Las mejores películas francesas del siglo XXI, de‘Amélie’a‘Cache’

Al pensar en las mejores películas francesas del siglo XXI, hay algunos títulos que me salen a la mente de inmediato, incluso si los últimos 23 años no han parecido ser tan creativamente fecundos como las alturas embriagadoras del período de New Wave. Celine Sciamma, François Ozon, Bruno Dumont y Julia Ducournau han producido impresionantes obras canónicas al instante. Pero lo interesante es considerar cuán expansiva ha sido la idea del "francés" en el cine en este siglo: en la lista a continuación, aparecen los iraní Abbas Kiarostami y el estadounidense Julian Schnabel, con el criterio principal para la inclusión simplemente el uso del idioma francés.

Su inclusión cuestiona un poco la idea de los cines nacionales. Y, sin embargo, incluso en este siglo XXI altamente interconectado, Global, Francia sigue siendo una de las luces de guía más esenciales del medio. Desde la era pionera de los hermanos Lumiere hasta la revolucionaria New Wave que amplió nuestra comprensión del potencial de la película, hasta organizar el festival más importante para el cine mundial cada año, y siendo defensores firmes de la experiencia teatral, Francia siempre ha impulsado las películas mientras nos recuerda lo que amamos sobre ellos en primer lugar. Ningún país hizo más para ayudar a impulsar el cine al siglo XX, y ningún país ha hecho más para ayudar a mantener su integridad y su potencial en el 21.

Esta temporada encuentra películas francesas en la conversación de premios con "The Taste of Things" de Trần Anh Hùn (Née "Le Pot-Au-Feu" en el Festival de Cine de Cannes 2023) que ahora sirve como la elección oficial del país para el Oscar de 2024 Mejor Feater International. No estamos listos para llamarlo una de las mejores películas francesas del siglo XXI (las películas de IFC lo lanzarán en Estados Unidos este año), aunque ciertamente nos encantó con Cannes. Francia de alguna manera para la suntuosa pieza del período de estrella de Juliette Binoche sobre la ganadora real de Justine Triet Palme d'Or "Anatomy of a Fall".

Desde thrillers sensuales hasta experimentos 3D alucinantes y un ganador de Palma d'Or no clasificable, estas son las mejores películas francesas del siglo XXI.

Christian Blauvelt, Ryan Lattanzio, Noel Murray y Christian Zilko también contribuyeron a esta lista.

39."Niños de otras personas" (2023)

"Otros hijos de las personas" cortesía de Les Films Velvet/George Lechaptois

El seguimiento más notable de Virginie Efira a "Benedetta" no podría ser más diferente. Donde llevaba su sexualidad como un traje de armadura en esa película, en "Otros niños de las personas", es toda vulnerabilidad, tan interna como el drama medieval de la monja fue una explosión externa del campamento. Dirigida por Rebecca Zlotowski, Efira interpreta a una mujer en el París de la 2020 que evalúa sus elecciones de vida mientras está al borde de la menopausia. Decidió no tener hijos sino una relación con un padre soltero, y su creciente vínculo con su pequeña hija, le da una muestra de crianza de los hijos. Y cuando ese creciente vínculo se arrancó repentinamente, se produce una angustia tranquila sobre lo que podría haber sido, sin hundirse nunca hacia la histriónica. Es uno de los retratos más poderosos de una mujer de unos 40 años en la memoria reciente, llena de detalles que se sienten increíblemente vividos. También es uno de los mejores retratos de la vida judía contemporánea en Francia que se ha entregado en mucho tiempo. Con suerte, más colaboraciones entre Efira y Zlotowski están por delante._—CB_

38."Adiós al idioma" (2014)

"Adiós al idioma"

"¡Godard para siempre!" Así que gritó a un fanático devoto cuando las luces cayeron en el Festival de Cine de Cannes antes del estreno mundial de la solitaria obra misteriosa del director francés de New Wave. La anticipación estaba justificada: durante décadas, Godard ha mostrado continuamente el mundo del cine cómo se hace, con una caída de micrófono cinematográfico tras otro que empuja todos los límites posibles del medio reinventándolo desde cero. Con "Adiós al lenguaje", construye un combate de imágenes de las imágenes que son a la vez complicadas y brillantemente puntiagudas, una ilustración de la forma en que la comunicación moderna ha colapsado en una era invadida por la efímera digital. Su uso de la tecnología 3D es igualmente abrumador, pero no desprovisto de propósito; Experimentando con doble exposición e imágenes superpuestas, obliga a los espectadores a experimentar efectos visuales de una manera totalmente nueva. En algún lugar en medio de este ensamblaje abarrotado, se mete en la historia de una pareja cuya relación se está desmoronando lentamente. Pero la verdadera estrella de "Adiós al idioma" es el inocente perro de Godard Roxie, que se vuelve tan desconcertado por la inanidad de la civilización que huye al campo. Puede ser lo más parecido a una declaración de misión de período tardío de este cineasta secreto, cuya ambición solo se ha profundizado en el tiempo, ya que esta provocación infinitamente gratificante se destaca. Godard para siempre, de hecho._-I_

37.“La Sapienza” (2014)

“La Sapienza”

La premisa de la "Sapience" ("La Sapienza") podría proporcionar fácilmente forraje para un cliché drama independiente: una pareja separada viaja al campo en un intento desesperado de elevar sus espíritus cansados, los lazos con un par de adolescentes y al ayudarlos a trabajar a través de sus problemas, encuentra un sentido renovado de esperanza. Mordaza. Pero en manos del cineasta francés-estadounidense Eugéne Green ("La monja portuguesa"), cuyas películas mezclan la narración discreta con temas literarios, "The Sapience" es todo menos familiar. En cambio, el escritor y director crea un trabajo que está ponderado con una investigación académica y una corriente subterránea de conmoción a diferencia de cualquier otra cosa. El título se refiere a una definición de sabiduría que se remonta a muchos siglos y se aplica en las obras del arquitecto romano barroco del siglo XVII Francesco Borromini, cuyo trabajo se convierte en un personaje tanto en la película como los intelectuales en su centro. La fusión de Green del pasado y el presente resulta en una poderosa combinación de experiencias intelectuales y emocionales que también es una comedia desarmadora inexpresiva. Hermoso a una falla, es el caso raro de una narrativa cerebral que logra que afirme la vida en el proceso._-I_

