¡Feliz año nuevo! Como es nuestra forma favorita de celebrar el amanecer de un año nuevo, estamos mirando hacia adelante a un_muy_Gran lote de liberaciones de 2025 que hemos visto yb) puede recomendar a usted, nuestros lectores.
, esta lista incluye una gran cantidad de películas que hemos captado en el circuito del festival y están destinados a un lanzamiento de 2025 cerca del año. Incluyen cineastas favoritos consistentes como David Cronenberg, Steven Soderbergh, Jia Zhang-Ke y Miguel Gomes, además de una amplia variedad de estrellas de cine nuevas y en ascenso para conocer en este momento. Algunas de estas películas ya han aparecido (nos encantó especialmente ese vínculo de tres vías entre "Presence", "April" y "Misericordia"), pero esta lista también incluye un lote de películas dignas de atención en este momento, y a través del resto del año.
Para aquellos de ustedes ansiosos por cargar su calendario de películas para los próximos meses, deje que esta lista de las mejores películas de 2025 que ya hemos visto sea su guía, con vistas previas más curadas del equipo de Indiewire.
Por lo tanto, esta lista solo incluye películas que hemos visto que tienen una fecha de lanzamiento confirmada de 2025 o han sido recogidas para su distribución con fechas de lanzamiento de 2025 que se establecerán.
"Apocalipsis en los trópicos" (Netflix, TBD)
Como brasileño, el "Apocalipsis en los Tropices" de Petra Costa, un documental que, con todo el nombre, es su seguimiento del "The Edge of Democracy", nominado al Oscar, es una vigilancia difícil. Al igual que en ese documento anterior, este es un registro de algunos de los años más turbulentos, desgarradores e inductores de ansiedad en la historia del país, específicamente la presidencia de Jair Bolsonaro y su horrible administración durante la pandemia Covid-19.
El brote viral, sin embargo, es simplemente un capítulo de este amplio relato de cómo llegó a ser Bolsonaro, quien lo apoyó y cómo los abandonó. El apocalipsis en el título es en realidad una referencia al Libro Bíblico de Apocalipsis (titulado "Apocalipse" en el portugués brasileño), que señala el marco de referencia elegido de Costa para su nueva película narrada en primera persona: Christianity. O, para ser más precisos, cómo el ex presidente y su círculo cercano (o, como ella sugiere, sus amos silenciosos) armaron millones de la sed de ciudadanos del país por lo espiritual durante un tiempo de agitación económica y social. Todo para transformar a un politiano marginal que se realizó a través de declaraciones controvertidas y simpatía militar en un mesías manipulador para aquellos en la extrema derecha._._
‘Fotos de abril de abril
"April" (Metrograph Pictures, TBD Teatrical Lleged)
No hay un director de terror vivo que no mate para crear marcos tan tensos, siniestros y cautivadores visceralmente como los del cineasta georgiano Dea Kulumbegashvili, quien aplica sus talentos a estudios de carácter elemental sobre mujeres rurales que sufren bajo el yugo de patriarcas El pie de las montañas del Cáucaso.
La salida de segundo año de Kulumbegashvili "April", que se refiere a un obstetra del hospital cuya carrera se pone en riesgo cuando una rara muerte fallida amenaza con exponer su trabajo nocturno no autorizado como proveedor de abortos, requiere aún menos tiempo para aplastar a todo su ser en su aparato. Se abre a la vista de un monstruo de piel sin rostro (pero visiblemente visiblemente femenino) encorvado a través de un vacío cuando la puntuación asíncrona de Matthew Herbert respira por su cuello.
Los límites de su poder son evidentes desde el momento en que nuestra heroína tiene la tarea de entregar al hijo de una mujer joven de la ciudad natal de LagoDekhi de Kulumbegashvili. El embarazo no se había registrado, ni el feto examinado en ningún momento durante su desarrollo, por lo que Nina no aprende que sus pulmones no son viables hasta que es demasiado tarde. Kulumbegashvili disparó inequívocamente un nacimiento real para esta secuencia, estableciendo el tono para una película en la que las realidades anatómicas del nacimiento y el aborto están en exhibición.
"Armand" (IFC Films, en los cines el 7 de febrero)
La ruptura de "la peor persona del mundo", Renate Reinsve, regresó a Cannes en mayo con "Armand", un drama de clase claustrofóbico y surrealista del escritor/director Halfdan Ullmann Tøndel, quien también es nieto de los gigantes de cine suecos Liv Ullmann e Ingmar Bergman. Al igual que el propio trabajo de su abuelos que define mediano, el debut como director de Ullmann Tøndel es un estudio de personaje íntimo contado en primeros planos y desgloses, ya que la madre soltera Elisabeth (Reinsve) se enfrenta a otro conjunto de padres, Anders (Endre Hellestveit) y Sarah (( Ellen Dorrit Petersen), sobre una disputa en el patio de la escuela que involucra a sus hijos.
Para una película que se desarrolla principalmente en tiempo real, "Armand" elimina muchos resentimientos, secretos y traumas pasados en el presente. Aquí, la naturaleza siniestra del incidente que lo hizo bien o no, en cuestión, pone a la vista un conflicto de los padres sin aliento sin Détente a la vista. Reinsve solo tiene una docena de créditos cinematográficos a su nombre, pero sabe que "Armand" es la mejor actuación de su carrera hasta el momento, ya que Elisabeth atiende desde los niveles obstinados y defensivos a Isabelle-Adjani-in-"posesión" de colapso psíquico.
