_Este artículo es parte de la celebración de Indiewire._
La década de 2000 fue un período de gran cambio tecnológico para. El auge del DVD trajo a la industria al oeste como nunca antes (mientras inspiraba el dinero occidental junto con él), y la animación tradicional de CEL comenzó a ser asumida por completo por la pintura digital, mientras que muchos artistas continuaban explorando las posibilidades de CGI; Según el autor de "Anime: A History" Jonathan Clements, el último anime animado de Cel fue "Sazae_–\_san_“\_ .
Ciertamente había mucho que gustar, ya que muchos creadores nuevos y muy influyentes estaban dando sus primeros pasos en la industria. En 2002, The Great creó "Voces de una estrella distante" casi por su cuenta. En otra parte, Hayao Miyazaki ganó el primer Oscar del anime para "Spirited Away", mientras que el fallecido Satoshi Kon surgió completamente como uno de los mejores y más prescientes cineastas del mundo con "Tokyo Godfathers" y "Paprika" (para no decir nada de su serializado "Agente de paranoia"). El nombre de Kon aparece en esta lista de las mejores películas de anime de la década, aunque puede notar la exclusión decidida de Studio Ghibli, que no es un golpe contra la producción de la compañía, sino un reconocimiento de su grandeza prohibitiva.
Otro trabajo importante también no hizo el corte, como el increíble cortometraje independiente de Koji Yamamura_"\_Monte. Cabeza ", anárquica" Hojas muertas de Hiroyuki Imaishi_, \_ “Acción más sencilla como el resbaladizo samurai filmando“ Espada del extraño ”. Pero, sin más preámbulos, aquí están las mejores películas de anime de la década de 2000, desde vaqueros espaciales y actrices solitarias hasta robots, princesas y gasolina, presentadas en orden cronológico.
"Cowboy Bebop: The Movie" (2001)
"Cowboy Bebop: The Movie"
Narrativamente situado entre episodios del amado "Cowboy Bebop", "Cowboy Bebop: Knockin on Heaven’s Door" (como se llamaba en Japón) se expande en la deliciosa combinación de historias de género elegantes y cinéfílicas con una colorida tapiz de cultura internacional.
"Bebop" tiene lugar en un futuro fascinante con elementos que se sienten cerca de casa, uno en el que la Tierra se ha convertido en un páramo estéril por la negligencia corporativa y la humanidad se ha emigrado principalmente a Marte. El planeta rojo ahora es un simulacro de la tierra como lo es ahora, con diferentes comunidades e incluso climas muy cerca entre sí. Los héroes trabajan en una economía de concierto para "Cowboys" (el lenguaje del programa para los cazadores de recompensas), la caza de recompensas es lo que atrae a este elenco principal de inadaptados solitarios. En la película, Spike, el Charlatan Faye Valentine, el ex jet-cop, el joven hacker ed y el Corgi Ein Chase un nuevo objetivo, un ex soldado llamado Vincent que traza para lanzar una biowapon en Halloween.
Comienza como lo que podría ser un episodio típico de "bebop", con el relajado y perpetuamente roto cazador de recompensa Spike Spiegel Cooly caminando a través de una brutal pelea con el poder y la fluidez al estilo de Bruce Lee. El principal indicador de que este es un nuevo territorio es visual, a través de la relación de aspecto ampliada de la película y la emulación más aparente del lenguaje cinematográfico. Una secuencia de apertura impresionante de Hiroyuki Okiura, llena de una animación tan realista que es difícil creer que no es rotoscopada, vuela más hacia un espacio inexplorado, dejando atrás el jazz acelerado de su prólogo de algo más lento y más deliberado, reflejado de El tiempo extra que la película tiene a su disposición.