36."El hombre en el tren" (2002)

"El hombre en el tren"

De 1989 a 2002, Patrice Leconte fue uno de los cineastas más eléctricos y seductor (y poco apreciados) del mundo. Su racha caliente que define la carrera puede haber alcanzado su punto máximo con la "Girl on the Bridge" singularmente romántica de 1999, pero finalmente se hizo hervir con "The Man on the Train". La sabia y maravillosa historia de un encuentro casual entre un maestro retirado (el gran Jean Rochefort) y un ladrón de bancos envejecidos al borde de una gran partitura (el ícono francés Johnny Hallyday), "The Man On The Train" no demostraría ser la película final de Leconte, pero se siente como si podría haber sido, es poseer el mismo espíritugio que ha definido tanto de la gran cantidad de Cinema. La amistad que se forma entre estos dos hombres canales es dulce pero nunca sentimental, y el vínculo fraternal que comparten en el transcurso de un solo fin de semana es tan memorable como cualquier historia de amor._—DE_

35."De dioses y hombres" (2010)

"De dioses y hombres"

De sus primeras escenas, "de dioses y hombres" habita en las vidas sagradas de sus sujetos monásticos. Los ocho monjes que residen en una comunidad montañosa del norte de África aparentemente pintoresca pasan por los movimientos de sus oraciones diarias, los himnos ritualistas que hacen eco monótonamente a lo largo de sus sagradas cámaras. Brindando asistencia médica y consejo espiritual a sus vecinos musulmanes, habitan un mundo sin problemas, pero la tranquilidad es de corta duración. Los monjes encuentran su existencia armoniosa de repente interrumpida por los fundamentalistas islámicos sedientos de sangre, y así comienza el enigma en el corazón de la película. Basado libremente en el misterioso asesinato de 1996 de siete monjes franceses en Argelia, la quinta característica discreta de Xavier Beauvois se lleva libertad con ese incidente ampliamente analizado, pero su entorno simplista existe fuera de tiempo. Ignore el contexto religioso preciso y se mantiene perfectamente bien como una mirada restringida a las convicciones personales ante cierta muerte. Cada vez que un monje contempla su destino, Beauvois implica un proceso más profundo que tiene lugar debajo de la superficie. Al mantener su eventual destino fuera de la cámara, transmite la poderosa idea de que el alcance total de la tragedia es incognoscible, y mantiene la película relevante hasta el día de hoy._-I_

34."El ritmo que mi corazón se saltó" (2005)

"El ritmo que se omitió mi corazón"

Jacques Audiard se convirtió en uno de los cineastas franceses más famosos del planeta con "un profeta" en 2009, pero ya se había establecido como uno de los cineastas franceses más convincentes mucho antes de eso. Riffing (y enormemente eclipsante) "Fingers" de James Toback de James Toback, "The Beat que My Heart" de 2005 es el tipo de remake que justifica la idea misma de los remakes. Un thriller sin aliento sobre un músico talentoso (Romain Duris) que está dividido entre una vida de crimen y un sueño de convertirse en un pianista de concierto, la notable cuarta característica de Audiard cuenta una historia de pandillas crudas con la precisión de alguien tocando "The Mephisto Waltz". Sexy, estresante y elegante de una manera que las sagas del inframundo rara vez han sido desde los días de Jean-Pierre Melville, "el ritmo que mi corazón se salta" cuenta con la mejor actuación de Duris, y puede ser la mejor película de Audiard._— DE_

33."Little Mom" ​​(2019)

Neon "Petite Maman"

Los personajes de Céline Sciamma se abren como poros empapados en agua caliente, y los mundos hiperreales a su alrededor, desde los complejos de apartamentos de París contemporáneo en la "niñez" hasta la deslumbrante costa de Brittany del siglo XVIII en su obra maestra "Retrato de una dama en llamas" Eso nunca ha sido más palpable que en la joya "" de Sciamma, que encuentra al cineasta que literalmente regresa a sus raíces para otra exquisita historia de la mayoría de edad sobre una niña en el precipicio de una nueva autocomprensión. ¿O sería más preciso llamarlo _negación_-es de la historia de edad? Es cierto que Nelly crece en el transcurso de la película, pero, como sugiere el título de Sciamma, la trama de alto concepto depende más de que la madre de Nelly se vuelva más pequeña. Volver a un dinosaurio, por así decirlo._— DE_

32."Ser 17" (2016)

"Ser 17"

Un drama lento, peludo e hiperaturalista de la mayoría de edad que constantemente vuelve a la violencia de convertirse en un hombre, "Ser 17" de André Téchiné es una película que no tiene miedo de detenerse en lo difícil que puede ser convertirse en quien eres. O, en este caso, cuánto más difícil puede ser cuando eres un niño que está enamorado de su matón. Coucida por Téchiné y Cénline Sciamma, la película se comparte entre dos adolescentes que crecen en las montañas emocionalmente vívidas de los Pirineos franceses. Damien (Kacey Mottet Klein) es blanco, imprudente y vagamente golpeable. Thomas (recién llegado Corentin Fila) es bi-racial, reservado y reflexivamente violento. No parecen que se gusten mucho: Thomas viajes a Damien en el medio de la clase sin razón aparente, pero su ánimo mutuo se basa en las dudas privadas. Es extraordinario ver a los dos jóvenes lidiar con su nueva proximidad, ya que Téchiné permite que sus personajes se encuentren a su propio ritmo. Depende del paisaje entre ellos expresar su lujuria enredada, las dunas de nieve y la niebla de la montaña, y hablan mucho._—DE_

31."House of Tolerance" (2011)

"Casa de tolerancia"