‘Al convertirse en una guinea Fowl’a24
"Al convertirse en una guarda de Guinea" (A24, en los cines el 7 de marzo)
El lúcido e incandescentemente furioso de Rungano Nyoni, "sobre convertirse en una aves de Guinea" es un dedo medio rígido para las ilusiones. Ubicado en un suburbio zambiano de clase media que se encuentra en una intersección bien tratada pero mal mantenida entre las influencias globales y las costumbres de Bemba, la segunda característica del cine El árbol genealógico extendido juntos por sus raíces durante una crisis que la deja con ganas de arrancar todo de la tierra con sus manos desnudas.
Hay momentos de belleza y resiliencia que se pueden encontrar en medio del dolor enterrado que descubre en el camino, pero no se deje engañar por las reuniones de zoom de la heroína con sus compañeros de trabajo británicos o su triste inclinación por los podcasts de la vida estadounidense: el futuro podría poder No tiene todas las respuestas, pero es el pasado que ella no podrá perdonar. Lo que nos lleva a otra forma fascinante que Nyoni logra subvertir uno de los subgéneros más calcificados del cine reciente: la familia del protagonista puede ser su mayor conexión con su memoria cultural, pero su afán de perdonar el pasado finalmente requiere que lo olviden.
Si bien es muy crítico de cómo incluso los aspectos más catárticos de la sociedad matrilineal de Bemba han sido secuestrados por los valores cristianos patriarcales, "al convertirse en una guarda de Guinea" resiste la tentación de enfrentar uno contra el otro para obtener puntos fáciles. Por el contrario, esta película soñada pero profundamente desconcertante aspira a un dilema mucho más espinoso, y a una pregunta dramática tan difícil de responder que Nyoni ni siquiera puede _preguntar_ Sin hacer trampa: ¿Cómo encuentras las palabras para hablar en contra de una tradición de silencio?
"Bob Trevino le gusta" (Atracciones en la carretera, en teatros limitados el 21 de marzo, expansión el 28 de marzo)
El año de "Barbie" continúa en 2024. Pero no estamos hablando de esa Barbie: ahora, es el momento de Barbie Ferreira para hablar. La estrella de "Euphoria", que se separó de la serie HBO antes de la temporada 3, lidera a "Bob Trevino le gusta", su primera película desde el anuncio de salida del programa. Mientras que Ferreira ha tenido papeles en "Unregnant" y "Nope", es "Bob" que pone a Ferreira en el mapa como uno para ver, e incluso ella lo produce junto con su coprotagonista John Leguizamo.
En la película, Ferreira interpreta a Lily Trevino, una cuidadora de 25 años en el hogar que lucha con el abandono de sí mismo. ¿La fuente de la mayoría de sus problemas? Su narcisista abusador del padre Bob (francés Stewart). Lily no puede ver el daño que Bob ha causado, y después de una pelea explosiva en la que Bob culpa a Lily por calmar su estilo de vida de soltero, la interrumpe para siempre.
Por lo tanto, Lily ahora se queda _de hecho_ Abandonada, y opta por permanecer emocionalmente distante de su cliente burbujeante, interpretado por la estrella de "La vida sexual de las niñas universitarias" Lauren "Lolo" Spencer, y revolcarse en su habitación desplazando por Internet. Es solo cuando Lily intenta acariciar a su propio padre que siente que ha alcanzado un nuevo mínimo ... y amigos de Facebook un sin rostro _otro_ Bob Trevino (Leguizamo) cuya aprobación anhela. Cada vez que a este Bob "le gustan una de sus publicaciones, especialmente las que son flashbacks de la infancia descuidada de Lily (Baby Lily soplan velas en un pastel de cumpleaños, Tween Lily jugando baloncesto, etc.), es como si Lily finalmente esté recibiendo la validación y amor de su padre. Lástima que este Bob no esté realmente relacionado biológicamente con ella.
"Capturado By the Tides" (Sideshow y Janus Films, TBD Teatrical Release)
Un retrato de desplazamiento de búsqueda y dispersión que es tan probable que resuene con los devotos de Jia Zhang-Ke como para desconcertarse a aquellos que son nuevos en su trabajo, "atrapado por las mareas" encuentra que el autor chino devuelve los personajes y ubicaciones más importantes. Definió sus películas en las últimas dos décadas. Por otra parte, tal vez sería más exacto decir que nunca los dejó.
Rastreando los contornos más débiles de una historia de amor con guión en torno al andamio de algunas imágenes documentales que Jia ha recopilado en el transcurso de 22 años, esta escasiva quimera de una película se tensa para literales la delicada relación entre el tiempo y la memoria, un tema que se ha convertido cada vez más en Central del trabajo del director desde que se construyó la presa de las tres Gorges en 2006 (ver: "Naturaleza muerta"), sumergiendo 13 ciudades enteras y desplazando para siempre los millones de millones de personas que una vez vivieron en ellos.
Aquí, incluso más que en sus épicas radicales, "Las montañas pueden partir" y "Ash es el blanco más puro", el enfoque de Jia está directamente en la resiliencia en lugar de la erosión. ¿Cómo mantenemos un sentido coherente de sí mismo, y mucho menos amar a alguien más, en un mundo tan volátil e impermanente que la gente se hundirá siglos de historia hasta el fondo del mar solo para dar paso a la mañana?