"Knockin on Heaven’s Door" ha sido criticado por tocar como un "episodio largo" de la serie, pero a mis ojos es más una característica que un error; El programa fue diseñado en torno a contar historias independientes de todos modos, y la película nunca sufre realmente de un sentido de_demasiado_Descompresión, ya que cose secuencias de acción excepcionales junto con el trabajo de personajes que elabora en sus respectivas crisis existenciales, al tiempo que les sirve como una pequeña despedida para ellos (la película lanzada después de la serie había concluido de manera bastante decisiva). Y las cosas que son geniales sobre la serie también están intactas aquí: el puntaje de Yoko Kanno y los cinturones de seguridad es más pegajoso que nunca ("¡¿Qué planeta! ¿Es esto?"), La acción se mueve entre las peleas de puño encantador , y todo sigue siendo fresco y elegante en todo momento.
“Crayon Shin-chan: La tormenta llamada: El imperio adulto retrocede " /" Crayon Shin-chan: ¡Fiercidad que invita a Storm! El imperio para adultos retrocede ”(2001)
"Crayon Shin-chan: la tormenta llamada: El imperio adulto retrocede"
"Todos quieren volver al siglo XX", reflexiona al villano del lujoso "Crayon Shin-chan: La tormenta llamada: El imperio adulto retrocede_.”_Incluso el guiño a "Star Wars" se siente como una acusación puntiaguda de nostalgia cultural en una película que bromea sobre TheObsession con ese momento particular en el tiempo.
El director Keiichi Hara, quien también dirigió gran parte del programa de televisión en el que se basó esta película, explora un agotamiento con el consumismo, y una nostalgia relacionada por el período de auge económico de Japón, antes de que la burbuja estalló en la "década perdida". Lleva el nombre de su personaje principal, un niño de cinco años llamado Shinnosuke, esta película de "Shin-chan" N toma ese optimismo crateral, y lo convierte en parodia a través de un riff de "aranceles corporales" donde los padres de la ciudad de Kasukabe están poseídos por un fragancia que les recuerda el pasado. Al ver la película hoy, su parodia suena igualmente verdadera incluso fuera de ese contexto: también podría funcionar como un golpe en la cansada obsesión de Hollywood por recrear el pasado mediante la revivencia de las viejas franquicias como aproximaciones zombificadas de sus viejos seres, los adultos en la película de Hara desesperan a Aférrate a sus días de gloria volviendo a ver y recrear los medios que amaban.
Algunas de las referencias de guiñada de la película son más esotéricas que otras, y muchos juegos de palabras y bromas se pierden potencialmente en una audiencia no japonesa: algunos de ellos lo son, según los subtítulos en mi copia, básicamente imposible de control. Pero gran parte del absurdo de la película no necesita traducción, como la carnicería vehicular causada por un niño llamado Masao, o el muy claro envío de "Ultraman" que abre la película. Todo se ve a través de diseños de personajes encantadores e ásperos, con caras asimétricas, manos y pies crudamente dibujados y una línea intencionalmente tambaleante, los personajes frecuentemente aplanaron en el marco como si un niño de cinco años lo hubiera dibujado ellos mismos.
Incluso en medio de su caos, Hara deja espacio para una sensación sincera, particularmente en un montaje encantador y milagroso que representa al padre de Shin Hiroshi creciendo y recordando lentamente a su familia, mostrando la belleza del paso del tiempo que tal nostalgia puede cegarnos. Ver pasar los años en momentos dispersos se vuelve hermoso en lugar de doloroso, un interludio serio y conmovedor que revela el corazón latido de una película profundamente tonta.
"Metropolis" (2001)
'Metrópoli'
Si bien comparte un nombre con el Fritz Lang Classic, este anime de ciencia ficción del legendario Rintaro ("Galaxy Express 999") es en realidad una adaptación de un manga de Osamu Tezuka, comúnmente conocido como el "Giro" de la industria. Rintaro había trabajado en Mushi Productions de Tezuka hasta "Astro Boy_,_"Anda Making-of Documentary realmente señala que la solicitud de Rintaro a Tezuka para producir la película inicialmente había sido negada. (El documental también detalla algunas anécdotas divertidas sobre la combinación de Cel Animation y CG de la película, con los animadores de la computadora riéndose de Rintaro dando notas al usar un marcador mágico en sus monitores). Gracias a Dios, de todos modos se adelantó.