Ha habido innumerables películas francesas sobre prostitutas, pero ninguna se siente remotamente como la fascinante "Casa de Tolerancia" de Bertrand Bonello. Ubicado dentro de los almizidos salones y habitaciones de un burdel de París a principios del siglo XX, el pariente más cercano de esta película herméticamente sellada es Hou Hsiao-hsien "Flores de Shanghai, ya que ambas películas casi nunca salen y ambas películas están tan gruesas con fumas de opio que no puedes ver ni ver un poco sin ponerte un poco. La película puede ser una obra de ficción, pero su atmósfera es tan palpable que verla se siente como pasar por un portal al pasado. Difundiendo su atención en varias chicas trabajadoras diferentes y prestando más atención a sus placeres y peligros individuales que cualquier otro hombre, Bonello talla una obra maestra feminista perversa de un lugar donde a las mujeres se les negó todo menos su poder sexual. Es una historia de empoderamiento como una experiencia cinematográfica narcotizada, y se acumula para un final que es tan audaz y provocativo como la primera toma de cicatrices de la película._— DE_

30."Faces Place" (2017)

"Lugares de cara"

Las nociones de finalidad y (im) permanencia arrojan una larga sombra sobre los "lugares" conmovedores de Agnès Varda, divertido, afirmativo y maravilloso, maravilloso "lugares", que encuentra al legendario autor de 88 años que se une con un fotógrafo callejero semi-anónimo llamado JR para un recorrido femenino por el campo francés. El plan es conducir de una aldea bucólica a otra, invitar a los lugareños a posar en la camioneta que JR ha transformado en un fotomatón móvil y pegar impresiones masivas de los retratos resultantes en los entornos que sus sujetos llaman hogar. A Varda le encanta la idea, se ve obligada a "fotografiar caras para que no caigan en el agujero de la memoria". Varda ya era una mujer que estaba destinada a dejar su voluntad en la película, pero es profundamente hermosa (y toneladas de diversión) ver a este gran artista conmemorar a los ANP de cuello azul de la Francia rural, estos agricultores, carteros y trabajadores que son desconocidos en su propio tiempo. A pesar de cómo puede sonar eso, no hay un olor de condescendencia aquí. Varda y JR no están validando sus sujetos, sino que les piden que ayuden a corroborar la idea de que las imágenes son una forma de afirmar nuestra existencia, de ser más grandes que nuestros cuerpos._—DE_

29.“La Vie en Rose” (2007)

"Life in Pink" © Picturehouse/cortesía de Everett Collection

La transformación de Marion Cotillard en Edith Piaf es una de las grandes actuaciones de las estrellas del siglo joven hasta la fecha, y el estándar de platino para todos los actores que interpretan a los grandes musicales que sincronizan los labios con sus grabaciones icónicas. Capturando su voz de habla ronca, una ligera corazonada y un comportamiento frágil en general, Cotillard canalizó a Piaf como alguien que lo ha visto todo y demasiado delicado para este mundo al mismo tiempo. Eso la convirtió en la primera intérprete en ganar el Oscar a la mejor actriz para una actuación en francés. Sin embargo, "La Vie en Rose" no es ningún escaparate de actores. En las manos de Olivier Dahan, también es una pieza dinámica de cine, con una de las secuencias de boxeo más emocionantes en la memoria reciente: el gran amor de la vida de Piaf fue el boxeador Marcel Cerdan, quien murió en un accidente aéreo en 1949 que subraya la musicalidad de la musicalidad de la pugilística y las artesas pugilistas del negocio musical._—CB_

28."Material blanco" (2009)

Colección de criterios de "material blanco"

Con "Beau Travail" ambientado en Djibouti, Claire Denis solo hizo su regreso cinematográfico a África occidental, luego de su debut "Chocolat" de 1988, con este thriller a fuego lento que funciona como un compañero particularmente potente para su primera película. ¿Qué pasaría si los colonos franceses en la década de 1950, el Camerún colonial se quedara en la independencia pasada y en el siglo XXI? Isabelle Huppert ofrece un magnífico retrato de coacción como María, por cualquier estándar, la matriarca de su familia de colonos, y está empeñada en mantener intacta sus vidas y medios de vida incluso cuando una guerra civil se eleva cada aspecto de sus vidas. Ella cree que este país, el lugar del nacimiento de su hijo adolescente, también es su país, y que la dudosa creencia, el sentimiento de retención del colonizador, conduce a la catástrofe. Denis crea una pieza de humor especialmente potente aquí: Huppert se pone en pie en la parte trasera de un autobús después de pagar peajes cada vez más extravagantes a las fuerzas rebeldes que han establecido puntos de control cerca de su casa; Su hijo va por una caída lánguida en una piscina cubierta de hojas, ya que un niño soldado cercano considera quitarse la vida. Un triunfo empático que también se las arregla para ser uno de los retratos definitorios de cómo el privilegio se reúne a la realidad._—CB_

27."Stranger by the Lake" (2013)

"Stranger by the Lake" © Strand Libering/Cortesía de Everett Collection

El "extraño del lago" perversamente ambiguo y sexy de Alain Guiraudie se siente como un gran retroceso al cine queer de los años 80 y 90, sin miedo a la colisión de la criminalidad y el sexo gay y cómo este último en la mayoría de los espacios es una empresa subterfuge. Franck (Pierre DeLadonchamps) está solo y busca un amante en todos los lugares equivocados, o al menos este lugar particularmente muy incorrecto, un lugar de crucero junto al lago para hombres homosexuales de todas las formas y tamaños. Su mirada de búsqueda y cachonda aterriza en Michele (Christophe Paou), un guapo, que corta una figura de Burt-Reynolds-Tom-of-Finland y se parece a peligro. Después de que Franck es testigo de Michele ahogando su oficio en el lago, ignora todos los rojos intermitentes y, en cambio, cae más profundo y más locamente en la lujuria. Al filmar escenas de sexo homosexual como el porno hardcore, Guiraudie abre una ventana a un mundo a menudo ni siquiera agrietado por la mayoría de los cineastas, solo para cerrarlo rápidamente con el golpe final de un corte desgarrador a negro. -_RL_ 