‘Eephus’curtesy of Music Box Films
“Eephus” (Music Box Films, in theaters March 7)
Frente a las gradas de madera vacías en un día de verano en Massachusetts, dos escuadrones de hombres de mediana edad fuera de forma se presentan para jugar un juego de béisbol en lo que todos esperan ser una de sus tardes más tristes en la memoria reciente . Durante décadas, esta liga recreativa ha sido el pegamento social que une a los hombres en esta comunidad. Pero todo está a punto de desaparecer cuando el campo local se destruye después de la temporada, que termina hoy. Entonces, los hombres cargan sus refrigeradores con cerveza barata, pasan grandes cantidades de tiempo estirándose y se preparan para darle a su refugio de verano una gloriosa despedida antes de tener que encontrar algo más que ver con sus fines de semana.
El debut como director de Carson Lund comparte su nombre con un lanzamiento de movimiento lento que ha sido olvidado en gran medida por los jugadores de béisbol modernos, y es un título apropiado para una película que abarca el ritmo pausado del pasatiempo nacional de Estados Unidos. Los ejecutivos de televisión han pasado innumerables horas en los últimos años obsesionando sobre cómo hacer que los juegos de béisbol se muevan más rápido, pero muchos devotos verdaderos te dirán que parte del encanto del juego radica en su capacidad para facilitar la socialización. Unos pocos segundos entre los lanzamientos le dan a la primera base tiempo para intercambiar bromas con el corredor tratando de robar segundo, y los espectadores generalmente pueden encontrar tiempo para comprar un hot dog sin preocuparse por perderse nada importante.
"Eephus" es una película que entiende esto, y el guión (que Lund coescribió con Michael Basta y Nate Fischer), baraja junto con el ritmo de un juego de béisbol. La exposición sale en breves intercambios de dos oraciones entre lanzamientos y aparatos más largos entre entradas, lo que permite al público experimentar el juego con la misma cadencia que hacen los jugadores.
"Every Little Thing" (Kino Lorber Films, en los cines el 10 y el 17 de enero)
Terry los llama "los buscadores". La llaman a todas horas. Envían mensajes de texto. Vienen, y a veces vienen de nuevo. Llegan con pequeñas cajas llenas de carga preciosa y delicada. Piden consejo. No siempre lo toman. Y tanto, quieren que sus descubrimientos vivan.
En el documental delicado e inmensamente conmovedor de Sally Aitken "Every Little Thing", esos buscadores son personas regulares y cotidianas que a) de alguna manera encuentran colibríes heridos en el área de Los Ángeles, yb) tienen la suerte de descubrir el rescate de colibríes de Terry Masear, donde Asiste a cientos de aves cada año, con suerte, las cuidan a la salud y las liberan al mundo. "Finders" es la palabra de Terry. Terry es, aunque probablemente nunca diría tal cosa, algo un poco diferente, un poco más difícil de admitir: un héroe.
Aitken no escatima en imágenes increíbles e inmersivas de colibrí, todos los colores brillantes y alas de alas rápidas, pequeñas colas rápidas, brillantes ojos pinpistas. Los colibríes son tan delicados, tan luminosos, tan especiales, es fácil ver por qué Terry ha dedicado su vida posterior a salvarlos. La extensa casa de la ladera de Terry está inundada en jaulas y recintos hechos a mano, su propio ejército de herramientas hechas a sí misma y años de entrenamiento, todos los cuales parecen estar fuera de experiencia y lecciones difíciles.
‘Familiar Touch’Courtesy Venice
"Familiar Touch" (Music Box Films, TBD Theatrical Release)
Ruth (nominada a Tony Kathleen Chalfant) se está preparando para un visitante. Pero no puede encontrar el atuendo que quiere usar, sin importar cuántas veces vuelva a través de su armario. Y la comida se une extrañamente, con ingredientes adicionales arrojados a un lado (o, en un caso evocador, alineados perfectamente en la secadora del plato). Y Ruth, aunque sabe lo suficiente como para vestirse y hacer una de sus comidas exclusivas para el evento, no puede recordar a quién organiza. ¿Cuál es su nombre? ¿Por qué está aquí? ¿Están en una cita?
El hombre que aparece en su acogedora casa está reservado y nervioso (es interpretado por H. Jon Benjamin, ofreciendo el raro y bienvenido giro dramático para el comediante y el actor de voz). Y cuando Ruth convierte lentamente su conversación forzada en direcciones más coquetas, parece que está a punto de saltar de su piel. And then he gently packs her up, gets her in the car, and drives her to what will later be termed a “geriatric country club.” Ruth puede sorprenderse con su núcleo cuando la amable enfermera Vanessa (una luminosa Carolyn Michelle) gracias a Steve de Benjamin por traer a su madre: "¿No tengo un hijo?" — to her new home, but things have snapped into place for us long ago.
En "Familiar Touch", el drama dolorosamente íntimo de la cineasta Sarah Friedland, seguimos a Ruth mientras intenta aclimatarse a su nueva vida (y donde eventualmente la llevará) en el transcurso de sus primeros días en el hogar y, específicamente, en su Unidad de cuidado de la memoria. Friedland, quien también escribió el guión de la película, no se entrega a la histriónica o en las pruebas de emoción, sino que nos pidemos que sigamos a Ruth y experimentemos el mundo a través de sus ojos. El impacto es profundo.
"El amigo" (Bleecker Street, en los cines el 28 de marzo)
No hay forma de desempeñar este papel: para toda la segunda mitad de "The Friend" de David Siegel y Scott McGehee, este crítico se redujo a un desastre grueso, sollozando, agitado, agarrando toallas de papel húmedas y alternando entre asfixia y riendo. Si bien el último de la pareja cinematográfica puede sonar directamente dirigido a los súper fanáticos de Naomi Watts y a los animales intensos, lo que realmente presentan en "The Friend" no es tan nicho en absoluto: en cambio, es el tipo de ingenioso, sabio y cálido y cálido Estudio de personajes Parece que nos estamos quedando sin estos días. Y eso es justo cuando se trata de su destacada estrella de perros, el gran danés (énfasis en el gran) Bing.
