léaud, ya que ambos comenzaron sus carreras como niños y usaron estos roles para expandir las percepciones del público sobre ellas como adultos. Quizás lo más tangencialmente, las dos películas cubren los períodos de tiempo de gran ignorancia social: la Francia posterior a los años 60 y la América anterior a 2020 (así como la crisis financiera y pre-vivienda), y están destinados a generar las curiosidades del público, aunque completamente diferentes formas. Afortunadamente, esta pieza no tiene como objetivo establecer estrictamente las comparaciones entre las dos películas, sino convencer a los lectores y los cinefiles por igual por qué ver ambos uno al lado del otro podría expandir la perspectiva de uno sobre un tema que no es a menudo explorado.
Comencemos con "la madre y la puta", o para aquellos francófilos, "La Maman et la Putain", ahora disponible para ver después de décadas en el abismo de los problemas de los derechos. En pocas palabras, esta película es una bestia. Se registra en casi tres horas y cuarenta minutos, consta de casi todas las escenas de diálogo tomadas en 1.37: 1 en una película en blanco y negro de 16 mm, y presenta a un personaje central que, si estuvieran hoy, probablemente sería un en línea gnomo. Para algunos, esto sonará como el cielo, pero otros, seguramente, un trabajo. Ingrese ""-Un elegante y sexy-slice-slice-of-a-sports-drama que viene a los espectadores con una vorazidad que probablemente los debilite en las rodillas (un punto que juega un papel importante en la trama de la película. ). Es una película que examina el atletismo como una forma de sexualidad y con qué frecuencia el dominio se convierte en un ingrediente para la pasión. Pero, ¿cómo se forma el dominio? ¿Quién realmente tiene el poder? Con estas preguntas es donde se puede dibujar una línea central entre estas dos películas.
‘Challengers’ © MGM /Cortesía de Everett Collection © MGM /Cortesía de Everett Collection
En "La madre y la puta", el punto de apoyo de la tríada sexual es un intelectual masculino, tal vez un periodista, tal vez solo un malcontente, llamado Alexandre. Este personaje se ve mejor no solo como un sustituto del escritor/director de la película, Jean Eustache, sino como una representación de todos los jóvenes perdidos de la Francia posterior a la Segunda Guerra Mundial y los subsiguientes levantamientos de estudiantes y civiles de mayo de 1968. Para los que desconocen Estos eventos, la referencia más reciente se puede encontrar en la secuencia de chalamet de Timothée de "" en la que Wes Anderson satiriza con amor el conflicto y la conversación a su alrededor.
Alexandre es un vagabundo incapaz de encontrar terreno, pero cuando su interés romántico, Gilbre, decide casarse con otro al comienzo de la película, la experiencia mejora todo su estado de ser, enviándole a él y a las dos mujeres cuyas órbitas que elige habitar a continuación en un viaje autoinmolador de satisfacción sexual y emocional. En lugar de empatizar con sus sujetos o incluso a sí mismo, Eustache convierte una lente cáustica en sus personajes, pilotando su comportamiento al dejar que otros lo vean. Al revisar la película para su remasterización en 2022, Richard Brody la describió en la "película radical, pero su radicalismo es irónico, incluso evasivo, porque, lejos de encarnar los ideales de los días de mayo," la madre y la prostituta " es radicalmente conservador ".
Para poner esto en contexto, en 1973 tras su lanzamiento en, Eustache estaba usando esta película para rendir homenaje y llamar a sus antepasados para expandir la forma de manera radical, pero no usarla para comentar realmente los problemas o avanzar en la sociedad. A pesar de toda la progresión de que figuras como Truffaut, Godard y Rohmer trajeron al cine y lo que pensaron que representaba, había un tradicionalismo en su núcleo que con su película, Eustache se burla y acepta dolorosamente. Por mucho que queramos que las cosas cambien como seres humanos, también hay una comodidad en el status quo y todos hemos jugado víctimas de ello. Ambas películas parecen atraídas al documentar los cambios que el tiempo ha forjado, "retadores" que eligen hacerlo volley de un lado a otro a través de décadas, años, semanas, días y horas, mientras que "la madre y la puta", a pesar de seguir una pista lineal. , hace referencia constantemente a un pasado que se ha escapado. Pasar todo el día en los cafés ensalzando, fumar y beber puede haber parecido a La Joie de Vivre en la década de 1960, pero en los años 70, se presenta como Gauche. Del mismo modo, los grandes cambios narrativos en los "retadores" a menudo se establecen en reliquias de Americana por la que colectivamente hemos perdido el gusto, pero nos tocamos con los recuerdos. Las salas de motel con AC roto, los estacionamientos de Applebee, las canchas de tenis de club de country e incluso los campus universitarios se vuelven teñidos con una sensación de romance y desdén.