26."Girlhood" (2014)

"Girlhood" © Strand Libering / Cortesía Everett Colle / Everett Collection

El drama de la mayoría de edad de Céline Sciamma en 2014 captura las ásperas afueras de París, donde una pandilla adolescente se convierte en hermanas sustitutas entre sí. Karidjia Touré interpreta a Marieme, un adolescente de 16 años que se hace amigo de un grupo de niñas que se enfrentan con drogas, violencia y prostitución. El descenso al estilo de vida "rápido" deja a Marieme obligado a enfrentar lo que realmente significa hogar. "Girlhood" se estrenó como parte de la quincena de los directores en el Festival de Cine de Cannes 2014 antes de recibir cuatro nominaciones a los premios César, incluido el mejor director de Sciamma y la actriz más prometedora para Touré. Como las decisiones de Marieme son de destructiva a heroica, los caminos desviados de su futuro se revelan. -_SB_

25."Titán" (2021)

Neon "Titanium"

Puede ser más una película para las glándulas suprarrenales que las pequeñas células grises, pero el triunfo de Julia Ducournau Palme d’Orning-Winning es una de las grandes experiencias viscerales del cine mundial reciente. Agathe Rousselle es un modelo en un desfile de automóviles que baila provocativamente contra defensores y cascos para asistentes cachondos. Luego tiene relaciones sexuales con un Cadillac vintage y queda embarazada de un bebé de cromo y petrol. ¡Y ese es solo el comienzo de la película! Ciertamente, una de las mayores contribuciones del cine mundial al discurso del transhumanismo hasta la fecha, aunque en la forma en que usa tropos transgénero, "Titane" va a lugares inesperados. Venga por el desenfoque de los límites sobre lo que significa ser humano, y quedarse para la actuación sincera y cometida de Vincent Lindon como un padre afligido que adopta el carácter de Rousselle, pensando que son su hijo perdido hace mucho tiempo. Es raro encontrar algo tan castigador pero tierno, aunque cualquier carnicero sabe que debes infligir algunos golpes para ablandar cualquier cosa. Y Ducournau es un carnicero cinematográfico digno de tres estrellas Michelin._—CB_

24."Perdí mi cuerpo" (2019)

"Perdí mi cuerpo" © Netflix/Cortesy Everett Collection

Un sombrío cuento de hadas que comienza solo segundos después de un joven a mediados de los años 90, París, se ha separado violentamente de una de sus manos, la función de debut morbosa pero profundamente conmovedora de Jérémy Clapin, de cabeza y hombros por encima de cualquier otra película animada este año, podría describirse como una historia sobre alguien que intenta volver a ponerse entero. Pero eso no te prepararía para la cautela de lo que este ganador del premio de Cannes tiene en la tienda. Después de todo, hay una razón por la cual la película de Clapin se llama "Perdí mi cuerpo", y no "Perdí mi mano": se dice en gran medida desde el punto de vista de una mano de corte mientras se tampa a través de París para reunirse con su cuerpo. Cualquiera que esté dispuesto a conocer esta película en sus propios términos y rodar con la lógica de los sueños que requiere será recompensado con una saga resonante catártica sobre la lucha por encontrar belleza en un mundo que nos obliga a dejar atrás partes de nosotros mismos. -_DE_

23."Piscina" (2003)

"Piscina"

El sensual noir de Francois Ozon es rico en atmósfera y ambigüedad. La historia de la novelista británica Sarah Morton (Charlotte Rampling) que se aventura al campo para superar el bloque de su escritor, "piscina" parece bastante sencilla ... al principio. Luego, Sarah llega a la casa palaciega de su editor y recibe una sorpresa espeluznante: su supuesta hija (Ludivine Sagnier) aparece y lanza una serie A excursiones sexuales en la propiedad, lo que obliga a la escritora a un escenario voyeurista que nunca esperaba. Con el tiempo, sin embargo, se atrae a las aventuras sexuales de Julie y fascinada por el misterio que los rodea, tanto que la mujer mayor considera el uso de la experiencia para impulsar la chispa creativa que ha estado buscando. La trama sensual sigue engrosándose, construyendo un tercer acto violento que complica aún más la búsqueda de Sarah del mejor potboiler. Como espectadores, podemos experimentar la solución a su agitación, y la película se abre a la interpretación en ese sentido. ¿Es algo real aquí real, o simplemente una extensión del deseo de Sarah de conjurar un thriller magníficamente atractivo? Esa pregunta sigue sin respuesta, pero no hay duda de que Ozon ofrece exactamente eso._-I_

22.“Li’L Quinquin” (2014)

"Lil" termina "

Bruno Dumont es uno de los cineastas más audaces y provocativos que trabajan en Francia hoy, pero nada de lo que ha hecho ha destilado el alcance de su trabajo más que esta miniserie de más de tres horas, que se estrenó como una producción de larga duración en Cannes y se proyectó de esa manera en los EE. UU. Y, de hecho, es un trabajo completo de visión pura: un ascensor comedico de la policía bumbling the Small Town y The Diversa Towns y los diversos. forma. Menos "picos gemelos" que el inspector Clouseau, el misterio en el centro de la película importa menos que la forma en que el agotado capitán de policía (Bernard Pruvost) intenta constantemente procesar las pistas dispares que se le presentan. Comienza con el asesinato de una mujer rellena dentro de una vaca y solo se vuelve más extraño desde allí, pero el enfoque elegante de Dumont y paciencia a la narrativa produce un mundo complicado lleno de desesperación y rebelión sin rumbo. El titular Quiquin, un adolescente criado en la granja con nada más que desprecio por la ley, no tiene nada que ver con el asesinato, excepto que es en su mayoría ambivalente al respecto, al igual que todo lo demás en su entorno monótono. El capitán se convierte en la única figura que parece preocuparse realmente por la justicia, y aunque puede ser incompetente, es lo mejor que tienen. Todas las películas de Dumont implican personajes defectuosos que intentan aprovechar al máximo sus tristes configuraciones; "Li’l Quinquin" eleva ese motivo a un avión épico con resultados magistrales._-I_