La película abre antes y después de la llegada de Apolo, el Gran Danés en su centro. A través de la narración de voz en off compartida, Iris (Naomi Watts) y su mentor Walter (Bill Murray) establecieron el escenario, relatando el tiempo en que Walter, mientras estaba en una carrera aparentemente todos los días alrededor de la caminata del río Brooklyn, se encontró por primera vez con un Apolo abandonado. Impresionado por la Gran Bestia, el impulsivo Walter no tenía otra opción. Lo acogió. O Apolo lo acogió. Es difícil decirlo, de verdad. Pero traer a alguien, cualquiera, a tu vida viene con sus propias preguntas, y cuando Walter reflexiona, "¿Qué le pasará al perro?", No solo está hablando del perro.
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"Amistad" (A24, TBD Teatrical Lanzamiento)
Craig Waterman es un suburbano de clase media que trabaja en una compañía de oficinas que hace que los productos de sus clientes sean más adictivos, ya sea que esos productos sean aplicaciones, alimentos o políticos. En lugar de amigos, Craig es conocido casual con sus compañeros de trabajo, y espera ver "la nueva maravilla" porque escucha que es tan loco que literalmente está volviendo loco a las personas. Todo su guardarropa proviene de una compañía llamada Ocean View Dining, está obsesionado con probar el especial de "Seal Team 6" en un restaurante local (una comida de 22,000 calorías que replica lo que comió su homónimo después de matar a Osama bin Laden) y su esposa Tami Todavía besa a su hijo adolescente en la boca.
Desde la distancia, podría parecer el hombre más normal de Estados Unidos, pero Craig Waterman es (obviamente) interpretado por el maestro de "Creo que deberías dejar" Tim Robinson, así que si te ves un poco más cerca, se enfoca en el enfoque. Es más como un impostor alienígena que solo pudo descubrir cómo imitar el 99.97 por ciento del comportamiento humano, y se ha convertido en completamente definido y enfurecido por la pequeña porción que continúa eludiendo. Por otra parte, eso podría ser lo más normal de él.
La personalidad de pantalla obsesiva y volátil (pero también hiper-anaranada) de Robinson, cristaliza perfectamente una forma moderna de ira masculina impotente que se ha convertido en un lenguaje en Internet, donde todos conducen con su identificación. Pero la "amistad" frecuentemente hilarante de Andrew DeYoung, que extiende el cómic de su estrella a las dimensiones multiplex en una película que se parece mucho a un boceto de "creo que deberías dejar", ayuda a aclarar que el humor de Robinson está enraizado más que algo más.
‘Gazer’cannes Film Festival
"Gazer" (Metrograph Pictures, en los cines el 21 de febrero)
Imagínese si "Baby Driver" fuera una exploración trágica y sin música de la descomposición mental, y es posible que pueda comenzar a imaginar la secuencia de robo más tensa en "Gazer". Al igual que el conductor de escapada infligido de Tinnitus de Ansel Elgort, Frankie (Ariella Mastroianni) necesita poner sus auriculares antes de abordar un trabajo peligroso. Pero ella no está volando a Queen o la explosión de Jon Spencer Blues.
La luchadora madre soltera sufre de discronometria, una condición mental deteriorada que la deja incapaz de percibir con precisión el paso del tiempo. Segundos y minutos se convierten perfectamente en horas y días de una manera que la deja constantemente cuestionando cuando lo está. Es una situación viable, aunque inconveniente, cuando su mayor temor le falta una cita con el médico o la zonificación en el trabajo.
Pero cuando tiene cuestión de minutos para robar las llaves del automóvil del apartamento de un hombre peligroso antes de que llegue a casa, los riesgos se vuelven considerablemente mayores. Entonces, pregrabora las instrucciones de segunda por segundo para sí misma con la esperanza de que pueda mantenerse en el momento escuchando sus propias súplicas. Pero cuando el pomo gira y se ve obligada a esconderse debajo de la cama, sus planes coreografiados se desmoronan y tiene que planificar su escape sin una red, o un reloj interno.
"Gran recorrido" (Mubi, TBD)
El espíritu de "Sans Soleil" arroja una larga sombra sobre la caída "Gran Tour" de Miguel Gomes, un diario de viaje menos ensayístico pero similar a la atemporal que a veces se siente casi tan en deuda con Chris Marker como "Tabu" de Gomes fue para F.W. Murnau. Al igual que la obra maestra de 1983 de Marker, la película de Gomes es impulsada por el misterioso Frisson que crea entre imágenes documentales "exóticas" y narración incorpórea. Y al igual que "Sans Soleil", "Grand Tour" utiliza esa voz en off sin parar para dar forma a sus imágenes acompañantes en una historia abstracta sobre la evasiva relación entre el tiempo y la memoria.
En este caso, esa historia es una historia de amor (de alguna manera), una que nuevamente encuentra a Gomes que se remonta al tipo de romances coloniales parpadeados que eran tan frecuentes en la era silenciosa y los primeros días de Hollywood. Y dado que una historia de amor requiere un ancla táctil para su anhelo, Gomes, en marcado contraste con Marker, lanzó un par de actores convencionalmente atractivos para encarnar a los personajes descritos sobre la banda sonora.
