_This article is part of IndieWire’s celebration._
Reunir las mejores listas es un placer y un dolor: siempre vas a "dejar algo fuera o" olvidar "a uno de los grandes de todos los tiempos, e incluso si puedes sacrificar todas las iteraciones posibles. y entrada, clasificación y calificación del mérito de_cualquier cosa_ in _cualquier_El reino artístico está obligado a dibujar disidencia. Y sí, seguimos haciéndolo.
Este verano, estamos sobre los Aughts. Y qué momento para las actuaciones en pantalla, del tipo que pertenece no solo en esta lista, sino también en cualquier lista de lo mejor para hacerlo. A principios de la década de 2000, vimos todo tipo de avances en la pantalla grande, ya sea Javier Bardem excavando en nuestras pesadillas colectivas o Adam Sandler que continúa haciendo pruebas de su sal como un gran actor dramático. Heath Ledger se convirtió en nuestro supervillano más escalofriante. Michelle Williams estableció el dominio de la película independiente. Daniel Craig reinventó a James Bond. Björk demostró sus capacidades en otro medio. Tony Leung y Maggie Cheung ofrecieron amor por todos los estados de ánimo. Y Daniel Day-Lewis, quien solo parece capaz de un trabajo increíble, entregó su (posiblemente) mejor actuación de la historia. Y, aún así, esto es solo un pequeño muestreo de la gama actorly en exhibición durante la década.
For fans (or just keen-eyed readers) of our previous iterations of this package (including the best performances and ) will likely notice we’re continuing to scale up to 50 total performances after a very tough cut of just 25 back when we celebrated the ’90s in 2022.
Even with a total of 50 slots in mind for this particular list, choosing among the acting work of an entire decade proved virtually impossible. It always is! Even choosing amongst the performances of a _estrella individual_fue desgarrador (tal fue el caso con el difunto y gran Philip Seymour Hoffman, cuyo increíble cuerpo de trabajo podría haber poblado muchas más entradas en esta lista; esperamos frente a la cámara).
We couldn’t bear to rank our final choices, and so the list below is presented in alphabetical order. Selected from a decade’s worth of indelible performances, here are the 50 that we just couldn’t seem to shake.
_Este artículo presenta contribuciones de los siguientes escritores: Siddhant Adlakha, Carlos Aguilar, Christian Blauvelt, David Ehrlich, Kate Erbland, Ryan Lattanzio, Jourdain Searles, Adam Solomons_,_Natalia Winkelman, and Christian Zilko_.
Gillian Anderson como Lily Bart ("La casa de la alegría")
‘The House of Mirth’
En las cuatro décadas desde que "A Room With a View" de James Ivory comenzó la locura, la gran mayoría de los dramas de vestuario de época han sido fantasías escapistas. Luego está "The House of Mirth", que utiliza la actuación inicial de Gillian Anderson para engañarte, aquellos de ustedes que aún no están familiarizados con la devastadora tragedia de Edith Wharton, al menos para pensar que será un vals turístico a fines del siglo XIX en Estados Unidos.
We meet her Lily Bart on a train leafing through a book on Americana, and then again in a tableau vivant for her society friends as the personification of Spring. But director Terence Davies pulls the rug out quickly and shows how fragile and how tenuous a woman’s position can really be. She refuses sex to a predatory Dan Aykroyd in exchange for financial assistance, but her reputation becomes irreparably damaged anyway for having taken his money. From there, Bart plunges into a relentless downward spiral. She tries to get a job as a seamstress, and quickly loses it. She gets addicted to laudanum. And so the spiral continues.
La interpretación de Anderson del prometedor joven privilegio convertido en un extraño quemado está más allá de las preparaciones; Es como ver una versión de Elizabeth Bennet de repente enfrentar el mundialmente colapsante_tsuris_Eso se enfrentó al personaje de Michael Stuhlbarg en "A Serio Man", pero con implicaciones de Proto-#Metao adicionales. Bart captura el mayor miedo, uno que todavía tiene implicaciones aún mayores para las mujeres que para los hombres en una cultura que se niega a abandonar el doble rasero: que te culparán por algo que no hiciste, todos tus amigos se volverán contra ti, Y te quedarás sin nada. Nada más que tu dolor y la oportunidad de medicarlo. Así es como se ve realmente la cancelación._—CB_
Asistente de Amitabh Bachchan S Devraj ("Negro")
'Negro'
Inspirado libremente por la biografía de Helen Keller, el drama en hindi en hindi de Sanjay Leela Bhansali "Black" sirve como un hito profesional para la legendaria estrella de la pantalla india Amitabh Bachchan. Conocido por su ardiente personaje de "joven enojado" en los años 70 y 80, los Aughts le dieron a Bachchan una nueva fase en su filmografía, durante la cual interpretó patriarcas trágicas y complicadas, aunque su papel como maestro Debraj Sahai en "negro" se destaca como uno de los más conmovedores y desafiantes del actor.