21."La clase" (2008)

"La clase"

La sorpresa de Laurent Cantet, Palme d'Or Winner, fue la primera película francesa en tomar el primer premio de Cannes en 20 años por una buena razón: es una mirada intransigente al sistema educativo moderno del país, y no una "película francesa" clásica como una exposición abrasadora del mundo soñador que el cliché podría sugerir. La película sigue al apasionado instructor François (François Marin), quien hace malabares con su deber de educar a los adolescentes de la clase trabajadora mientras se hace amigo de ellos en el proceso. Cantet captura la naturaleza nerviosa de la dinámica del aula con un enfoque naturalista que se desvía de las intensas confrontaciones dramáticas al suspenso cómico, a veces en cuestión de minutos, mientras François lucha por mantener el orden en un salón de clases, mientras que sus alumnos constantemente se desvían. Es un retrato de la educación que se refiere como un proceso constante de negociación, pero con el tiempo, se expande a una acusación más amplia de la institución misma, una que condena a los niños enojados que son productos de sus desafortunadas educación. Estos incluyen un adolescente rebelde de Malí que enfrenta una posible deportación, y los intentos de François de ayudar al personaje a lidiar con sus problemas a transformar "la clase" en una tragedia conmovedora, incluso cuando el compromiso continuo de François afirma la vida. No gana todas las peleas por el futuro de sus alumnos, pero la batalla continúa._-I_

20."Algo en el aire" (2012)

"Algo en el aire"

Todas las películas de Olivier Assayas están preocupadas por la idea de reconciliar el presente con el pasado, por lo que hay algo muy especial en ver una película que esencialmente funciona como su propio cine-Memoir. Una saga delicada, con los ojos muy abiertos y sincera sincera de la mayoría de edad que sigue a un joven de cabello flexible del activismo político de su adolescencia al despertar artístico que lo llevó al cine, "algo en el aire" reinventa a la generación post-mayo como un grupo de niños que eran casi tan hermosos como sus ideales. Menos una autobiografía estricta que una mirada flexible y enormemente entretenida a través de gafas de color rosa, la película más personal de Assayas es como una dosis altamente concentrada de sus intereses definitorios; Funciona como un manual para el trabajo de Assayas, pero también es tan personal (y tan hermoso) como cualquier cosa que haya hecho._—DE_

19."Cosas a venir" (2016)

"COSAS TO COMENTAR" IFC Films/Cortesía Everett Collection

El delicado drama de la crisis de la crisis de Mia Hansen-Løve "Things To Come Come" ofrece a Isabelle Huppert uno de sus roles más complejos que la profesora de filosofía Nathalie, tratando de volver a armar las piezas después de la muerte de su madre enfermo y la partida de su esposo de su frágil matrimonio. Huppert, quien ese año ganó el Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York para esta película, así como el retorcido thriller psicosexual "Elle", rara vez ha sido tan vulnerable. Tome una escena, donde el exterior de la actriz, por lo general, se rompe primero en la primera asombro y luego la risa por completo al ver, mientras está sentada en un autobús, su esposo con otra mujer. Comenzar de nuevo una vez más, nunca ha sido tan agridulce que en las manos de Huppert. -_RL_ 

18."Horas de verano" (2008)

"Summer Hours" 1996-98 Accusoft Inc., muy bien

Olivier Assayas tiene una de las filfografías más audaces de cualquier director de trabajo hoy, con una carrera que abarca muchos géneros y tipos de personajes, pero "Summer Hours" es una de las mejores ilustraciones de su habilidad principal: películas que existen en el momento, definidas por las luchas psicológicas internas que afligen a sus personajes. En este caso, es Frederic (Charles Berling), Adrienne (Juliette Binoche) y Jeremie (Jeremie Renier), hermanos cultivados que se reúnen en la casa de su difunto padre para determinar qué hacer con una vida de posesiones. Es la configuración ideal para una mirada texturizada de la forma en que la memoria se filtra en varias generaciones, incluso cuando puede parecer congelado en el tiempo dentro de los límites de una sola ubicación. Mientras que el público que se encontró por primera vez con ensayas en proyectos sedimentales como "comprador personal" puede encontrar su estilo narrativo opaco, "horas de verano" pone todo, completamente a través de intercambios reflexivos sobre la naturaleza de la propiedad y las dimensiones personales que las posesiones van al tiempo. Algunos espectadores pueden encontrar la historia de la película casi demasiado simple para su propio bien, pero sus emociones resuenan en un nivel que lleva tiempo (y múltiples visitas) para absorber por completo. Tal es la brillantez singular del cine de Assayas._-I_

17."Eden" (2014)

"Eden" Everett

Todas las películas de Mia Hansen-Løve son autobiográficas de una forma u otra, pero es sorprendente que "Eden" sea el que revela más transparentemente quién es. Por un lado, se basa explícitamente en alguien más: el hermano mayor de Hansen-Løve, Sven, un ex DJ que coescribió esta extensa historia de la escena musical del tacto francés. Una épica íntima que funciona paralela a la ascendencia de Daft Punk, "Eden" se extiende desde principios de los 90 hasta el pasado reciente, que narra 20 años en la vida cada vez más estancada de un DJ parisino llamado Paul (Félix de Givry). Está obsesionado con llevar a EDM a las masas, pero su enfoque supera con creces su talento, y pronto queda claro (para todos los demás) que su leve éxito temprano es el comienzo de un largo camino hacia ninguna parte. Un estudio delicado de personaje se plegó en un retrato generacional amoroso, esta obra maestra melancólica profundiza la misma investigación con mudanza en el tiempo perdido que ha informado a todo el trabajo de su director._—DE_

16."Adiós First Love" (2011)

"Adiós primer amor"