El primero de esos personajes es Edward (un Gonçalo Waddington, ahuecado pero robusto guapo), un funcionario del Imperio Británico. Lo encontramos en Birmania hacia fines de 1917, donde recibe un telegrama de la prometida que no ha visto en siete años; Finalmente es hora de que se casen, y ella estará en Rangoon para mañana. Edward decide impulsivamente asegurarse de que se haya ido antes de que ella llegue allí, y salta el próximo tren que va a cualquier parte. Se descarrila, pero emerge de los restos con una sonrisa en su rostro. "Qué hermosa mañana", suspira, felizmente liberado del estrangulador de una historia que logró escapar a tiempo.
‘Las fotos del reino
"The Kingdom" (Metrograph Pictures, TBD Teatrical Release)
Una de las mejores películas jamás hechas sobre el crimen organizado, "The Long Good Friday" (1980) ve el mundo de un gángster de Londres desestabilizado abruptamente por ataques con bombas y asesinatos de sus asociados. Él y sus secuaces intentan descubrir las identidades de los atacantes, todo mientras tratan de no preocupar a sus visitantes en la ciudad durante el fin de semana, que son miembros de la mafia estadounidense que buscan invertir en la reurbanización en el área. Este clásico de la mafia británica puede parecer una película extraña para evocar en la parte superior en una revisión de una función de debut en francés en Córcico. Pero una de las principales fortalezas de "The Kingdom" del director Julien Colonna es cómo lleva con éxito una historia libremente similar y impulsada por la paranoia en el contexto de un período de tiempo condensado.
El período de tiempo en cuestión no es tan apretado como las 24 horas de caos de "el Viernes Santo", sino unas pocas semanas de interrupción explosiva que comienzan con el intento de asesinato de una bomba de automóviles de un asociado. Y en lugar de los inversores que necesitan estar protegidos de la verdad completa de lo que está sucediendo, "The Kingdom" tiene a la hija del líder del clan del crimen, que es el personaje principal de la película. La película de Colonna se desarrolla en la década de 1990, que en la vida real fue un período crucial de agitación para las perspectivas sociales, políticas y económicas de la isla, con guerras de clanes en aumento.
"La vida de Chuck" (Neon, en los cines el 25 de mayo)
El ganador del Premio Tiff People’s Choice "The Life of Chuck" es una partida para Mike Flanagan, en el sentido de que no es técnicamente una película de terror. Pero es una adaptación de Stephen King, que está en la timonera del director del "Doctor Sleep". Y está perseguido: por el arrepentimiento, por los recuerdos y por el apagón de todo un universo interno cuando alguien muere. En todo caso, "The Life of Chuck" simplemente retira la capa de metáfora y se dirige directamente a la melancolía que sustenta todas las historias de fantasmas.
Estructurado alrededor de un verso de la "canción de mí mismo" de Walt Whitman - "¿Me contradice? Muy bien entonces, me contradice. Soy grande, contengo multitudes " -" La vida de Chuck "se cuenta en orden inverso desde el final de la vida de un hombre hasta el principio. Lo hace de una manera que es lo suficientemente sorprendente como para no discutirlo con demasiado detalle; Basta decir que adopta un enfoque cósmico de la idea de los mundos internos. ("Cada hombre y cada mujer es una estrella", para citar a la excéntrica Aleister Crowley de Whitman. Pero el sentimentalismo se adapta a Flanagan, cuyo estilo de escritura florida está bien igualado por las ideas de alto concepto exploradas aquí.
Nick Offerman narra la apertura de cada uno de los tres capítulos de la película, cada uno de los cuales se relacionó de alguna manera, bueno, la vida del contador (y sorprendentemente buena bailarina) Charles "Chuck" Krantz, interpretada por Tom Hiddleston como un adulto y Jacob Tremblay cuando era niño. Es Zeyde Albie quien convence a Young Chuck de que los números son tan emocionantes como Moon Walking en el gimnasio de la escuela, lo que lo pone en un camino de vida estable pero poco emocionante. "The Life of Chuck" usa el baile como una taquigrafía para la fantasía, la creatividad, la alegría, la alegría: nombre una emoción inconsciente que se supone que debemos dejar de lado en nombre de la responsabilidad de los adultos, y se expresa a través del baile en esta película.
‘El hombre más afortunado de Estados Unidos de Tiff
"The Luckiest Man in America" (IFC Films y Saban Studio, TBD)
En su mejor momento, los programas de juegos siempre han sido definidos por su yuxtaposición de apuestas genuinas y ridiculez total. Las audiencias ven luces intermitentes, paletas de colores neón llamativos y anfitriones tannados con aerosol con cabello poco convincente, pero los concursantes ven un campo de batalla donde las fortunas se pueden ganar y perder. Los espectáculos diurnos giran en torno a los juegos de azar considerados lo suficientemente simples como para proporcionar el ruido de fondo más sin sentido, mientras que las personas hacen tareas en la casa, pero el dinero involucrado a menudo tiene implicaciones que cambian la vida para los involucrados.
"The Luckest Man in America" de Samir Oliveros explota con éxito esa tensión en su narración semi-ficticia del récord de Michael Larson (Paul Walter Hauser) que rompió la victoria de 1984 en "Press Your Luck", en el que se llevó a casa más de $ 110,000 al descubrir que Los giros de las ruedas aparentemente aleatorios del programa se basaron en los mismos cinco patrones de luz. Desarrollando casi exclusivamente en el lote de CBS donde se grabó el programa de juegos, la película trata la búsqueda de los productores para descubrir su habilidad imposible para el juego con toda la seriedad de una operación de falsificación del servicio secreto.
