In Wes Craven’s “Scream” — not quite the definitive horror movie but certainly the definitive account of horror fandom — final girl Sidney famously responds to the question of whether she likes scary movies with a resounding no. “What’s the point? They’re all the same,” she says through the phone to the movie’s slasher. “Some stupid killer stalking some big-breasted girl who can’t act who is always running up the stairs when she should be running out the front door.”
Her complaint acts as a clever joke about the stale state of the mainstream slasher genre that Craven was riffing on (and unintentionally revived) through his But it’s also a nod toward the less-than-flattering viewpoint that gatekeepers and non-horror aficionados have toward the genre, as a playground for cheap and easy B-movies and formulaic jump scares.
Cualquiera que se sumerja en la historia del horror sabrá que ese ciertamente no es el caso. Arraigados en clásicos de cine silenciosos como "El gabinete del Dr. Caligari" y "The Phantom Carriage", el género de terror abarca características de criaturas campy, festivales de choque de explotación, terror psicológico cerebral, creaciones de Cronenberg para el vómito que induce el vómito. , y una docena de otras microcategorías más allá de las películas sobre un acosador con un cuchillo y un rencor. Y eso no es para descontar las películas de Slasher que ofrecen algo fascinantemente nuevo y original.
What makes a horror film a part of the genre thus has relatively little to do with its actual content and everything to do with what it provokes within its audience. Making a truly scary movie — one that burrows into your mind and delivers a sense of unease that can’t be forgotten — is a task that requires much more skill behind the camera than it is often given credit for, and the best horror movies have a craft to them that stands up to any auteur project or Oscar Best Picture winner. It’s no surprise that the genre has such a passionate, devoted following of film geeks that regularly turn out for new releases — when a horror movie is great, there’s no experience quite like it.
In building IndieWire’s new list of the greatest horror movies ever made, we opted to omit some films that straddle the nebulous line between the horror and thriller genres. We paid attention to selections that paved the way in innovations for the genre and for filmmaking as a whole, as well as to modern classics that bring something new and brilliant to the canon today. What every film on this list has in common is that their horrors are more than just boogeymen and spirits projected upon a silver screen, but a conduit into which deeper real-life fears are made manifest. From social discontent to primal fear of the unknown, horror is a genre that reflects on humanity’s most potent paranoia, and the eternal darkness that rests within us. Read on for our list of the 100 greatest horror movies ever made.
With editorial contributions from , , , , , , , , , , and .
100. “I Saw the TV Glow” (dir. Jane Schoenbrun, 2024)
La mejor película de terror de la década de 2020 hasta el momento, "Vi el brillo de la televisión" es tan cautivadora, particularmente porque se niega a hacer el horror de su premisa central universal. Claro, muchos fanáticos del terror pueden relacionarse con la experiencia fuera del cuerpo y la búsqueda interminable de escapismo de que los dos protagonistas adolescentes Owen (Justice Smith) y Maddy (Brigette Lundy-Paine) experiencia, enterrándose del tormento y la tristeza de su Small Town vive obsesionando la mitología de su programa de televisión favorito "The Pink Opaco". Y, sin embargo, cuando la directora Jane Schoenbrun se burla de la conexión más cósmica de los dos con la serie, la metáfora del despierto trans, y el deseo de negar y huir de ella, se vuelve demasiado clara. Una producción elegante que presenta una banda sonora de canciones de artistas pop como Yeule y Caroline Polacheck, "I Sir The TV Glow", sin embargo, se siente como un proyecto de bricolaje de un artista queer en su corazón, y su aspecto inquebrantable en todas las formas en que la gente enterran Lejos sus identidades y su decadencia en el proceso es devastador para presenciar._—WC_
99. “The Descent” (dir. Neil Marshall, 2005)
El infierno es otras personas, y eso puede incluir tanto a tu mejor amigo como a las formas de vida genéticamente mutadas que se han adaptado a la vida en las cavernas subterráneas, como los spelunkers valientes en esta obra maestra de terror descubren su consternación. La belleza de "The Descent" es que aterroriza en dos niveles: el horror de las criaturas de oyentes ciegas pero talentosas atacando y el horror de estar atrapado en una caverna que nadie sabe existe, con todos los peligros que incluyen. La película de Neil Marshall es bastante inquebrantable, pero mira el final original, británico y no el americano suavizado que condujo a una secuela muy mediocre. Dolerá más de esa manera._—MP_
98."A Nightmare on Elm Street" (Dir. Wes Craven, 1984)
Iconic. It’s an overused word, but there’s no other way to describe Wes Craven’s dreamy, brazen classic that is equal parts jaw-dropping (Johnny Depp and the vortex of blood!) and side-splitting (that Ronee Blakely blow-up doll!). Even now, the film holds up entirely because of the performances of Heather Langenkamp as Nancy and Robert Englund as Freddy, the duo locked in an eternal battle so compelling that Craven ultimately wrote a meta sequel for them to star in as themselves (that would be ‘Wes Craven’s New Nightmare’). Go rewatch it and zero in on the supporting actors, all of whom deliver rich performances. And ask yourself: What the hell did Nancy’s mom do to deserve keeping that razor glove trophy? —MP
