Las películas de Sofia Coppola se definen por paisajes desolados, personajes solitarios, un sentido del humor irónico y composiciones pictóricas. Para los fanáticos de esta estética, es bastante difícil equivocarse, y el historial de casi 20 años de Coppola atestigua la consistencia de su talento. Desde su debut en el largometraje "The Virgin Suicides" a través de las imágenes de ensueño de Coppola y el tono inexpresivo han seguido siendo una voz distintiva en el cine estadounidense, una llena de caras gentiles y tristes y un mundo que siempre parece que está a punto de devorarlos todo. (Si aún no hay un foro Reddit teoriza que todas las películas de Coppola existan en un solo universo gobernado por las leyes de la tristeza, alguien debería plantearlo).
Si bien la carrera de Coppola se puso en marcha hasta cierto punto por la influencia de un padre muy famoso, sus capacidades cinematográficas apenas están dictadas por los logros de Francis. Las sagas duras y masculinas del "Padrino" y "Apocalipsis ahora" existen a un mundo lejos de los retratos íntimos de Sofía Coppola, todos los cuales, debe decirse, cuentan con mujeres de carácter fuerte. En mayo de este año, Coppola se convirtió en el para ganar al mejor director en el Festival de Cine de Cannes, y no se podía pedir un mejor cineasta para compensar el tiempo perdido. Las características de su estilo reflejan una visión artística completa.
Todo esto es decir que una clasificación de las películas de Coppola de "peor a mejor" no debería implicar que exista una sola película mala en la obra de Coppola. Al mismo tiempo, el enfoque de narración de historias de Coppola la ha encontrado abordar una variedad de temas a lo largo de los años con resultados variables, algunos de los cuales son más satisfactorios que otros. Sin embargo, es muy probable que si haya respondido a una película de Coppola, encontrará algo gratificante en todos ellos, y encontrará que el proceso de examinar todo su cuerpo de trabajo ofrece aún más riquezas de las que cualquier película puede proporcionar.
Con el lanzamiento de "Priscilla" que marca la primera apertura teatral de una película de Coppola en cuatro años, Indiewire echó un vistazo a la ranización de nuestra antigua clasificación de la producción del director. Solo las películas de larga duración calificaron, lo que significa que su breve "Lick the Star" y su grabación en 2017 de la ópera italiana "La Traviata" no están incluidas. No hace falta decir que Coppola no muestra signos de desaceleración, y cualquier descripción general de sus logros probablemente necesitará una gran actualización en los próximos años.
Con contribuciones editoriales de David Ehrlich.
[Nota del editor: Esta lista se publicó originalmente en junio de 2017. Desde entonces se ha actualizado.]
9."Una Navidad muy Murray" (2015)
"Una Navidad muy Murray" Netflix
Es casi un truco incluir este Netflix Quickie, una revista musical ambientada en el Hotel Carlyle de Manhattan contra una rápida complot de Nochebuena que es básicamente una excusa para que Bill Murray haga lo suyo. Al borde de grabar su especial de Navidad, Murray se da cuenta de que la mayor parte de sus invitados no pueden hacerlo debido a una tormenta de nieve, pero logra organizar un espectáculo animado de todos modos al improvisar la noche. Las viñetas destacadas incluyen una secuencia hilarante e incómoda en la que arrastra a un desconcertado Chris Rock al escenario para una interpretación de "¿Escuchas lo que escucho?" y Maya Rudolph cediendo "Navidad (bebé, por favor, vuelva a casa)". Los descarados cameos de George Clooney, Miley Cyrus y Jason Schwartzman completan el conjunto juguetón, y básicamente existen para apuntalar la maravillosa capacidad de Murray para encantar la habitación.