As the unpredictable, alcoholic teacher to a blind and Deaf woman, Michelle (Rani Mukherjee), Debraj remains laser-focused on opening up the world and all its possibilities for her, even if his stern techniques draw skepticism from all corners. Together, Bachchan and Mukherjee create a sense of hope and warmth amid Bhansali’s frigid, snow-capped scenes, in a tale of trying to find and preserve human dignity. However, in a dramatic irony, Debraj gradually loses himself to Alzheimer’s, during which Bachchan puts on a clinic in melding the worlds of Bollywood melodrama and methodical, heavily-researched naturalism.
La pérdida de sí mismo nunca ha parecido tan aterradora, y mucho menos tan trágica, dado lo profundamente humano, Debraj se desprende en sus mejores y peores momentos. Gracias a la apasionada entrega de Bachchan, y a los momentos de incertidumbre silenciosa que crea, el rendimiento resultante tira inodorientos en los Heartstrings._—SA_
Javier Bardem as Anton Chigurh (“No Country for Old Men”)
"No hay país para los viejos"
"Llámalo". Cortillo de corte de cuenco. Pistola de perno cautivo (tenemos que conseguir un nombre más pantanoso para esa cosa). Si bien la iconografía en torno al personaje de Javier Bardem "No Country For Old Men" Anton Chigurh es inconfundible e inolvidable, es el trabajo constante del actor el que lo une en uno de los giros de villanos más notables de este, o cualquier década.
Antes de que los hermanos Coen lo encuentren en el papel más espeluznante en su adaptación de Cormac McCarthy, Bardem como un respetado actor español mejor conocido por sus actuaciones en películas como "The Sea Inside" y "Before Night Falls". Su escalofriante interpretación de Anton Chigurh lo catapultó a la prominencia global_y_ made the case that he’s one of our most profoundly skilled baddies.
Su Chigurh no es simplemente un villano, sino una fuerza de la naturaleza, con todo el horror real que implica, marcado por una calma inquietante frente al terror profundo. La presencia física de Bardem, acentuada por el cuestionable peinado de Chigurh y la mirada sin parpadear, crea una figura inquietante que acecha y persigue cada cuadro. No es necesario que le digan que este tipo es una mala noticia, lo sabes a nivel celular.
The horror of Bardem’s performance lies in Chigurh’s lack of empathy and his seemingly arbitrary method of deciding who lives and dies. And the random nature of his violence, dictated by a coin toss or his own cryptic sense of fate, is a perfect manifestation of the existential fear that pulses underneath the Coen brothers’ film. He’s nothing but dread, and he’s coming for you. _-U_
Angela Bettis as May Dove Canady (“May”)
'Puede'
Una película de género que se abre con un grito que se abre sangre, "May", escrita y dirigida por Lucky McKee (y coeditado por Rian Johnson en uno de sus primeros créditos cinematográficos), es un ejercicio slasher bastante sencillo que se centra en una joven idiosincrica conducido al borde. Lo que eleva la película a algo inolvidable es la actuación principal de Angela Bettis, quien, con gafas delgadas y atuendos hechos a mano de niñas, empaca en el pequeño marco del personaje titular, una pasión tan feroz que es casi diabólica.
La película ofrece una breve historia de origen: cuando era niño, el ojo perezoso de May requería un parche en el ojo que sus compañeros se burlaron. Sin amigos, encontró compañía en una muñeca de alabastro sonriente que su madre insistió en que mantuviera en la caja. Avance hacia la edad adulta y el confidente más cercano de May sigue siendo la muñeca, quien, encerrada en vidrio, parece escuchar atentamente mientras May brota sobre el hombre fornido que vio en su almuerzo.
Las cosas se vuelven siniestras una vez que los aplastan los globos de mayo en una obsesión que la deja a giras llorosa y furiosa. Su desesperación es tan abarcadora que no pasa mucho tiempo antes de su inclinación por las muñecas y su profesión como cirujano veterinario convergen, inspirando a May a unir a la compañera perfecta de las partes humanas compuestas. Encarnando a este Campy Dr. Frankenstein, Bettis hace una transición sin problemas de la peculiaridad lunary y de modales a la compostura fría. El rendimiento culmina en una secuencia de force de tour de, burlada en la apertura, que, con detalles horribles, literalmente, el profundo deseo de May de ser visto._—NW_
Björk como Selma Ježková ("Dancer in the Dark")
"Dancer en la oscuridad"
One of the best performances of the 2000s — if not of all time — wasn’t the work of a career actress. It was delivered by someone unexpected, in an even less expected venue: Bjork, the popular Icelandic singer, in a tragic musical directed by the Danish auteur Lars von Trier. “Dancer in the Dark” was always polarizing, and Bjork’s vulnerable, layered turn as a factory worker with a degenerative eye condition always difficult to watch. Today, it is impossible to do so without being reminded of the repeated sexual advances and unwanted touching by von Trier that Bjork alleged she endured on set. (The actress came forward with the story at the height of the Me Too movement, and von Trier denied the accusations.)
A la vez estimulante y horrible, operística y afectante, la película sigue a Selma (Bjork), un emigre checo definido en gran medida por dos cualidades: desinterés y voluntad. Viviendo en un remolque que alquila de un policía local, Selma se queda ciego de una enfermedad genética, y pasa sus días trabajando en una línea de fábrica para escapar para una cirugía de ahorro de la vista para su hijo pequeño, que heredó la afección . "Lo he visto todo, ya no hay que ver", Croons Selma en la canción más famosa del musical, que anotó la única nominación al Oscar de la película.