Hay otro nombre legendario en la ciencia ficción japonesa involucrada, con Katushiro Otomo de la fama "Akira" que escribe el guión. También es un territorio cómodo para él: una opulenta distopía urbana donde décadas de acaparamiento capitalista amenazan con derribarse en una población asediada e inquieta.
Todavía hay una superposición temática con la película de Lang, ya que esta "megalópolis" también tiene lugar en una megacidad art deco, dibujada con detalles intrincados, donde la estructura misma refleja su corrupción y jerarquía social forzada (las clases trabajadoras viven en el nivel inferior). En la parte superior de esta pirámide social está Duke Red, quien ha encargado a un médico criminal buscado que haga una réplica de Android de su difunta hija, se puso a trabajar en concierto con el "Ziggurat", un rascacielos gigantesco que también es una súper arma. El Android, llamado Tima, escapa y se vuelve cercano con Kenichi, el sobrino de un detective que busca el creador de Tim. A partir de ahí, el cuento gira en una compleja red de intriga, y el tono oscuro de la película está casi completamente oscurecido por su abrazo sincero de los diseños de dibujos animados cursi y clásicos extraídos del trabajo de Tezuka. Es un testimonio de las ideas de Tezuka, así como Rintaro y La interpretación de Otomo de ellos, que esta película todavía se siente como el futuro.
"Actriz de Millennium" (2001)
"Actriz Millennium"
La filtrografía del difunto Satoshi Kon es trágicamente corto pero poderoso: un cuarteto de clásicos instantáneos unidos por el humanismo en bruto y una fascinación compartida con la forma en que nuestras mentes están moldeadas por la interacción entre los medios y la tecnología. Su segunda película, "Millennium Actriz", sigue a un equipo documental mientras entrevistan a la antigua actriz de pantalla Chiyoko, un personaje ficticio basado en una amalgama de las queridas estrellas japonesas, Setsuko Hara, la mayoría de todo.
Las películas de Kon han desarrollado una reputación de guiones de guiones increíblemente meticulosos, y por jugar con el potencial de Animation para eliminar el límite entre los sueños y la "realidad". En "Millennium Actriz", ese espíritu creativo asume una suavidad que afirma la vida al colapsar la biografía personal de Chiyoko y su cuerpo de trabajo en una sola narración, con escenas de sus películas que sirven como ventanas en diferentes momentos de su vida. En un momento, Chiyoko podría estar en una película de Kaiju que ilustra cómo cayó en películas básicamente por accidente, la siguiente en un homenaje al "Trono de la sangre" de Kurosawa, mientras que su personaje describe la escena como si fuera un recuerdo de su propia invención. Con la elegancia de su edición y el peso de su animación, Kon elimina la diferencia entre las historias de duelo de Chiyoko hasta que todo lo que importa es lo que podría haber sido real para ella y cómo. Ese realismo emocional se hace aún más por el éxtasis del estilo de Kon, que incorpora estampados de bloqueo de madera, arte propagandista y una variedad de otras modalidades visuales a medida que avanza a través del tiempo. Todo se acumula en una imagen inquietante de la relación entre el artista y la audiencia, tanto la belleza de la persecución como el resultado que captura expresado con una fluidez que solo la animación podría esperar darse cuenta.
"Princesa Arete" (2001)
"Princesa Arete"
Desde sus vagas alusiones hasta la "Bella Durmiente" y Rapunzel y el cuento popular de la princesa Kaguya, hasta los colores desvaídos y el aspecto desgastado de su diseño de producción, "Princess Arete" se sentía para sentirse viejo. Escrito y dirigido por Sunao Katabuchi ("En este rincón del mundo") con la animación del Studio 4C, el lanzamiento clásico de la película a la Edad de Oro Disney y las películas de anime de los años 60 y 70, pero con una moderna sensación de subversión. Parte de esa modernidad también se muestra en las imágenes, aunque "Arete" se ve y se siente tradicional, en realidad lo fue.