Al mismo tiempo, su set de color caramelo y el kitsch de juegos de los años 80 evitan que el público se olvide de la asinidad del escenario. Todo se combina para formar un thriller de conjunto deliciosamente sórdido que se pone fácil en 90 minutos, y otro recordatorio de que Hauser es una de las estrellas de cine más interesantes de su generación.
"Misericordia" (Sideshow y Janus Films, TBD Theatrical Release)
Alain Guiraudie regresó a Cannes con una comedia oscura agridulce e inesperadamente cálida sobre el deseo homosexual latente, "Miséricordia". Recuerde, el escritor/director francés es el cineasta detrás del clásico gay de 2013 "Stranger by the Lake", una historia de crucero siniestra y siniestra sobre cómo nuestros impulsos hacia la muerte y el sexo son de la misma carne. "Miséricordia", que debutó en la sección de estreno de Cannes, es una historia decididamente más ligera de sus pies (en todos los sentidos del idioma) de la obsesión de un hombre solitario e infiel con su ex jefe muerto, que también es el padre del mejor amigo de la infancia que tal vez amó.
Cuando Jérémie (Félix Kysyl) regresa a Saint-Martial, un pueblo provincial ubicado en un bosque en el sur de Francia, inmediatamente se une con la viuda de su antiguo jefe, Martine (Catherine Frot). ¿Es una obsesión romántica, o proyectar una figura madre sobre ella? ¿O Jérémie está realmente enamorada de su esposo muerto, y entonces ahora es el reemplazo?
Mientras tanto, el hijo ahora adulto de Martine, Vincent (Jean-Baptiste Durand), está celoso de Jérémie y la relación de su madre y puede verlo como una traición a su amistad infantil. Se introducen circunstancias mal, se introducen la desaparición y el asesinato, y Jérémie se adhiere a un obispo geriátrico (Jacques Develay), y un vínculo poco probable, o al menos una confianza entre ellos, florece. No estropearemos los detalles.
'Parthenope'gianni Fiorito
"Parthenope" (A24, en los cines el 7 de febrero)
No es ningún secreto que Paolo Sorrentino está profundamente obsesionado con los temas de la juventud y la gran belleza. Tales preocupaciones, ¡y varias más! -son evidentes en películas como "Youth" y "The Great Beauty", dos exhibiciones desenfrenadas del maximalismo italiano que son tan sutiles como sugieren sus títulos. Sorrentino está de vuelta en su proverbial mierda con otro desfile de carne en expansión que se consume más con ideales abstractos que con la vida misma. Una vez más, regresa con una película entusiasta suntuosa que difumina la línea entre lo sagrado y lo profano hasta que el sexo se siente como la religión y la religión se siente como el sexo, y una vez más se ve obligado por la canción de la sirena de la juventud y la gran belleza.
Con "Parthenope", que toma prestado su nombre de una de las sirenas del mito griego, Sorrentino está inusualmente preocupado por la relación entre la juventud y la gran belleza. Esta no es la primera vez que enfrenta a esos intoxicantes gemelos entre sí, contrastando la naturaleza efímera de la lujuria humana contra el espíritu eterno de la poesía, la arquitectura y las deidades que creamos en represalia a ese hecho. Sin embargo, en "Parthenope", el cineasta de 53 años se atreve a preguntar si es posible separar a los dos. Más concretamente: se pregunta si las personas son capaces de apreciarlas completamente a ambos al mismo tiempo.
"Pavimentos" (Mubi, TBD)
La pregunta que Alex Ross Perry se hizo antes de embarcarse en el proyecto loco de cuatro caras que es "Pavementos" fue: "¿Qué pasaría si Pavement fuera la banda más importante de todos los tiempos?" Es una idea divertida, y el compromiso de Perry con el bit no puede ser cuestionado. Un musical de Jukebox Off-Broadway que lleva el nombre de su innovador álbum de estudio de debut "Slanted and Enchanted", una biopía falsa "Bohemian Rhapsody" al estilo ", protagonizada por Joe Keery y Jason Schwartzman, una exposición del museo Perry ayudó a ideal y que birs con MEMORILIA en su mayoría inminentes y no importantes, Existen un documental real en servicio de "Pavimentos".
Si la tarea al hacer una película sobre el pavimento era en parte sincera, en parte joder, una pizca de pensamiento anti-establecimiento incoherente y una cucharada de autocomplacencia, los "pavimentos" lo entienden perfectamente. Hacer una película sobre la banda de cualquier otra manera parece una completa pérdida de tiempo.
Perry enmarca el pavimento como una banda de protesta, y eso es cierto. El cantante principal Stephen Malkmus y el guitarrista Scott Kannberg (más a menudo conocido como "Spiral Stairs") formaron la banda después de la universidad, reclutando a Bob Nastanovich, Mark Ibold y, finalmente, Steve West, quien reemplazó a Gary Young en la batería después de su primer álbum. El pavimento era una banda de niños universitarios, y ciertamente se quedaron del centro (más recientemente, Malkmus ha sido un ruidoso defensor de Bernie Sanders), pero sus letras nunca fueron realmente políticas. Es difícil de entender, incluso ahora, de qué se tratan muchos. Busque un subtexto profundo y rara vez lo encontrará. El manifiesto no importaba, y el pavimento no representaba nada, solo en su contra. El encogimiento de hombros era el punto.