Una investigación móvilmente separada en el tiempo perdido, la exquisita segunda característica de Mia Hansen-Løve tiene el barrido y la sensibilidad de una historia de la mayoría de edad, pero para agruparlo con el resto de ese género parece incorrecto. Por un lado, "Goodbye First Love" se siente completamente maduro desde el principio, incluso si su joven heroína (la maravillosamente fundada Lola Créton) todavía tiene mucho que hacer. Por otro lado, Hansen-Løve no está muy interesado en volver a colocar ningún tropos familiar. Traza la aventura de su protagonista con tanta franqueza que parece que lo estamos viviendo de primera mano, la maduración de la niña se adhiere a ninguna estructura de la trama reconocible más allá de la trayectoria errática, e inefable, de enamorarse y volver a ponerse de pie. Comenzando con una explosión de celo desenfrenado y terminando con una caída de aguja perfecta, "Goodbye First Love" es un visión inolvidable de la pasión volcánica, el dolor de verlo fresco y la belleza de sentirlo endurecerse en las personas en las personas que nos convertimos._—DE_

15."Un cuento navideño" (2008)

"Una historia navideña"

Las películas de Arnaud Desplechin a menudo son dramas subestimados sobre personajes que luchan con las neurosis, recuerdos problemáticos y problemas familiares espinosos. "A Christmas Tale" es el mejor ejemplo de esta fijación continua, un drama de largo alcance que cambia a la perfección entre una serie de mini historias a través de una dinámica familiar desordenada incluso cuando mantiene un enfoque constante. Catherine Deneuve interpreta a la matriarca segura que se señala una red de hijos, nietos y suegros, muchos de los cuales flitan dentro y fuera de la trama como si circulara a través de sus propios mini película en el collage cinemático de desplechin. La película es, en última instancia, menos acerca de cómo esta familia en particular hace frente a una enfermedad debilitante que amenaza su futuro, y más sobre cuánto una red expansiva de parientes puede crear más distancia dentro de la unidad general. Es una inmersión sorprendente en un mundo sofisticado que Desplechin hace malabares con facilidad; Están sucediendo muchas cosas y, sin embargo, hay una claridad en el caos que resuena en un nivel universal._-I_

14."My Golden Days" (2015)

"Mis días dorados"

A la vez, una secuela y una precuela de la aclamada película de 1996 del escritor y director Arnaud Desplechin, "My Sex Life ... o cómo me metí en una discusión", el drama agridulce "My Golden Days" vuelve a crear a Desplechin con su frecuente estrella Mathieu Amalric, una vez más interpretando al académico perpetuamente indecisivo Paul Décdalus. En este capítulo de la saga de Dédalus, el hombre de mediana edad mira hacia atrás en algunos momentos clave de su juventud, reflexionando sobre cuán frágiles y fugaces fueron algunas de sus relaciones más intensas. Como la mayoría de las películas novelísticas de Desplechin, "My Golden Days" está llena de momentos memorables que al principio pueden parecer desconectadas e incluso arbitrarias. Pero él reúne todo al final en algo a la vez veracen e inquietante, explorando cómo los buenos recuerdos y los profundos lamentan se entremezclan._-NUEVO MÉJICO_

13."El profesor de piano" (2001)

"El profesor de piano" Kino International/Cortesía Everett Collection

Una película puede tener la clave del genio especial de Isabelle Huppert: "The Piano Teacher" de Michael Haneke en 2001, una película excavada en el frío corazón de muchos cineficos enfermos. En la adaptación helada e infeliz de la novela de Elfriede Jelinek, Huppert interpreta a Erika, una maestra de piano gobernada por deseos oscuros y necesidades enfermas que ocupan un juego largo sadomasoquista con su alumno (Benoît Magimel). Walter se despierta en Erika un tipo de amor extraño que le trae cuidadosamente la existencia parafílica que se estrella en el suelo.

El papel ganó la mejor actriz de Huppert en Cannes, y es uno que no puedes imaginar a ninguna otra actriz que juegue o incluso intente asumir. En él, tiene una fijación incestinal límite en su madre, se automutiliza para liberación sexual, y aterroriza a sus alumnos (colocando fragmentos de vidrio roto en los bolsillos de un abrigo de uno, considera un rival). Pero Huppert no tiene miedo, y "el profesor de piano" personifica la colaboración aparentemente telepática que tiene con el controvertido fabricante de tarifas de altausidad de alto nivel que ha desafiado constantemente al público. Ninguna otra actriz viva ha abrazado y encontrado empatía en la oscuridad, ubicada el núcleo interno depravado y la perversidad que conduce a todos sus personajes. -_RL_

12."La campana de buceo y la mariposa" (2007)

"La campana de buceo y la mariposa"

La película que Julian Schnabel nació para hacer, "The Diving Bell and the Butterfly" es la rara adaptación que obtiene todo el potencial de su nuevo medio. Como memorias del lecho de muerte, la historia de la vida de Jean-Dominique Bauby sobre sus años como editor libre de una revista de moda, y sus meses como prisionero en su propio cuerpo, donde estaba atrapado después de sufrir un derrame cerebral debilitante a la edad de 45 años, es un trabajo de autobiografía notable (y no solo porque Bauby dictaminó todo el asunto con su nurse con su Eyelids). Como película, su experiencia es una mirada devastadoramente inolvidable pero en última instancia que afirma la vida de la forma humana, y cómo nuestra pequeñez proporciona la lente perfecta a través de la cual apreciar el infinito del mundo que nos rodea. Disparado de tal manera que simulara el POV "bloqueado" de Bauby y traído a la vida por la asombrosa actuación principal de Mathieu Amalric, "La campana de buceo y la mariposa" tiene el poder de alterar permanentemente su aprecio por dónde está y qué tiene._—DE_

11."Dile a nadie" (2006)

"Dile a nadie"

La autora de thriller de misterio estadounidense Harlan Coben es increíblemente popular en todo el mundo, y ha visto su trabajo adaptado para la pantalla grande y pequeña con mayor frecuencia en Europa que en los Estados Unidos. La directora francesa Guillaume Canet fue la primera en hacer una película con una novela de Coben con "Tell None One", la historia de un médico viudo llamado Alexandre Beck (François Cluzet), quien recibe un mensaje misterioso que parece ser de su esposa larga, al mismo tiempo que la policía comienza a reinvertir su asesinato, con Alexandre como la nueva sospechosa principal. Canet organiza algunas secuencias de acción fantásticamente apasionantes, pero en su mayor parte él y Cluzet Ground Coben, la trama retorcida y giratoria de la página en la humanidad de su protagonista: un hombre que parece atraer a él, como nubes de insectos a la fruta podrida. _-NUEVO MÉJICO_