Desconfrado con una calidad suelta y de ruedas libres, esta es la película menos de Coppola-estilo que Coppola ha dirigido, hasta que considere cómo Murray de períodos tardíos, con su mirada melancólica y su desempeño agridulce de las cualidades alienantes de la fama, básicamente debe su existencia a "perder en la traducción". En ese contexto, "A muy Murray Christmas" puede ser la Coppola más cercana a hacer una secuela de "perdida en la traducción", aunque es más como un lado B que sugiere que incluso un artista triste y envejecido más allá de su mejor momento puede encontrar un módulo de consuelo en su arte._-I_
8."En las rocas" (2020)
"On The Rocks" © Apple TV/Cortesía de Everett Collection
Demasiado ligero para resonar emocionalmente y demasiado pesado para sentirse bien, "On The Rocks" es una de las únicas películas de Coppola que se siente insegura de lo que está tratando de ser. La historia de Laura (Rashida Jones), un novelista rico que acuerda en su padre semi-restringido Felix (Bill Murray) para ayudarla a descubrir si su esposo Dean (Marlon Wayans) la está engañando, está llena de un resentimiento persistente y sentimientos amargos, pero toma la forma de una ligera comedia de modales. A pesar de todas las ideas intrigantes debajo de la superficie de la película: sobre el envejecimiento, los lazos familiares fracturados y el ennui de clase media alta, el guión de Coppola carece de sus detalles exigentes habituales, y todo flota por una mera wispa de una cosa, no puede reconciliarse de las emotiones más frecuentes y más esponjosas con su premisa de situomocompulidad. Aún así, incluso al menos satisfactorio, las ideas de Coppola aún se intrigan, y la actuación de Murray como un CAD encantador aún logra intoxicarse._-WC_
7."Priscilla" (2023)
"Priscillala" Khanribone
Priscilla Presley solo tenía unas pocas líneas preciosas en "Elvis" de Baz Luhrmann (una película biográfica delirante cuyo título siempre parece que le falta un punto de exclamación), y aún menos de ellos fueron memorables en lo más mínimo. Pero, un poco más de un año desde que salió esa película, un poco del diálogo de Priscilla continúa permaneciendo conmigo por cuán sucintamente cristalizó la concepción de la película de ella. "¡Soy tu esposa!" Ella grita a Elvis, como si él no lo supiera. "¡Soy tu esposa!" Eso fue todo lo que estaba en esa historia. No era diferente a si Vernon Presley hubiera gritado "¡Soy tu papá!" O si el coronel Tom Parker hubiera gritado "¡Soy tu gerente!" (que probablemente hizo).
Y eso está bien, supongo: "Elvis" tenía su propia agenda, y la única esposa de su homónimo no jugó un papel importante en ella. Pero el espectáculo espasmódico de Rhinestone de Luhrmann finalmente puede haber cumplido su propósito, ya que ahora proporciona un contexto útil para una nueva película que otro artista importante ha hecho sobre la reina del rey. Lo que no sugiere que la "Priscilla" suave y silenciada de Sofia Coppola debería verse como una especie de refutación para el éxito de taquilla orgiástico del verano pasado, sino más bien reafirmar su decisión de enmarcar esta historia de matrimonio claustrofóbico como un proceso gradual de separación. No solo la separación de Priscilla de Elvis y la sombra interminable de su celebridad, sino también su separación de sus padres, de su propia iconografía, y de todos y de todo lo demás que intentó definirla antes de que ella pudiera definirse a sí misma.
Por supuesto, nunca iba a abordar esta historia de ninguna otra manera. Hace mucho tiempo obligado por el espacio negativo entre las mujeres jóvenes y los mundos que habitan (una brecha que "los suicidios Virgin" describieron como "un vacío de forma extraña mapeado por lo que las rodeó, como los países que no podíamos nombrar"), Coppola ha hecho una carrera al liberar a las niñas privilegiadas de las jaulas doradas; Las chicas que están desesperadas por escapar de la sensación de que simplemente están disfrazadas como ellos, siempre observadas pero rara vez vistas. Desde "Perdido en la traducción" hasta "Marie Antoinette", sus películas a menudo han enmarcado el matrimonio como el primer paso purgatorial en el camino de una heroína hacia la personalidad real. Su última característica hace que sea imposible sacudir la sensación de que Sofía Coppola probablemente se habría conmovido para inventar Priscilla Presley si Priscilla Presley no hubiera encontrado una manera de inventarse. _—DE_
6."The Beguiled" (2017)
"El engañado"
La película más directa de Coppola hasta la fecha la encuentra adaptando el drama minimalista de la Guerra Civil de la novela de Thomas P. Culinan usando muchos de los mismos ritmos que se encuentran en la versión de Don Siegel en 1971 protagonizada por Clint Eastwood, pero aplica su propio filtro expresionista al material de la película B. La historia de un soldado sindical lesionado (Colin Farrell) asumido por una escuela de niñas de Virginia abandonada encabezada por la dominante Martha Farnsworth (Nicole Kidman) tiene una premisa que no parecería fuera de lugar en una película porno softcore. Coppola parece reconocer tanto con sugerencias juguetones sobre el erotismo asociado con la llegada de Farrell a medida que las mujeres jóvenes y protegidas en la casa comienzan a deseo de él, especialmente Alicia (Elle Fanning) y Edwina (Kirsten Dunst).