Como Selma, Bjork es una mezcla fascinante de ingenuidad femenina y una sensación casi salvaje. En todo momento, sus ojos y dedos se contraen con energía alegre. Su rostro está perennemente abierto, ya sea que esté peleando, cantando, riendo o llorando. De vez en cuando, el oído de Melody de Selma transformará el paisaje sonoro mecánico de la película en números musicales completos con la coreografía de estilo Busby Berkeley. Su imaginación, estamos destinadas a ver, es una herramienta poderosa, capaz de producir belleza incluso en las circunstancias más directas._-NOROESTE_
Maggie Cheung as Su Li-zhen (“In the Mood for Love”)
"De humor para el amor"
Es una de las grandes premisas de la película de todos los tiempos: un par de vecinos solitarios cuyos socios están teniendo una aventura más cerca mientras intentan descubrir cómo puede suceder tal cosa, y al hacerlo comienzan su propio tipo de cita. El periodista del periódico Chow Mo-Wan (Tony Leung) y el Secretario Su Li-Zhen (Maggie Cheung) nunca tendrán París: tienen una escalera estrecha ahumada donde se mantienen inadvertidamente cumpliendo entre turnos insociales, donde se miran con sensorias. Cheung ha dicho que Wong Kar-Wai disparó desde tan lejos que no le dijeron cuando estaba disparando en cámara lenta. Es un testimonio de su rendimiento notable y metódico que la cámara lenta no encuentra pliegues en su caracterización: solo lo fortalece.
"In The Mood for Love" es por diseño algo impenetrable, un retrato de una pasión particularmente tortuosa e imposible, expresada a través de los momentos más fugaces. Leung y Cheung son necesariamente distantes: sus personajes no pueden conocerse adecuadamente, y nosotros tampoco. Este es un tema: nunca vemos las caras de sus cónyuges. Pero Cheung convierte esa retención en una angustia universal que resuena tan poderosamente que "en el estado de ánimo para el amor", por toda su especificidad ultravisceral, logra una profunda intemporal.
Que hoy en día sea un sustituto de Tiktok para una cine bonita no solo es un testimonio de Kar-Wai, sino la amplitud de la manera abatida y olvidada de Cheung. Es un "estado de ánimo" que se adapta a una especie de espectador intencionalmente impotente, alguien que nunca piensa (como Kar-Wai ha señalado) que Chow y Su también se están involucrando en su propio tipo de deshonestidad. Todos podemos ser víctimas y perpetradores, pero "en el estado de ánimo para el amor" es el mejor retrato de las víctimas cuya venganza nos apoyamos. Un vecino desconcertado ve en su camino para cenar en medio de la noche en uno de sus vestidos memorables y ajustados y pregunta: "¿Se viste así para salir a fideos?" Cheung entiende la tarea: es su mundo, solo estamos viviendo en ella._-COMO_
The Fattota Cumalbay como Colle Gall.
"Moolaadé"
Ousmane Sembene encontró un colaborador supremo en Coulibaly de Fatoumata. A pesar de toda la ironía y la ruptura de su trabajo, el gran director senegalés fue increíblemente sincero, y su película final es un llamado a la acción en forma cinematográfica. Coulibaly, que ya había trabajado como actriz y periodista, también era un oponente público de la mutilación genital femenina, una práctica que se sabe que se produce en toda África y que había sido sometida a sí misma. Para su película final, Sembene quería hacer una declaración contra la práctica, y el resultado es urgente y serio.
Coulibaly interpreta a Colle, la segunda esposa de un promiarche prominente en un pueblo de Burkina Faso que se reúne con cuatro chicas que escaparon de la ceremonia donde habrían sufrido "purificación". Colle es un personaje, no solo un símbolo para caminar: antes de darse cuenta de lo que las chicas estaban escapando, amenaza con vencerlos. Luego, cuando lo entiende, les ofrece una protección mágica, un "moolaadé", que ninguno de sus compañeros de aldeanos está dispuesto a romper. Algunos respaldan su punto de vista, pero muchos otros piensan que es una amenaza peligrosa para la forma en que siempre se han hecho las cosas. (La opinión profundamente misógina detrás de la práctica es que las niñas sometidas a ella harán esposas más dóciles). Coulibaly está claramente invertido en presentar a Colle como "una fuerza", pero al mismo tiempo hace poco para manipular tus emociones. Una escena en la que su esposo la azota públicamente es notable por su moderación y estoicismo: no está tratando de traer las obras acuáticas. Es como si ella y Sembene estuvieran diciendo que su mensaje es lo suficientemente poderoso, no necesitaban recurrir a la manipulación para discutir en su nombre en absoluto._—CB_
Daniel Craig como James Bond ("Casino Royale")
‘Casino Royale’
Puede ser difícil de recordar ahora, pero la gente fue_horrorizado_En la noticia de que un rubio con cara de Bludgeon iba a ser la nueva cara de la mayor franquicia espía del cine británico. ¿El tipo de "pastel de capa"? ¿En realidad? Algunos sintieron que era una reacción exagerada extrema para los gustos del milenio, con su emo y sus juegos X y su flagrante desprecio por la historia (y por "historia" me refiero a "Roger Moore"). ¡Este no era el James Bond que todos conocimos y habíamos llegado a amar por sus rendimientos decrecientes!