Comienza con una presunción clásica de cuento de hadas: el de una joven princesa aislada en una torre, esperando a sus pretendientes mientras permanecen protegidos. Aburrida con los confines húmedos de su habitación, con frecuencia se escabulle en el bullicio de la ciudad e incluso a otras partes del castillo, buscando un propósito que no sea un premio a ganar. La búsqueda del tesoro (que recuerdan a las persecuciones de ganso salvaje del mito de Kaguya) simplemente entregan más riqueza en las manos de los ministros del país, que acumulan el botín. Incluso los cuentos de valor traído por uno de los cazadores de tesoros le inquietan: su primer visitante por la noche es un ladrón, el otro como mentiroso.
La película de Sunao Katabuchi es tranquila y deliberada, bellamente sonora y contada con paciencia mientras considera y reconfigura estas convenciones. "Dormiré aquí esperando un noble valiente y valiente para despertarme con un beso", piensa Arete después de ser secuestrada por un mago, pero opta por salvarse, relatando su propia historia como un cuento de hadas y recordar su envidia de la envidia de la Personas fuera de su ventana que tienen una identidad y persiguen todos los suyos. El viaje hacia su propia autorrealización es duramente ganada, ya que pasa de una jaula dorada a una menos decorada antes de encontrar la libertad, pero Katabuchi lo convierte en gran sensibilidad y belleza.
"Vampire Hunter D: Bloodlust" (2001)
"Cazador de vampiros D: sed de sangre"
El director Yoshiyaki Kawajiri se hizo un nombre en películas de género sórdidas en los años 80, y mientras "Vampire Hunter D: Bloodlust: Tones Down, el título debería ser una pista sobre cómo se trata de un viaje de incrementos. Aún así, es suficiente para que sea una recomendación más fácil, especialmente porque la película no se sembra nada del estilo de Kawajiri en el camino.
La película se basa en una serie creada por Hideyuki Kicuchi y Yoshitaka Amano de Final Fantasy en una novela de 1983, sus libros que contienen varios cuentos de terror que involucran al cazador de vampiros estoicos simplemente llamado D-Half-humano, medio vampiro. Una película anterior, Vampire Hunter D_,_se había lanzado en la década de 1980, y aunque también vale la pena ver la película de 2001 de Yoshiyaki Kawajiri se siente bastante separada, sigue a D, asumiendo un contrato para encontrar a una mujer secuestrada por un vampiro, teniendo que defenderse de los contratistas competidores al mismo tiempo. El giro principal de la ficción de vampiros regulares es su entorno futurista, uno en el que los vampiros se han hecho cargo a raíz del colapso social, su arquitectura es una combinación de palacios en descomposición y hermosos toques austeros de ciencia ficción.
En un folleto que acompaña al lanzamiento limitado del anime de la película, Andrew Osmond destaca el "elenco anglófono" de la película, señalando que el diálogo inglés se grabó primero en un cortejo bastante evidente de una audiencia internacional y que "la historia de la película está vinculada con la historia de la historia de anime como exportación extranjera ". Más allá de su importancia histórica en la relación entre el público occidental y el anime, también es simplemente una pieza de pulpa de género increíblemente genial, una combinación embriagadora de horror gótico con una locura postapocalíptica.
"Ghost in the Shell 2: Innocence" (2004)
"Ghost in the Shell 2: Innocence"
“Ghost in the Shell 2: Innocence "es en realidad el tercero de su tipo, el director Mamoru Oshii ha hecho un hábito de hacer secuelas extrañas e introspectivas para sus obras más populares. Comenzó con el sueño surrealista de "_”_y continuó con el procedimiento descomprimido de "Patlabor 2: The Movie", este último se siente como un precursor directo del maldito detective de "inocencia". Si el primer "Ghost in the Shell" ya era lento y hablado, ya que invirtió fuertemente en la maniobra política de su entorno cibernético, "inocencia" se duplica en su existencialismo, con una ayuda adicional de melancolía para acompañarlo.