Pero hay una inquietud subyacente en su atracción, y con las motivaciones ambiguas del soldado, ya que gradualmente recupera su fuerza, lo que prepara el escenario para el suspenso oscuro de la acto final. Haciéndose eco de la casa de "The Virgin Suicides", la película se transforma en una historia contenida sobre la mujer que toma el control de circunstancias terribles en sus propios términos. El estilo apretado y minimalista que lleva el delantero de la película habla de la confianza con la que Coppola promulga su difícil equilibrio tonal, malabares con extremos campy e ideas más sofisticadas sobre la feminidad y el aislamiento que han definido su trabajo desde el principio. Es un ejercicio de género tenso y entretenido con el potencial de expandir el atractivo de Coppola más allá del ámbito insular de su devota base de fanáticos._-I_
5."The Bling Ring" (2013)
"The Bling Ring" A24
Coppola coqueteó con las perspectivas de celebridades en su juventud, y sus películas han agredido constantemente el impacto destructivo de la fama, pero "The Bling Ring" es su declaración más ambiciosa sobre el asunto. Adaptado de un artículo de Vanity Fair sobre adolescentes que robaron las casas de las celebridades que admiraban, la película se adhiere a la perspectiva de sus adolescentes chispeantes, dirigida por una Emma Watson, exagerada. La facilidad con la que el equipo de cinco jóvenes ladrones desenterran las celebridades de la celebridad y traza sus esquemas con tecnología digital Speaks da una identidad convincente al malestar de la cultura juvenil del siglo XXI, y se dispara con los momentos más satíricos en la carrera de Coppola.
La conclusión, en la que los adoradores de estrellas se convierten en vapides protagonistas, completa la visión cínica de la película. Si bien a veces un poco demasiado contundente para su propio bien, esta sigue siendo una película de Sofía Coppola de principio a fin, y particularmente efectiva para dejar que sus antihéroes más rambisteros ejecutaran el programa. (Es seguro decir que han encontrado una salida más constructiva para su aburrimiento que las estrellas desafortunadas de "The Virgin Suicides"). El crédito final para el gran director de fotografía Harris Savides, "The Bling Ring" convierte la arquitectura de la arquitectura de las mansiones extravagantes de Hollywood (incluida una verdadera propiedad de Paris Hilton, quien se viene en lunes a las montañas angulares de los jóvenes que los jóvenes mariáues con la frontera. Temáticamente, "The Bling Ring" es un trabajo extraño y desigual sobre los efectos peligrosos del showbiz, pero el enfoque impredecible de Coppola, dota el paquete general con profundas preocupaciones para una nueva generación._-I_
4."The Virgin Suicides" (1999)
"Los suicidios Virgin"
Visto en retrospectiva, el debut etéreo de Coppola es una especie de declaración de misión. Su adaptación de la novela de Jeffrey Eugenides sobre adolescentes suburbanos de clase media en los años 70 Detroit cobra vida como una saga vívida y cargada de nostalgia en la que los hombres recuerdan a las mujeres que cambiaron su relación con el sexo opuesto para siempre. Las circunstancias macabras en las que el adolescente habita en el hogar de Lisboa se quita la vida es contrarrestada por el enfoque poético de Coppola, lo que hace que los eventos se sientan de alguna manera menos horribles que ritualistas, ya que su inevitable Pacto de Suicidio simboliza el pasaje duro y desconcertante hacia el lugar adulto joven. Ensamblado por el actual director de fotografía Edward Lachman, los colores expresionistas se convierten en ventanas extraordinarias en los estados de ánimo cambiantes de los personajes adolescentes; Aplicado con una banda sonora perfectamente curada de canciones de los años 70, y una partitura original de Air, "The Virgin Suicides" es una inmersión completa en la nueva perspectiva de Coppola, y sigue siendo un clásico moderno décadas en el futuro._-I_
3."Somewhere" (2010)
"En algún lugar"
La primera película de Coppola después de la tumultuosa experiencia de "Marie Antoinette" es una película comparablemente pequeña que la devuelve a la arena familiar de "Lost in Translation" con otra historia de una celebridad aburrida atrapada por la vapidez de una existencia adinerada. Pero mientras Bob Harris de Murray está en el crepúsculo de su carrera, Johnny Marco (Stephen Dorff) recién está comenzando. Viviendo en los confines de Chateau Marmont de Los Ángeles, hace malabares con las aburridas obligaciones publicitarias con soportes sin rumbo de una noche, atrapado en un bucle superficial. Mientras que algunos críticos encontraron "en algún lugar" demasiado similar a las películas anteriores de Coppola, la película contiene algunos de los momentos más tranquilos de su filmografía.