Bueno, eso demostró ser la mitad de la razón. La versión de Daniel Craig del 007_era_emo de alguna manera el personaje nunca había sido antes (en el sentido de que no tenía miedo de_teniendo_ emotions), but at the same it returned Bond to a rugged machismo that had long soured into self-parody. By allowing Bond to have a heart, Craig made it possible for Bond to hurt like never before — in both senses of the word. His swooningly romantic scenes with Eva Green raised the stakes on a series that had been bluffing for ages, while the emotional violence he suffered as a result helped ground the physical violence that followed with a bruising sense of reality. This hulking, ice-cold, bruiser of a man was a Bond for the 21st century, but only because he embodied the essence of the character better than anyone had in 50 years. If only the direct sequel(s) demanded by the richness of Craig’s performance didn’t squander it all on the same cheap nostalgia the actor himself continued to transcend. —DE
Penélope Cruz as Raimunda (“Volver”)
‘Volver’
En el melodrama más histriónico de Pedro Almodovar, una de sus actuaciones principales más tranquilas. "Volver" comienza con Raimunda (Penélope Cruz) frotando el polvo de las tumbas de sus padres cuando una tormenta se reúne. En 15 minutos, su tía Paula (Chus Lampreave) murió y su esposo Paco (Antonio de la Torre) es rechazada por su hija Paula (Yohana Cobo) después de que él intenta asaltarla, revelando en el proceso que él no es realmente ella ella. padre. Además, Raimunda es la última en descubrir que su propia madre Irene (Carmen Maura) no está muerta en absoluto, pero ha estado inquietando su entorno de vergüenza durante años después de causar el fuego fatal en el que se pensaba que perecía.
“Volver” is a _jabón_Opera, incluso según los estándares de Almodovar, pero Cruz lo mantiene atado a una realidad identificable. Hay pocos arrebatos emocionales: los eventos hablan. Cuando Raimunda le cuenta a su hermana Sole (Lola Duenas) sobre la "desaparición" de Paco, es una escena cómica. "Volverá", insiste Sole. Raimunda responde distantemente: "No estoy tan seguro". La voluntad de Almodovar aquí es su homenaje al implacable de sus mujeres. En "Volver", los hombres engañan a sus esposas y mujeres engañan a la muerte.
Cruz es en su menos vulnerable: sus atuendos son una tabla de humor para una independencia segura y nunca se preocupa por mencionar a Paola solo (eso puede decir más sobre Paco que Raimunda). Cuando Irene regrese e insiste en que estará cerca todo el tiempo que pueda, Raimunda debe aprovechar un lado más frágil y abierto. Un padre formidable, sí, pero su vida como hija aún no ha terminado. Cruz tiene esas cargas conflictivas brillantemente._-COMO_
Daniel Day-Lewis como Daniel Plainview ("Ahí habrá sangre")
"Habrá sangre"
Muchas de las mejores actuaciones cinematográficas de todos los tiempos están definidas por su sutileza, con actores que transmiten capas sobre capas de emoción que solo una cámara podría capturar. Pero pocos placeres cinematográficos son más dulces que ver a un tepiano brillante arrojar su sutileza ganada con fuerza al sol en busca de la locura máxima. Tal es el caso de "There Will Be Blood", que vio a Daniel Day-Lewis dejarlo todo en la cancha mientras Daniel Plainview, un petrolero de paisajes y batidos que beben batidos cuya sed de riqueza lo define tanto como el país que él representa. Su cambio gradual de la minería de plata a los combustibles fósiles y su descenso a la locura casi bíblica parece reflejar la trayectoria de los Estados Unidos en el intento de Paul Thomas Anderson de la gran película estadounidense, y las contradicciones horneadas en el personaje hablan con la tensión imposible entre codicia y religión que todavía tenemos que analizar completamente. A veces, actuar se trata de crear una pintura al óleo hiper-naturalista, y otras veces se trata de usar un cepillo grueso para pintar un mural en expansión. Después de una carrera de cuatro décadas como quizás el mejor actor de su generación, Day-Lewis ha demostrado una y otra vez que puede hacer ambas cosas._—Cz_
Julie Delpy como Cénline ("Antes del atardecer")
"Antes del atardecer"
"Before Sunset" es la única de las películas de "antes" que aterrizó en la década de 2000, lo que significa que es la única de las actuaciones de Julie Delpy como Celine que es elegible aquí. Y, sin embargo, incluso si no lo fuera, todavía es quizás el pináculo de su trabajo como este personaje en la trilogía dirigida por Richard Linklater. En "Before Sunset", Celine y Jesse, quienes se encuentran por primera vez en "Before Sunrise" de 1995, se reconectan después de que ella aparece en una lectura para su libro, inspirada en su conexión. Esta vez, deambulan por París mientras se reforman una vez más en la vida y el amor, ahora con la adición de algunos años y la sabiduría que conlleva. Delpy tiene una tarea en cuestión: al final de la película, debes querer que Jesse no regrese con su esposa e hijo, y vuelva a enamorarse locamente de ella.