97. “Altered States” (dir. Ken Russell, 1980)
Una de las películas de terror más audaces y experimentales de los años 80, los "estados alterados" de Ken Russell es tanto una experiencia visual y auditiva como una película adecuada. Dicho esto, cuelga bien como una narración, gracias en parte a la tremenda representación de William Hurt de un científico cuyo control sobre la realidad se afloja gracias a un experimento peligroso. Si bien muchos fanáticos de Horror más extraños podrían describirse como trippy, rara vez es tan literal como en "estados alterados", donde dicho experimento es la ingestión de una droga hecha de los hongos sagrados de una tribu extinta primitiva. Lo que hace que la película sea un viaje tan agradable es cómo, a medida que Jessup de Hurt se convierte psicológicamente, se desvía del horror alucinatorio al horror corporal, proporcionando un nivel de versatilidad e imprevisibilidad muy pocas películas del género pueden igualar._-WC_
96. “When a Stranger Calls” (dir. Fred Walton, 1979)
Los primeros 23 minutos de "When a Stranger Calls" son tan grandes: la escena de apertura de "Scream" es una estafa reconocida de esta secuencia escalofriante, la reputación del resto de la película puede haber sufrido en comparación. Esta es una película extraña, Hodgepodge, una película de terror que te hace sentir cosas, incluida la empatía por su monstruoso villano, que la mayoría de las películas de terror no.
Carol Kane plays a babysitter looking after the kids of a wealthy couple having a night out. Suddenly, she starts getting phone calls asking her to “check the children” and threatening their lives. She calls the police, and finally they tell her “the calls are coming from inside the house,” coining an everlastingly enduring phrase. Yep, the killer was already upon them…
Think of “When a Stranger Calls” as a triptych: The first part is pure Hitchcockian suspense, the third part is like a John Carpenter battle royale showdown. And the second part, the middle part, that’s where things get tricky, and is the reason why many critics have slept on this singular movie. The middle part of “When a Stranger Calls” sees the killer (Tony Beckley) escape from prison after some years and him trying to act “normal” in Los Angeles, where he romantically pursues a woman at a bar played by Colleen Dewhurst. Suddenly it’s not a horror movie at all but something almost Bergmanesque, a relationship study of pathos and pity. It’s just about the most a horror movie, or any movie, has ever asked you to empathize with a child killer. And Beckley’s withered frame (the actor died of an unknown illness just six months after the film’s release, and appears so gaunt there’s some suspicion he may have been an undiagnosed early AIDS victim) is unforgettably chilling. For some, this middle section — moody in its inhabiting of a particularly industrial and offputting L.A. — may be where “When a Stranger Calls” falls apart. True aesthetes will recognize this section as elevating the entire movie to true greatness. —CB
95."The Black Cat" (Dir. Edgar G. Ulmer, 1934)
“Suggested by” and not “adapted by” the Edgar Allan Poe short story of the same name, Edgar G. Ulmer’s Universal Pictures box office hit is really just a wholly original story made for the purpose of getting two horror icons on the same set together. Frankenstein’s Monster Boris Karloff and Dracula Bela Lugosi unite to play rivals in the first of eight movies that would pair them. Lugosi is a mysterious psychiatrist who, with an innocent American couple serving as the audience surrogates in tow, arrives during a cold dark night at the remote Hungarian mansion of Karloff’s menacing architect to settle some unfinished business and uncover a satanic scheme. Thin at a little over an hour, “The Black Cat” nonetheless has a huge place in horror history as an early film to emphasize atmosphere and human cruelty over monsters to create terror. And Karloff and Lugosi are dynamite together, supplying both camp and sincere pathos in equal measure. —WC
94. “The Devil Rides Out” (dir. Terence Fisher, 1968)
Hammer Films tiene una legendaria cartera de películas de terror góticas de hecha a bajo precio, pero ricamente contó Gothic Horror Films, desde adaptaciones de Frankenstein y Drácula hasta obras originales. La joya de la corona de la compañía puede ser "The Devil Rides Out" de Terence Fisher, una mirada más oscura y seria de la espiritualidad que la mayoría de la producción de la compañía. El ícono del género Christopher Lee interpreta a un duque que llega a una fiesta lanzada por su antiguo protegido, solo para descubrir que el evento es una reunión para una intención de culto satánico de iniciar a una joven inocente. Ver a Lee interpretar a un héroe inequívoco es un grito, pero "The Devil Rides Out" tiene éxito porque combina todos los grandes tropos de terror de martillo, desde sus villanos crepitantes hasta imágenes espeluznantes, con una historia que se burla del mal más allá de la comprensión humana._—WC_
93."The Brood" (Dir. David Cronenberg, 1979)
The Canadian maestro David Croenenberg delivered an impressive triptych of frosty horror in “Shivers/They Came from Within,” “Rabid,” and “The Brood” to close out the 1970s and launch himself as one of the premiere horror auteurs the world over. Each deal with very real human issues, given a body horror translation that makes a degree of sense: “Shivers” is about a plush high-rise condo overcome by an invasion of parasites that no luxuries can defend against; “Rabid” literalizes fears about sex workers being a vector for STDs, by having a sex worker be the host for a lethal being that kills predatory men; and “The Brood” might be the most polished and affecting of the bunch.