10."Los intocables"

"Los intocables"

Uno de los mayores éxitos de taquilla en francés de todos los tiempos, "The Intouchables" está protagonizada por François Cluzet como un millonario tetipléjico llamado Philippe y Omar Sy como su cuidador no convencional y abierto. El equipo de escritor y director de Olivier Nakache y Éric Toledano cuentan una historia conmovedora y agradable a la multitud aquí, sobre dos amigos poco probables que enriquecen la vida de los demás, ya que Philippe introduce a Driss al alto arte y una vida de privilegio mientras Driss empuja a Philippe a divertirse más y apurarse. Sin embargo, en medio de toda la comedia de la cultura y los momentos de lágrimas, "The Intouchables" tiene algo que decir sobre las barreras raciales y de clase en Francia, y cómo un vínculo fraternal puede romper esas paredes._-NUEVO MÉJICO_

9."Cache" (2005)

"Cache"

La sombría narración sombría e inquietante de Michael Haneke alcanzó su punto culminante magistral con este apasionante drama sobre una pareja de alta sociedad perseguida por el pasado. La historia del presentador de televisión George (Daniel Auteuil) y su esposa Anne (Juliet Binoche) que intentan descubrir el origen de las videas voyeuristas enviadas a su casa comienzan como un thriller de hitchcock, pero se transforma lentamente en una meditación más sofisticada sobre la historia moderna francesa. La solución a ese misterio, aunque se deja abierta, en cierto nivel se remonta a la infancia de Georges, y su papel traumático en la vida de un hombre argelino cuyos padres fueron asesinados en la masacre de París de 1961. Ese hombre, ahora un adulto, enfrenta a Georges en uno de los momentos más impactantes que ha filmado jamás ha filmado con el propósito repentino del pasado. El inquietante final de la película deja abierta la posibilidad de que las circunstancias inquietantes nunca se resuelvan, y en su lugar puedan reverberarse a través de las generaciones. Es una declaración magistral sobre la forma en que los capítulos oscuros de la historia pueden reprimirse, pero nunca superados por completo, y siempre tener el potencial de volver con una venganza. _-I_

8."Tomboy" (2011)

"Chica poco femenina"

Una de las pocas películas verdaderamente perfectas del siglo XXI, el "Tomboy" de Céline Sciamma es una mirada sucinta e inolvidable de la pureza y confusión de crecer. Crucialmente, también es una de las películas más friolectivas y empáticas que tenemos sobre la identidad de género en el sentido moderno. Protagonizada por Zoé Héran como un niño de aspecto andrógino llamado Laure, que le ha dado una pizarra en blanco sobre la cual atraer su propia identidad cuando su familia se muda a un nuevo bloque de viviendas, "Tomboy" solo necesita 82 minutos para ofrecer una narrativa conmovedora, orgánica y notablemente humana sobre la relación entre el sexo y el género, y también entre el género y la identidad. Laure mantiene su anatomía como un secreto, pero al hacerlo revela volúmenes de verdad con respecto a lo poco que importa._— DE_

7."Amélie" (2001)

"Amelie"

La rara película extranjera que en realidad encontró a la audiencia estadounidense que merecía, "Amélie" de Jean-Pierre Jeunet se ha convertido en una sensación de buena fe por una buena razón (incluso inspiró un musical de Broadway de corta duración). Por supuesto, la popularidad y el encanto de esta comedia romántica de 2001 infinitamente inventiva han hecho tentador asumir que la película no es un gran logro como podría haber parecido en ese momento, pero una revisión confirma que se mantiene y algo más. La cosa más dulce y segura que Jeunet ha hecho, "Amélie" es más que la historia deslumbrante y deslumbrante de una camarera de Montmartre similar a Pixie (o el papel rompedor de toda la vida para Audrey Tautou), es un retrato humano y pertinioso de una persona que ama a las personas pero que no puede comprometerse a ellos. Ella es la heroína perfecta para la era de Internet que apenas anticipó, una mujer que se involucra en los negocios de todos los demás pero vive su propia vida desde una distancia segura. Su viaje de la fantasía a la realidad es tan lleno, conmovedor y valiente como siempre._—DE_

6."Un profeta" (2009)

"Un profeta" Sony Pictures Classics

Quizás el nombre más grande en el cine francés hoy, Jacques Audiard nunca ha sido mejor que con este tenso drama penitenciario, en el que el Malik francés-algerio (Tahar Rahim en una actuación magistral) está encarcelado como adolescente y está bajo el mando de la mafia corsicana. Eso lo lleva al territorio Dicey, dividido entre la protección de sus nuevos ejecutores y una lealtad sus raíces musulmanas. En una escena asombrosamente gráfica, Malik asesina a un compañero recluso bajo la dirección de su jefe, y el sangriento resultado prepara el escenario para el cuento de redención que sigue. En el transcurso de la película, Malik aprende lentamente a abrazar sus raíces musulmanas, y la dinámica de poder de la prisión cambia en una nueva dirección que encuentra la principal facultada por la fe y la comunidad, incluso cuando su futuro sigue siendo incierto. Es una saga apasionante y violenta sobre aprender a asumir la responsabilidad cuando la única otra opción es una desesperación absoluta. Audiard, quien revisó la noción de una minoría ostracizada que lucha en la aclamada "Dheepan", tiene una confianza tan extraordinaria en el material que nunca se arrastra en el tiempo de ejecución de 155 minutos, y a medida que la vista mundial de Malik continúa expandiéndose, estamos con él todo el camino._-I_

5."Copia certificada" (2010)