No hace falta decir que Delpy logra esa tarea de manera impresionante. Esto, debería decirse claramente, es una actuación notablemente sexy, que culminó en la serenata de Jesse de Celine en su departamento: primero mientras rasgue una guitarra y luego mientras baila a Nina Simone, y declara: "Baby, You '' Va a extrañar ese avión ". Pero Delpy también permite que brille las inseguridades de Celine, específicamente capturar la incertidumbre de sentir que solo era una parada en el viaje de otra persona. De alguna manera, es profundamente relatable y magnéticamente de otro mundo a la vez. _No_
Alex Descas the Lionel ("35 disparos de ron")
'35 disparos de ron '
"35 Shots of Ron" de Claire Denis es una película de profundidad aparentemente interminable, utilizando los más mínimos eventos para explorar las emociones conflictivas que rodean el envejecimiento, observando a los niños abandonar el nido, la fragilidad de las tradiciones y la inevitabilidad del deseo sexual. El núcleo alrededor del cual todo orbita es Lionel, un director de ferrocarril de mediana edad que encuentra su vida tranquila interrumpida cuando un nuevo vecino guapo se convierte en su primera competencia real por el afecto de su hija. La película sería una sombra de sí misma si no fuera por la actuación de Alex Descas, el actor que habla mucho con la más sutil de las miradas a medida que acepta sus propios sentimientos confusos sobre los eventos sobre los cuales no tiene control. Es un hombre cuyo amor genuino por su hija no conoce límites, pero que, sin embargo, está cargado por los mismos impulsos posesivos que levantan su cabeza en cada vida humana en un momento u otro. Descas se extiende a horcajadas sobre la línea contradictoria entre el amor familiar desinteresado y el interesante de sí mismo vergonzoso con un magnetismo que hace que las preguntas nudosas de la película fueran imposibles de responder. Si bien Denis nunca le da a su audiencia el privilegio de una explicación simple, los matices de la actuación de Descas hablan de la imposibilidad de navegar por los períodos de transición de la vida con cualquier tipo de claridad moral._—Cz_
Jeon Do-yeon como Lee Shin-ae ("Secret Sunshine")
‘Secret Sunshine’
El giro magistral de Jeon Do-yeon como Lee Shin-Ae en "Secret Sunshine" puede transmitirse en dos secuencias. En la escena anterior, el recientemente viudo Shin-Ae regresa a casa para encontrar a su pequeño hijo desaparecido. El teléfono suena, y Shin-Ae responde, desesperado por que sea él. En cambio, en una toma prolongada sin música o voz en off de la persona que llama, vemos como Shin-Ae recibe lo que suponemos que son muy malas noticias. Ella llora, tiembla y suplica, una visión de la desesperación maternal.
La segunda escena ocurre algunos meses después, después de que Shin-Ae se ha convertido en un cristiano piadoso. Aquí, se sienta frente a cierta persona que ha cometido los pecados más graves (eso es todo lo que diremos en aras de evitar spoilers). Shin-Ae inició la reunión con la noción de que ella perdonaría al hombre, cumpliendo así el mandamiento del Señor de amar a los enemigos de uno. Pero una vez que el hombre regresa la sonrisa de Shin-Ae y comparte que él también ha encontrado a Dios, la expresión de Shin-Ae cambia. Ya no cree en el poder de la absolución; En cambio, en solo unos momentos, observamos cómo pierde la fe en la religión por completo.
Una película engañosamente simple sobre una madre soltera que sufre el peor tipo de dolor, "Secret Sunshine" depende de su liderazgo, quien ganó el premio a la mejor actuación femenina en Cannes. Y merecidamente: con tantas cosas bajo la superficie de Shin-Ae, la audiencia se basa en el mien cambiante de Do-yeon para mostrarnos que incluso a raíz de una tragedia insoportable, una variedad de sentimientos y experiencia humana perdura._-NOROESTE_
Hossein Emadeddin como Hossein ("Gold Crimson")
"Oro carmesí"
Hossain Emadeddin ("Gold Crimson")
“If you want to arrest a thief, you’ll have to arrest the world,” an experienced con artist explains to the taciturn, impassive Hossain (Hossain Emadeddin) in Jafar Panahi’s “Crimson Gold.” Hossain isn’t a thief by nature, but rather a working man suffering from the indignity of Iranian class stratification. He spends his evenings delivering pizzas to the wealthy sect in Tehran, catching glimpses of lavish and comfortable lives, and his days being humiliated by the upper classes who can smell the relative poverty on him. Though Hossain eventually snaps and ineptly commits a robbery, Panahi implicitly argues that this action hardly makes him a criminal. He’s merely an extension of an unfair world.