‘Presence’neon
"Presencia" (Neon, en los cines el 24 de enero)
La presencia de una cámara cambia las cosas. Dejando a un lado los actores entrenados, la mayoría de las personas se sienten lo suficientemente incómodas con el conocimiento de que hay una lente en la cara de que cambiarán su comportamiento a su vez. Los fantasmas, mientras tanto, observan sin ser notados, con solo unas pocas almas sensibles capaces de discernirlos en absoluto. El último experimento cinematográfico de Steven Soderbergh combina los dos, filmando una historia de la casa embrujada desde la perspectiva del espíritu.
Los fantasmas están vinculados a una ubicación, y también lo es la "presencia". La película se lleva a cabo completamente dentro de los confines de una hermosa casa centenaria, más lejos que los personajes obtienen el camino de entrada, que la cámara observa ansiosamente a través de una ventana como un perro que espera el regreso de su familia. La película se desarrolla en una serie de tomas individuales, que siguen a los personajes de la casa y los miran desde los armarios y esquinas de varias habitaciones. Cuando un objeto flota en la habitación, la cámara se mueve con él; Cuando los personajes hablan entre sí, gira de un lado a otro entre ellos.
El punto de vista en primera persona, las tomas de seguimiento continuo y la falta completa de tomas inversas le dan a "Presencia" la sensación de un videojuego o una experiencia de realidad virtual inmersiva. El hecho de que todavía funcione como una película es un testimonio de la cohesión del elenco y el equipo, con Soderbergh sirviendo como operador de cámara y director. No es una película de metraje encontrada: nuevamente, la cámara no es realmente una cámara, sino los ojos de una "presencia" en el hogar. Pero juega como uno, que encadena fragmentos de conversación y eventos aislados separados por unos pocos cuadros de negro.
"Riefenstahl" (Kino Lorber Films, TBD Theatrical Release)
Para algunos cineastas problemáticos existe la tarea mental de "separar el arte del artista". Y luego están los obstáculos intelectuales que necesitas para saltar para una apreciación estética de Leni Riefenstahl. El propagandista nazi fue absolutamente un innovador técnico, especialmente con su retrato documental de varias horas de los Juegos Olímpicos de 1936, "Olympia", estableciendo directamente tropos para filmar deportes para películas y televisión desde entonces, con el uso de un narrador, movimiento lento, Colocaciones de cámara únicas (incluso de un globo de aire caliente) y tomas de reacción de la multitud. El problema es que muchos de esos disparos de reacción de la multitud se centran en Adolf Hitler.
Y eso es incluso antes de considerar el "triunfo de la voluntad", el documental de Riefenstahl sobre la manifestación del Partido Nazi de 1934 en Nuremberg que enmarca inequívocamente a Hitler en tiros de ángulo bajo contra el cielo como una figura heroica. O el hecho bien documentado de que ella pudo haber sido su cineasta favorita, y que pasaron un tiempo significativo juntos. Que hizo más para glorificar y popularizar el régimen nazi en la película que nadie.
Con su nuevo documental "Riefenstahl", Andrés Veiel se propone ofrecer una perspectiva diferente sobre su tema: glorificarla a su riesgo. Trabajando con la productora Sandra Maischberger, quien obtuvo acceso a la herencia de Riefenstahl después de la muerte del director en 2003 y la muerte de su compañera de vida en 2016, Veiel construye una narrativa que muestra cómo la cálida recepción de Riefenstahl en las décadas posteriores al final de la Segunda Guerra Mundial se cultivó activamente. Y muchos lo compraron.
"Las cubiertas"
"The Showds" (Sideshow y Janus Films, TBD Theatrical Release)
Inspirado por la pérdida de la esposa del director, "The Showds" es una historia de duelo, ya que solo David Cronenberg pensaría disparar a uno: sardónico, poco sentimental y, a menudo, tan cadáveramente rígido que la película en sí parece estar sufriendo de rigor mortis, como Si sus imágenes murieron en algún momento en su breve viaje desde el proyector hasta la pantalla. Y realmente, ¿qué más esperarías? Supongo que es posible que el contexto profundamente personal de la historia haya estimulado a Cronenberg a impulsar la tierna esterilidad de sus características recientes, o incluso se atreve a exponer el bajo vientre que siempre se ha escondido dentro de su tumoroso cuerpo de trabajo y sus muchas capas de miedo- Hermosa carne nueva. Si es así, casi inmediatamente queda claro que tenía cero interés en aceptar esa invitación.
Una película por excelencia tardía de un artista que siempre se ha adelantado a su tiempo, "The Showds" es Cronenberg en su forma más inhóspita; En lo que respecta a la disponibilidad emocional y el atractivo comercial del proyecto, hace que los "crímenes del futuro" parezcan "Barbie" en comparación. Y, sin embargo, como con muchas de las películas más resonantes de Cronenberg, su frialdad de una morgue finalmente se revela que es profundamente reconfortante hasta cierto punto, si no mientras lo miras, entonces tal vez cuando sus grandes ideas comienzan a filtrarse en tu hueso médula durante los días y semanas que siguen.
Entre su lucha paranoica de una trama y un protagonista que se vuelve cada vez más difícil ver como algo más que un avatar para su autor, "las cubiertas" se presta a una especie de apreciación retrasada; Su historia solo tiene sentido con la perspectiva separada que podría comenzar a desarrollarse en el tiempo entre la muerte de un ser querido y el funeral en el que están enterrados. El cuerpo es realidad, a Cronenberg le gusta decir, pero ¿qué pasa con esa realidad cuando el cuerpo en cuestión está enterrado seis pies bajo el suelo?
"On Swift Horses" (Sony Pictures Classics, TBD Teatrical Release)
"Un jugador solo tiene una obligación: mantenerse informado".