"Copia certificada" © IFC Films/Cortesy Everett Collection

Juliette Binoche y William Shimmell toman un paseo locuaz y de larga duración en el rompecabezas elegante y sin pretensiones de Abbas Kiarostami sobre la naturaleza performativa de las relaciones. Un giro cubista en "Before Sunset", la película sigue al escritor británico James (Shimmell) y a un concesionario de antigüedades francés sin nombre (Binoche) en una caminata y charla que se vuelve cada vez más tensa a medida que la premisa comienza a surgir que estos dos extraños realmente podrían conocerse, y con bastante intensidad, ya sea en un pasado o esta vida. La "copia certificada" tentadoramente ambigua se hincha con una sensación de tiempo que se agota (al igual que esas películas de "antes"), ya sea en un matrimonio o sentido de la autoestima. Binoche es maravillosamente imperturbable, incluso en medio del truco cinematográfico a menudo embriagador de Kiarostami._—RL_

4."Santos motores" (2012)

"Santos motores"

Lesos Carax no había hecho un largometraje en 12 años cuando "Holy Motors" aterrizó en el Festival de Cine de Cannes 2012 como una revelación: aquí había evidencia de maravilla cinematográfica pura, una obra de arte provocativa que era divertida, surrealista, trágica y estimulante de una vez. Su premisa le da a la película más extraña de David Lynch una carrera por su dinero. El Chameleonesque Denis Lavant interpreta a un hombre involucrado en la profesión turbia de interpretar a diferentes personajes durante el día, desde un mendigo hasta un monstruoso troll subterráneo apodado "Mierda" (y que secuestra a Eva Mendes). Ha acelerado por la ciudad en una limusina a instancias de una organización dudosa que bien puede ser la vida misma, ya que la película se une a una metáfora poética para los modos siempre cambiantes de la experiencia cotidiana (así como la naturaleza voyeurista de películas). El personaje de Lavant está acompañado por una mujer misteriosamente solidaria llamada Cénline, interpretada por la legendaria Edith Scob, cuyos propios "ojos sin cara" reciben un homenaje elegante a medida que Carax se desvía a través de una gran cantidad de encuentros notables. Desde una triste escena del lecho de muerte hasta un número musical inquietante que presenta a Kylie Minogue hasta la escena de acordeón más enérgica en la historia del cine, "Holy Motors" atiende a través de un abrumador collage de lugares y sonidos, cosidos por la audacia de la visión de Carax. Es una ilustración maravillosa de lo que un artista cinematográfico verdaderamente liberado puede lograr, y, en el proceso de llevar a Carax de regreso al centro de atención como uno de los mejores cineastas laborales, levantó el listón para el medio en su conjunto. Una obra maestra atemporal._-I_

3."Retrato de A Lady on Fire" (2019)

"Retrato de A Lady On Fire" cortesía de Everett Collection

Esta historia de amor visualmente impresionante es una pieza de época tan bellamente sensible, sincera y oscura como atemporal. Adéle Haenel interpreta a Heloise, una novia reacia que encuentra amistad, y un romance en ciernes, en la artista Marianne (Noemie Merlant), a quien se le encarga pintar el retrato matrimonial de Heloise. "Retrato de A Lady On Fire" se desarrolla a fines del siglo XVIII, con el romance de Marianne y Heloise que se desarrolla en una isla distante en Brittany. Sin embargo, su amor tiene una fecha de vencimiento con las inminentes nupcias de Heloise y una sociedad opresiva fuera de las paredes de su castillo aislado. La escritora/directora Céline Sciamma ganó la Palm queer en el Festival de Cine de Cannes 2019, convirtiéndose en la primera directora femenina en ganar el honor, así como el mejor guión. También se llevó a casa el premio al mejor guión en el festival. Este estudio de relación discreto pero magnífico analiza de cerca las cicatrices texturizadas de un romance formativo, todos precipitados hacia un tiro final que detiene el corazón. -_SB_

2."Amor" (2012)

"Amar"

Cuando se anunció por primera vez que Michael Haneke estaba haciendo una película llamada "Amour", muchas personas asumieron que el director austriaco notoriamente severo, el actual mago de la fatalidad del cine, se reía a nuestro costo. Nada podría haber estado más lejos de la verdad. "Amour" no es solo una de las historias de amor más bellas que las películas hayan visto, sino que también es esencialmente el mejor escenario para cualquier matrimonio. En su superficie, la premisa no suena todo tan edificante: una pareja francesa anciana (Jean-Lois Trintignant y Emmanuelle Riva) encuentra que su relación se interrumpe cuando una de ellas sufre un derrame cerebral debilitante. Pero la forma en que estos dos tipos burgueses excepcionales consideran esta situación, aunque difícil de ver, pronto comienza a ser pionero en un nuevo tipo de humanismo despiadado, uno en el que una vida vivía con amor merece terminar con una muerte que se maneja con dignidad. Puede que no sea su visualización de San Valentín, pero "Amour" es el romance más notable del siglo XXI, francés o de otro tipo._—DE_

1."35 disparos de ron" (2008)

"35 disparos de ron"

Claire Denis posee una comprensión increíblemente vívida de los cuerpos y los espacios que ocupan, y sus ideas agudas sobre el mundo físico generalmente se expresan a través de la violencia de un tipo u otro: la violencia del deseo masculino, la violencia del colonialismo, la violencia de la memoria. Pero aunque los cuerpos (incluso los muertos) son de suma importancia para "35 tomas de ron", este drama íntimo es una de las películas más tiernas jamás hechas. Un retrato silencioso y desgarrador de un viudo (Alex Descas), su hija cada vez más independiente (Mati Diop) y la familia improvisada que improvisan entre los solitarios y los extraños que viven en su edificio de apartamentos, la obra maestra de Denis se desarrolla como la película más sensual que Yasujirō Ozu nunca hizo. Es una historia agridulce de las alegrías y decepciones que dan forma a nuestras vidas, que nos unen y nos separan, y se cuenta con una musicalidad física que le permite sentirlo en su piel. La secuencia de la pieza central "Nightshift" es una de esas cosas que todos deberían ver antes de morir._—DE_