El éxito de la cuarta característica de Panahi y su acusación de clase depende casi por completo del rendimiento de Emadeddin, que transmite la ira y la vergüenza internalizadas a través de inexpresivos únicos y casi silenciosos. Un actor no profesional, Emadeddin fue un repartidor de pizza de la vida real y veterano de la Guerra de Irán-Iraq al momento de la filmación. También sufre de esquizofrenia paranoica, que aparentemente dificultó la filmación y contribuyó a ciertos elementos de su actuación. Su completa falta de autoconciencia, o realmente cualquier tipo de gestos calculados que puedan atribuirse a la "actuación", no solo asombra por sus propios méritos, sino que también engendra la proyección necesaria por parte de la audiencia y una interioridad insinuada en el Parte de Emadeddin.
Por diseño, las reacciones que su presencia desagradable e inicialmente suave inspira a las autoridades burocráticas de Teherán, los insuficiencia de élite y los dueños de negocios mocosos hablan más que cualquiera de su diálogo real. La mejor secuencia de la película presenta a Hossain curiosamente husmando un lujoso apartamento, probando una vida que nunca tendrá la forma en que un niño usa un disfraz. Emadeddin no hace mucho más que absorber tentativamente el "oro carmesí" (dinero de sangre) que lo rodea, pero la forma en que se mueve por el medio ambiente comunica cómo toda una vida de falta de respeto casual encoge el espíritu de uno hasta que casi nada queda._—VM_
Olivier Gourmet como Olivier ("El hijo")
‘The Son’
Las actuaciones reactivas naturalmente tienden a ser pasadas por alto por el público y los organismos de premiación por igual; En pocas palabras, ni la restricción ni el eufemismo son tan sexys como la capital, una actuación. Pero el jurado de Cannes 2002, encabezado por David Lynch, no pudo ignorar la desgarradora actuación de Olivier Gourmet en "The Son" y con razón le otorgó el premio al Mejor Actor del año. Desde sus primeros minutos enigmáticos hasta una conmovedora confrontación final, "The Son" vive y muere con la mirada cargada de Gourmet mientras acecha a un joven que desea unirse a su centro de comercio de carpintería después de ser liberado recientemente de la prisión. Inicialmente, Olivier mantiene su distancia de Francis (Morgan Marinne) incluso cuando rastrea sus movimientos, pero finalmente lo lleva bajo su ala e incluso se calienta tentativamente hacia él cuando exhibe una aptitud para la carpintería. Jean-Luc y Pierre Dardenne finalmente revelan la historia compartida de Olivier y Francis, pero nunca explican un motivo para la dudante tutoría de Olivier. Cuando se le preguntó en blanco por qué está aconsejando a Francis, responde con una reserva casi mística: "No lo sé".
La actuación de Gourmet proporciona todas las respuestas necesarias para las acciones de su personaje, que van desde la gama de siniestro a angustiado sin invertir en la histriónica sugerida por el material. "El hijo" medita sobre la naturaleza de la penitencia a través del trabajo, y Gourmet filtra adecuadamente este tema a través de un énfasis en la tactilidad y la artesanía. Comunica la relación de Olivier con su oficio, específicamente, el orgullo que toma al trabajar con sus manos y compartiendo su conocimiento especializado, a través de un equilibrio seguro y una expresión reservada, dos elementos que insinúan una gran cantidad de dolor que no se puede poner fácilmente en palabras. Cada vez que Olivier interactúa con Francis, Gourmet transmite la renuencia de su personaje a animar ese dolor, ya sea con violencia o perdón, pero también ilustra la necesidad de que se purte. No se puede exagerar el alto grado de dificultad requerido para hacer que estas emociones sean legibles a través de la expresión física. Que Gourmet logra esto con una medida de gracia es una hazaña en sí misma._—VM_
Sally Hawkins como Pauline "Poppy" Cross ("Happy-Go-Lucky")
"Feliz-go-Lucky"
Las mejores actuaciones son las que no podemos ser imaginados en las manos, y corazones, cerebros y cuerpos, de cualquier otra persona. Tal es la magia de la actuación de Sally Hawkins en "Happy-Go-Lucky" de Mike Leigh como Poppy Cross, el tipo de papel que la actriz perfecta solo podría ser completa y fresca. El optimismo inquebrantable de Poppy y la personalidad boyante es bastante fácil en el papel, increíblemente duro en la práctica. En resumen, casi cualquier otra persona podría haber hecho una rejilla de amapola, estridente y molesto. Hawkins? Nunca.
What makes Hawkins’ portrayal so remarkable is her ability to embody Poppy’s infectious enthusiasm with a genuine and nuanced approach. She balances Poppy’s unrelenting cheerfulness with moments of introspection, allowing the character to feel deeply human, rather than one-dimensional, someone who is just “happy!” and that’s it. This duality is most evident in Hawkins’ facial expressions and body language, which convey Poppy’s emotional depth without the need for over-the-top dialogue.