Para cada individuo en cada película, la sensación de que algo se perdió, cuando se los come, impulsando a todos los personajes hacia las victorias tanto huecas como profundas. Si la vida se trata de poder, sobre el dominio, entonces darse cuenta de que no tiene ninguno puede hacer que una persona sea la lujuria después de ella mucho más. Es oxímorónico, pero debido a las situaciones que han creado para ellos mismos y las historias que comparten, estos personajes no pueden escapar de este ciclo de autocomplacencia. Sin embargo, con los "retadores", el escritor y el director no están exclusivamente interesados en el mundo alrededor de las figuras que eligen estudiar, pero también en el mundo que estas figuras han conjurado. Es un mundo de sudor, dolor y triunfo y fracaso, y todo lo demás es solo un juego. Hay sensualidad y diversión dentro de esta presunción y, sin embargo, profundiza un poco más y un mensaje político aparece al final en una conclusión entusiasta que ve a Art y Patrick abrazar después de años de lucha, para la alegría de la figura similar a la de Zendaya, Tashi. El mensaje es este ... ¿no es mejor amar a pesar del odio que el odio a pesar del amor? O como lo expresó Guadagnino recientemente, "¡Es hermoso besar a la gente!"
Desafortunadamente, es un sentimiento y una pregunta que se siente atrapado en 2019 cuando se establece la mayor parte de la historia, un momento en Estados Unidos que se siente como un tiempo antes, una era en la que nuestra ignorancia no se había vuelto completamente evidente como lo hizo en lo posterior. años. ¿Cómo podemos besar y inventar en el mundo de hoy, donde la brutalidad física y la desinformación continúan separando cada vez más? ¿Se supone que debemos llevarlo a la corte y duke? Y, sin embargo, los confines del mundo Kuritzkes y Guadagnino crean y Zendaya, Faist y O’Connor poblados de alguna manera nos aislan de estas preguntas. De esta manera, se siente como una pieza de cine mucho más antigua y despreocupada: algo y otros apuntan más parecidos a una película Wilder o Lubitsch como "Diseño para vivir". Y hace lo que las películas, en un sentido clásico, se supone que deben hacer. Nos lleva, nos envuelve en la furia del deporte, nos bordean con sensualidad e implicación, hace que nuestros corazones golpeen sincronizados con los personajes. Lo hace con la composición de disparos, el bloqueo, el entorno, la música y las técnicas de edición que nos hacen sentir que estamos dentro de la experiencia. Y Dios, ¿se siente bien? Pero los sentimientos pasan. Y pronto estarás buscando más. Ahí es cuando una película como "The Mother and the Whore" se sentirá reveladora.
Los personajes de la película de Eustache hablan mucho sobre el sexo, a veces con un lenguaje florido, a veces con desapasión, pero las representaciones reales del acto hacen que parezca completamente disgustable. Se involucran entre sí no por lujuria o deseo, sino por conquistas, porque Alexandre, así como Marie y Veronika, las mujeres a las que arroja su invectiva regresiva, todos necesitan sentir algún sentido de control nuevamente en un mundo y tiempo. Eso se siente tan falta. Y entonces, ¿cómo se forma el dominio en las relaciones? ¿Quién realmente tiene el poder? Para ver estas preguntas a través de la lente de los "retadores", la respuesta sería quien sea capaz de vencer al otro, pero también a quien sea capaz de nunca aceptar la derrota. Después de su lesión en su carrera hacia la mitad de la película, Tashi Duncan sabe que nunca volverá a competir en la cancha, y sin embargo, esa sensación de competencia todavía está dentro de ella en todo momento. No importa quién gane el partido al final, Art o Patrick, ella siempre será la verdadera ganadora porque ella preparó el escenario. Todo lo que siempre quería era un gran partido y eso es lo que obtuvo. Los puso en esa cancha y elaboró suficiente animosidad entre los dos para permitirles encontrar su fuego para el deporte y nuevamente.
‘Challengers’, Zendaya, 2024. © MGM /Cortesía de Everett Collection © MGM /Cortesy Everett Collection
En este sentido, una cuarta figura se infiltra en el trío de una manera no tan sutil, ese es el juego del tenis mismo. Es parte de lo que los impulsa unos a otros con más frecuencia de lo que los aleja y se vuelve esencial para su eventual liberación. Del mismo modo, el personaje de Gilbre en "The Mother and the Whore", que aparece solo brevemente, pero se discute extensamente, sirve como otra fuerza no tan invisible que impulsa la narrativa entre Alexandre, Marie y Veronika. Para Alexandre, su incapacidad para reclamar a Gilbre y su ira e indignidad por descubrir que se está casando con el hombre que la ayudó a recibir un aborto es lo que lo impulsa a aprovechar a dos mujeres que aparentemente realmente están dispuestas a cuidarlo. Al final, su búsqueda del dominio lo lleva directamente a una trampa, la realidad de que eventualmente tendrá que crecer, probablemente más temprano que tarde. En ambas películas, el dominio es lo que une a estos personajes, pero son estas fuerzas no tan invisibles las que terminan sosteniendo el poder real. Una metáfora adecuada para los problemas que enfrentamos hoy y los que hicimos en ese entonces.