Cuando Julius (Jacob Elordi) dispensa esta sabiduría a su cuñada Muriel (Daisy Edgar-Jones), aparentemente está hablando de hacer trampa en los juegos de cartas. Pero en "On Swift Horses", sus palabras causan ondas debajo de la superficie en una familia improvisada donde casi todos viven una mentira. Es un jugador adicto a los máximos de la vida, atravesando casinos del desierto para perseguir la emoción de robar un dinero rápido y conexiones fugaces con amantes gay. Y es una mujer casada cuya atracción con otras mujeres se está volviendo cada vez más difícil de ignorar, lo que la lleva a comenzar a apostar a los caballos para financiar el tipo de vida doble que está empezando a sospechar que necesitará. Al igual que las polillas para duelo de llamas, siempre se sintieron atraídos el uno al otro en una relación que borrosa la línea entre familiar y sexual, pero a medida que los dos jugadores mantienen los ojos bien abiertos para obtener información, cada uno comienza a sospechar que el otro podría compartir en su más estrecha. -Secretado guardado.
Elordi y Edgar-Jones encarnan a la perfección las dos almas perdidas, cada una jugando con sus propias fortalezas mientras permanecen conectados por un hilo invisible de dolor común. Elordi juega con el tipo fuerte y silencioso, haciendo alarde de su fachada sexy mientras revela interminables cantidades de dolor detrás de sus ojos. Y Muriel de Edgar-Jones es una personalidad cuidadosamente fabricada que siempre camina sobre cáscaras de huevo, sin ser su verdadero yo por el temor de que una sombra que acecha a la vuelta de la esquina esté esperando atraparla en el acto. Sin embargo, la alegría que ambos emiten cuando están juntos, incluso en momentos platónicos, los llena con un sentido de agencia y humanidad que a menudo evade personajes en las piezas del período queer que se inclinan demasiado en el porno de sufrimiento.
‘Viet y Nam’cannes
"Việt y Nam" (Liberación de la cadena, TBD Teatral Libinal)
La segunda característica, excluyendo un crédito en una antología, por el escritor/director Truong Minh Quy ("The Tree House"), "Viet and Nam" es un romance extraño que ha demostrado ser controvertido en casa no para sus personajes, sino por sus Representación de "una visión sombría, bloqueada y negativa" sobre el país y sus ciudadanos, según una carta oficial del departamento de cine de Vietnam.
Si bien está lejos de las películas más alegres, este es un destino curioso para un drama sensible y de transfijo que muestra aún más los talentos de uno de los cineastas modernos más emocionantes de Vietnam. La película aparentemente está ambientada en 2001, ya que alguien hace referencia a las noticias esa mañana y ver un avión que golpea un rascacielos en Nueva York. Pero entre las influencias citadas en el inicio de la característica se encuentra un incidente de 2019, cuando 39 migrantes vietnamitas fueron encontrados muertos en un camión refrigerado en Essex, Inglaterra. La emigración a través del tráfico está alineada para uno de los protagonistas de la película, aunque un prólogo siniestro y abstracto establece un tono cargado de fatalidad para el viaje eventual que no va a planificar.
Filmada en 16 mm, la película se abre en Black Near Pitch, ya que lo que casi parece que los copos de nieve comienzan a caer cuando se puede escuchar el sonido de los pies que caminan a través del agua. Un hombre joven aparece desde la oscuridad, lentamente haciendo su camino diagonalmente a través de la pantalla desde la esquina superior derecha hasta la parte inferior izquierda. A medida que se acerca, su respiración suena más pesada, vemos que lleva a un hombre sin camisa sobre su espalda; Ambos hombres parecen ser manchados en una sustancia negra. No podemos decir exactamente dónde están estos dos, ni ver adecuadamente el agua que hace ese ruido a medida que se hacen los pasos, pero está muy claro que esta ubicación está inundando.
"Vulcanizadora" (Factory 25, TBD)
La vida viene para todos, incluso cineastas más holgantes. El incondicional independiente Joel Potrykus, con sede en Michigan, siempre ha explorado la soledad en su trabajo, pero su último, "Vulcanizadora", presiona una variante particular de mediana edad. Esta es la alienación de los padres divorciados que se separan de sus hijos; El infierno existencial de saber que has cometido errores y que no hay nada que puedas hacer para cambiarlos. De alguna manera, esta es la versión de Potrykus de "Sin salida".
Para subrayar el paso del tiempo, "Vulcanizadora" revive a los personajes Potrykus y su musa Joshua Burge interpretaron en "Buzzard" de 2014. Diez años más tarde, Marty Jackitansky (Burge) y Derek Skiba (Potrykus) son los mismos adolescentes cubiertos de vegetación que alguna vez fueron, incluso cuando sus circunstancias han cambiado. En algún momento de la última década, Derek se casó, tuvo un hijo y luego se divorció. Mientras tanto, los delitos menores de Marty se han intensificado, con consecuencias que son más difíciles de escapar que las de su esquema de fraude de cheque en "Buzzard".
Durante su primera media hora, "Vulcanizadora" es una película típica de reunión de Potrykus, siguiendo a Marty y Derek mientras caminan hacia el bosque hacia un destino poco claro. Si presta atención, Potrykus y Burge revelan pistas sobre qué, exactamente, estos tipos están haciendo aquí mientras caminan, aparte de volar M-80 y desenterrar revistas porno mohosas, por supuesto. Pero estos sugerencias se barren en el río de las bromas de chóvenes fríos y entrañados que fluye de la boca de Potrykus. Burge, su rostro es tan expresivo como siempre, en su mayoría solo escucha.
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