Coppola desarrolla el vacío del mundo de Johnny con exquisitos tardanzas y yuxtaponiendo su opulento entorno con sus expresiones aburridas y vacantes. En este sombrío cuadro emerge a la hija de 11 años de Johnny, Cleo (Elle Fanning), cuyo afecto por su padre lo obliga a enfrentar la falta de sentido que ha envuelto su mundo. Es un giro obvio, pero Dorff y Fanning tienen una química tan creíble que logran imbuir una nueva profundidad en la familiar rutina de unión de padre e hija, tanto que la eventual colapso de Johnny después de ver a su hija en el campamento se siente como el único punto final natural. Ganar el Golden Lion en el Festival Internacional de Cine de Venecia, "Somewhere" proporcionó un recordatorio bienvenido de que las fijaciones recurrentes de Coppola se habían solidificado en un elemento clave en su identidad artística._-I_
2."Perdido en la traducción" (2003)
Shutterstock "Lost in traducción"
Si "The Virgin Suicides" ungió a Coppola como un nuevo talento importante, "Lost in Translation" demostró que acababa de comenzar. La fascinante y texturizada difícil de la estrella de cine envejecida Bob Harris y la joven que se hace amiga de un hotel de Tokio palaciegos logró muchas cosas a la vez: soltó la carrera de Bill Murray y puso a Scarlett Johansson en el mapa; Giró la visión occidentalizada del lujo de Tokio en su oído; atacó a la industria publicitaria; Hizo que el karaoke pareciera genial. Ambos actores fueron preparados para la comedia romántica juguetona y misteriosa de Coppola, una historia kafkaesco de dos personas de diferentes ámbitos de la vida que encuentran un terreno común en el mundo triste y solitario que los rodea. La cara de Murray cuenta la mitad de la historia, con cada pliegue y polla una ceja que habla mucho sobre sus frustraciones internalizadas. Pero el personaje de Johansson, una joven cansada de interpretar a su esposa trofeo con su esposo absorto en sí mismo, ha sido interpretado durante mucho tiempo como un avatar para las propias experiencias de Coppola en su matrimonio con Spike Jonze.
Coppola no niega a estos personajes la posibilidad de encontrar su camino hacia un final feliz; Pero en un golpe maestro que se ha vuelto icónico, niega a la audiencia la capacidad de escuchar las posibles palabras de despedida de la pareja. Esta es la brillantez de Coppola en pocas palabras: las limitaciones del lenguaje nunca pueden transmitir las posibilidades ilimitadas de compromiso emocional. Estaremos desconcertados sobre el intercambio final de Bob y Charlotte por edades, pero sus implicaciones móviles son innegables._-I_
1."Marie Antoinette" (2006)
"Marie Antoinette"
"Esto es ridículo", dice Marie Antoinette (Kirsten Dunst), mientras se ve obligada a través de un ritual matutino. La respuesta esencial: "Esto, Madame, es Versalles".
La producción más grandiosa de Coppola se produjo inmediatamente después de la aclamación del siguiente nivel por "Lost in traducción" y trajo su reputación que se estrelló a la tierra cuando la película fue abucheada en Cannes. Pero de_curso_Los franceses tuvieron un problema con esta pieza de época irónica, en la que la reina más famosa del país es reinventada como una chica de fiesta sonriente cuyas lujosas hazañas están listos para los gustos de los trazos y la cura, sin mencionar a Bow Wow Wow ", quiero dulces".
Sin embargo, con el tiempo, "Marie Antoinette" ha solidificado su reputación como una impresionante combinación de detalles del período y costumbres contemporáneas, ya que Coppola usa el telón de fondo de Versalles para proporcionar una inmersión lírica en las raíces de la afluencia en la cultura occidental. El mejor papel de Dunst hasta la fecha, al menos hasta "Melancholia", le permite transformar a la ex archiduquesa de Austria en una astuta joven astuta cuya individualidad trasciende los rituales frustrantes de su tiempo y lugar. (Jason Schwartzman, como el tímido y posiblemente impotente Louis XVI, es idealmente elegido como su opuesto). El resultado puede haber parecido una venta difícil al principio, pero al igual que Marie Antoinette, ha sido reivindicada por la historia._-I_