Hawkins’ work in “Happy-Go-Lucky” also stands out for its subtlety and restraint (other facets of the performance we doubt less skilled performers would tap into). Her depiction of Poppy’s interactions with other characters, including her hard-nosed driving instructor (Eddie Marsan) and her eclectic circle of friends, demonstrates her ability to create chemistry and evoke empathy with alguien_. Hawkins imbues Poppy with a sense of spontaneity and warmth, which ultimately turns her journey into one of real introspection and discovery – what _es it like to be happy all the time? – rather than a simple study of someone uncannily able to smile through the pain. _-U_
Werner Herzog como Werner Herzog ("Man Grizzly")
"Hombre pardo"
Werner Herzog tiene fama de ser un showman con cara de piedra, pero su gravedad tiene una ventaja más melancólica de lo habitual en "Grizzly Man". Herzog solo aparece brevemente en la pantalla en su retrato documental de 2005 del condenado conservacionista aficionado Timothy Treadwell; La mayoría de la película está compuesta por imágenes de videos caseros filmados por su sujeto. Y cuando finalmente lo vemos, casi una hora después de la película, él le damos la espalda a la cámara.
No vemos su expresión mientras escucha el audio de Treadwell siendo mutilado por un oso, Audio Herzog describió más tarde como "lo más aterrador que he escuchado en mi vida". Lo que sí vemos es la amiga y ex pareja de Treadwell, Jewel Palovak, escaneando expectante la cara de Herzog en busca de su reacción. Está asumiendo la carga de dar testimonio de ella, un acto que se hace tanto por la compasión humana como por su instinto hacia la autoflagelación.
Herzog debe pagar la penitencia porque él se identifica con Treadwell. Treadwell fue un aventurero, un obsesivo que ignoró el consejo de expertos y siguió la inspiración donde sea que lo llevara. De esta manera, Treadwell es la sombra de Herzog, un ejemplo de lo que podría haber sucedido si fuera un poco más desafortunado y no tuviera el apoyo institucional que conlleva ser un famoso cineasta. Mantenerse fuera de la vista es la forma en que Herzog no es todo sobre él, pero su ausencia cargada lo encuentra lidiando con las implicaciones de la historia de Treadwell en lo que respecta a su propia imprudencia. Herzog no fue martirizado por su arte, y debería ser relevado por eso. Curiosamente, sin embargo, solo hace que la carga sea más pesada._—Kr_
Philip Seymour Hoffman como Caden Cotard ("Synecdoche, Nueva York")
"Synecdoche, Nueva York"
El regalo de Philip Seymour Hoffman para interpretar a los hombres defectuosos que buscan respuestas imprudentemente alcanza su pináculo en el debut como director de Charlie Kaufman, "Synecdoche, Nueva York". Aquí, interpreta al dramaturgo Caden Cotard cargado de penumbra, hipocondríaco, casi patológicamente misantrópico, mirando los restos de su propia vida: relaciones fallidas, una hija que lo odia, una carrera impulsada por su miedo a la mortalidad, y tratando de Tenga sentido (y arte) de todo.
Caden Cotard gets lost in the realism he attempts to project inside a massive warehouse in Manhattan’s Theater District, one whose insides start to meld with its outsides. But Caden remains consistently pathetic, debased, degraded, and deteriorated throughout, which makes the brief flashes of happiness (like a finally consummated affair with his assistant Hazel) all the more worrying. A character as neurotic and miserable as Caden would be an insufferable watch in less capable hands, but Hoffman seems to have found something of himself in the role — someone restless in his own skin and trying to mitigate that discomfort through art. He may have given more cinematic performances, but none go deeper into the muck and marrow of a character. He’s so good it can be painful to watch, as it is when Caden screams at his daughter, now an exotic dancer behind a trick window. “Olive, it’s daddy!” A daughter he lost long ago and will never be able to get back; another thing that slips out of his grasp. But it’s Hoffman’s compassion for the character that keeps you from pitying him, and instead opens the door to an infinite universe of feeling. —_RL_
Isabelle Huppert como Erika Kohut ("El profesor de piano")
"El profesor de piano"
Isabelle Huppert tiene ojos de vidrio y piel casi translúcida como profesora de música clásica Erika Kohut en la perversa historia de amor de Michael Haneke "El maestro de piano". Su mirada es implacable, su boca siempre es una línea sombría y delgada, pero todo está en el precipicio de ser destrozada por la llegada de una hermosa pupila, Walter (Benoît Magimel), quien le muestra lo que el amor podría ser, de una forma u otra - Por quizás la primera vez.
Mientras Erika, Huppert ve la actuación de un pianista de concierto con la misma determinación de dour, mira un porno en la tienda de videos a la que se retira en sus horas fuera de horario, una mezcla de fascinación y cálculo. Siempre hay un bloqueo de hielo impacto a su alrededor, que finalmente comienza a romperse en la devastadora segunda mitad de la película, cuando finalmente le dice a Walter "Je T'aime", pero no puede controlar el resultado de la misma manera que es el resto de su vida. .