Oliver Reed, siempre uno de los mayores avatares de masculinidad tóxica del cine, interpreta a un psiquiatra de la charla que ha presentado una forma para que sus pacientes manifiesten sus traumas pasados: sus arrepentimientos, la negligencia que sufrieron de padres, varias ansiedades, como manifestaciones físicas en sus cuerpos. Samantha Eggar juega a una mujer severamente perturbada tan controlada y definida por su dolor psíquico que considera los crecimientos en su cuerpo (que finalmente existen independientemente de ella como una "cría" ultra violenta de, aparentemente, niños) como sus "hijos". En realidad, hay mucho que desempaquetar aquí sobre cómo elegimos activamente aferrarnos a la negatividad, cómo las emociones y los recuerdos a la baja pueden ser preferibles para que muchos se aferren a la felicidad. Es típico de la combinación de ideas altamente inteligentes de Cronenberg y imágenes muy desagradables que desarrollaría aún más en obras maestras de los 80 como "VideOdrome" y "The Fly"._—CB_
92. “The Fog” (dir. John Carpenter, 1980)
“A celebration of our past!” reads the banner hanging over the town of Antonio Bay, California. Uncritically celebrating the past can be fraught in the best of circumstances, but especially when that celebration is of the 100th anniversary of a town literally founded on murder and theft. A century ago, the settlers of the northern California town lured a ship full of lepers to their doom and stole their gold to build Antonio Bay from nothing themselves. Now, as the centennial celebrations commence, the ghosts of those deeply wronged have come back for vengeance.
El seguimiento inmediato de Carpenter a "Halloween" es un poco desviado: una historia fantasma abstracta sobre las mentiras que nos contamos, representadas con una atmósfera excepcional. Desde el primer momento cuando un pueblo de la ciudad comienza a relacionar la historia del barco condenado, "la niebla" adopta el placer de una historia que le contó a ‘Round una fogata. El estado de ánimo es el tema de la película, realmente, ya que los fantasmas salen de la niebla para recuperar lo que es suyo y encontrar un elenco sensacional, incluida Adrienne Barbeau como una locutora de radio de voz sedosa cuya estación de transmisión está en un promontorio sin ninguna razón real Aparte de eso, es atmosférico, así como Hal Holbrook, Jamie Lee Curtis y Janet Leigh. Esta es una de las grandes representaciones del cine del pasado que pesa sobre el presente._—CB_
91."Anillo" (para aquellos que son más caros, 1998)
The Americanized, PG-13 remake is solid, and perhaps better known today. But the original “Ringu” that kickstarted America’s brief interest in Japanese horror is still superior, a brilliant blend of dark folk tales with modern technology that generates suspense through what happens on the margins of the story. Hideo Nakata’s film tells the classic story of a reporter (Nanako Matsushima) who stumbles upon a cursed video tape that dooms those who watch it to die in seven days, connected to the death of a young girl named Sadako. The twist of the film has long since been spoiled, but that doesn’t erase the power of the all-time horror image of Sadako crawling through the TV, or the devastating nature of the ending, which asks tough questions about what depths you’d sink to in order to save the people you love. —WC
90. “The Addiction” (dir. Abel Ferrara, 1995)
Parece obvio, en retrospectiva, cuán potente puede ser una metáfora de la adicción la sed de sangre de un vampiro. Y sin embargo, muy pocas películas en el género se han molestado en abordarlo, aparte de "The Adicción", la película indie filosófica de Abel Ferrara sobre un estudiante graduado (interpretado por un excelente Lili Taylor) se convirtió en un vampiro. Introvertida y un poco incómoda, la experiencia transforma a la joven por completo, ya que desarrolla una sed de sangre y una actitud más agresiva y de confrontación que la aleja de sus compañeros. Ferrara no es sutil sobre cómo la necesidad de sangre actúa como una metáfora de una adicción más humana en la película, explorando cómo el antojo transforma a la joven y la deja destrozada con culpa después de cada bocado. La película incluye mucha sangre y violencia para los fanáticos del horror dentro de ella, pero sus reflexiones filosóficas sobre el pecado y la compulsión lo marca como un trabajo verdaderamente idiosincrásico._-WC_
![28 DAYS LATER, Cillian Murphy, 2002, TM