La exploración de Huppert del paisaje interno de la psique dañada de Erika, las tendencias sadomasoquistas y la disfunción psicosexual total no contienen nada: es una actuación intrépida incluso para los estándares de una película de Haneke. Pero lo real_resistencia_El turno de Huppert aquí es cómo puede hacer que una mujer tan retorcida sea tan desgarradora y hacerte sentir emoción frente a una existencia herméticamente sellada. "El profesor de piano" es recordado por ser una película primitiva jodida, y ciertamente es eso, pero incluye el valor de todo el concierto. -_RL_
Canción Kang-ho como Park Doo-Man ("Memories of Murder")
‘Memories of Murder’cj/Sidus/Kobal/Shutterstock
One of the many extraordinary things about Bong Joon Ho’s filmmaking is the director’s ability to blend disparate tones. And in Bong’s breakout 2003 feature “Memories of Murder,” the responsibility for these shifting moods falls on Song Kang-ho. On the whole, “Memories” is one of Bong’s more sedate efforts, weighed down by the grim reality that the serial murders dramatized in the film were never really “solved.” (The killer confessed in 2019, but that was way after the fact.) Part of the reason for that was the sloppy work of provincial cops like Detective Park Doo-man, Song’s character in the film.
Cuando conocemos por primera vez el parque de groseros, él no tiene confianza no ganada y malos modales en la mesa. Es un tonto, pero no es un idiota: consultará a un chamán sobre un caso de asesinato, pero su billetera permanece cerrada. Sobre todo, solo es vago, y no le importa si el tipo equivocado va a prisión si eso significa que puede dejar el trabajo y emborracharse. Al igual que todos los matones de la ciudad pequeña, él es inseguro, que se manifiesta tanto en su rivalidad unilateral con el investigador de la gran ciudad Seo Tae-yoon (Kim Sang-Kyung) y su rapidez para golpear a un sospechoso en el costado de la cabeza (o peor ).
Con una asistencia de la edición traviesa de Bong, Song ofrece casi toda la comedia en la primera mitad de la película. Una escena divertida ve el parque de detectives sumergiéndose en una sauna, sus ojos se lanzan después de que se convence de que el asesino no tiene vello púbico. Otro es el dropkick volador improvisado con el que Park saluda a su nuevo colega de Seúl.
Luego, la dinámica cambia a medida que el caso se vuelve más desesperado. Los bits tontos de la primera mitad regresan de manera conmovedora, y la postura de la canción cambia, volviéndose más ajustados y retirados. Comienza a mirar al espacio, abrumado por su impotencia frente al mal. Una ironía final en el Denouement rompe a este hombre que una vez es un hombre, y el horror de la realización cruza la cara de la canción como una sombra de una nube que pasa. Un tipo que pensó que sabía que todo se había enfrentado cara a cara con lo incognoscible, y lo dejó con nada más que arrepentimiento._—Kr_
Q’orianka Kilcher as Pocahontas (“The New World”)
'Nuevo mundo'
Ser conmovido por él o alienado por él, pero el estilo de actuación que domina por completo todas las películas recientes de Terrence Malick comienza con esta actriz indígena de 14 años en su primer papel principal. Así es: la profunda mirada a los ojos de otro actor para transmitir la conexión y la sensibilidad, el funcionamiento de la mano sobre un campo durante el tiempo de cosecha, colocando sobre la hierba y mirando al cielo, el giro. Cosas que verás en "The Tree of Life", "To the Wonder", "Knight of Cups", "Song to Song" y "A Hidden Life" después. Pero aquí está el trato: nadie ha hecho esas cosas mejor que Kilcher, porque son el tipo de cosas que un niño de 14 años interpreta a un personaje de 14 años podría hacer realmente.
Kilcher retrata a Pocahontas con una excepcional falta de referencia y curiosidad, lo que se adapta perfectamente a esta historia fundamental de conflicto y conexión indígena-colonial (e incluso lleva la narración de voz en off de la película). Dado que el diálogo en sí es bastante mínimo en todo momento, gran parte de la emoción de la película debe escribirse en la cara de Kilcher, y maneja esa tarea magníficamente, transmitiendo la ansiedad de ser atrapada entre dos mundos con la habilidad de un profesional mucho más experimentado como el desanimado Naturalismo de un recién llegado.
Lo curioso de la película de Malick es cuán decisivamente decidió_no_Para reinventar la rueda de los propios "Pocahontas" animados de Disney de una década antes, prácticamente es solo una versión de acción en vivo de eso y su secuela directa a video "Pocahontas II: Journey to A New World, hasta ellas a lanzar esos La actriz de voz de Pocahontas de Films, Irene Bedard, como la madre de Pocahontas aquí. La actuación de Kilcher, tranquila e imaginando una profunda vida interna de esta figura histórica sobre la que tanto ha sido colocada simbólicamente, es una parte crucial de lo que justifica la existencia de la película._—CB_
Sanaa Lathan como Monica Wright ("Amor y baloncesto")
"Amor y baloncesto"
En una de las actuaciones más queridas de la década de 2000, Sanaa Lathan interpreta a Monica Wright en el amor y el baloncesto como una heroína romántica realista. Ella sigue a sus dos grandes amores con pasión y enfoque, rara vez vacilando. Ella quiere tenerlo todo y no ve ninguna razón por la que no pueda suceder para ella, una determinación hizo aún más poderosa en un nivel meta-textual por el hecho de que había tan pocos papeles protagonistas para las mujeres negras en ese momento. Con "Love