La secuela se lleva a cabo en el año 2032, cuando las mejoras cibernéticas y los compañeros robóticos se han arraigado en la experiencia humana. Esta película sigue a Batou, un agente de inteligencia y camarada de los principales, el protagonista que ahora falla de "Ghost in the Shell". Batou tiene la tarea de investigar una serie de asesinatos donde los escoltas de robots han estado asesinando a sus clientes a pesar de la incapacidad incorporada para causar daño. También todavía está de luto de su compañero perdido, y Oshii detalla ese dolor a través de una actuación increíblemente delicada y naturalista; Las escenas tranquilas de Batou que cuidan a su perro se representan con tanta complejidad como las piezas de acción explosivas. Aparte de una animación CG de principios de la década de 2000, es una película bellamente hecha y aún más ambiciosa que su innovador predecesor.
"Juego mental" (2004)
"Juego mental"
Veinte años a partir de este mes pasado, "Mind Game" sigue siendo una de las películas de anime más llamativas y experimentales jamás hechas. El debut cinematográfico del idiosincrásico Masaaki Yuasa enciende un fuego en la mente, su deslumbrante enfoque de medios mixtos empujando los límites de los estilos visuales comúnmente asociados con la palabra "anime". Se sintió, y todavía se siente, revolucionario.
Desde 2004, Yuasa se ha hecho conocida por su enfoque visual flexible, y el "juego mental" es la raíz de esto, un collage apasionado y emocionante de diferentes técnicas. Cualquier cosa va aquí, ya que la animación dibujada a mano con frecuencia cambia estilos, a veces incluso combinando recortes animados crudamente animados de las caras de los actores reales en cuerpos animados con sus imágenes expresivas y más tradicionales de lápiz y papel.
La historia errática de la película sigue a Nishi a través de los límites de la vida y la muerte, así como diferentes estilos de animación. Muere y vuelve a la vida, e incluso vive dentro de una ballena por un tiempo como un giro psicodélico en el Antiguo Testamento ". “Mind Game se destaca no solo para esta energía loca y la gran variedad en su estilo visual, sino también para cómo aplica esa expresividad a escenas más sensibles también. Quizás su secuencia más memorable es una escena de sexo que ve a sus dos amantes continuamente transformarse y derretirse entre sí, una exhibición impresionante y subjetiva de una sensación trascendental de cercanía. Que esta sensación de transformación constante se reúna en toda la película en toda su imaginación ilimitada es la razón por la cual el "juego mental" es un esencial absoluto de su década.
"La chica que saltó a través del tiempo" (2006)
"La chica que saltó a través del tiempo"
Mamoru Hosoda siguió a los productos básicos de la infancia "Digimon Adventure" y el breve de seguimiento de "Our War Game" con "The Girl Who Whuse Through Time", una especie de secuela de la novela (y 1983 Nobuhiko Obayashi Film) del mismo nombre . Con la fundación de su estudio Chizu, Hosoda se ha vuelto increíblemente prolífico en los últimos años, cada vez más reconocido por su interés recurrente en los dramas de fantasía sobre las unidades familiares e Internet ("Mirai", "niños de lobo", "guerras de verano"). Por el contrario, "la niña que saltó a través del tiempo" es un poco más una película tradicional de mayoría de edad, y también un poco más romántico.
La historia tiene lugar algún tiempo después de la "niña original que saltó a través del tiempo", ya que vuelve vagamente sobre su trama a través de nuevos ojos en un entorno contemporáneo. El liderazgo es Makoto Konno, quien hereda la capacidad de viajar a través del tiempo saltando literalmente, el acto mostrado a través de una continuación inteligente de la acción física desde el presente hasta el pasado. Makoto, por supuesto, usa el poder frívolo, ya que la usa principalmente para pasar las agonías de la adolescencia y hacer más karaoke. Es una historia divertida y empática sobre aprender a ver fuera de ti mismo, y también un punto de entrada perfecto para las películas de Hosoda.
"Redline" (2009)
"Redline"
Como un espacio exterior "Racers extravagantes_,”_El anime de gasolina de sangre caliente de Takashi Koike se convierte en un corredor de motor en un partido interplanetario de muerte a través del país que sigue un evento de reglas extremas: la "línea roja". El personaje principal, el ex JP, con su Pompadour de gran tamaño hilarantemente, se ha clasificado recientemente para el evento, que tendrá lugar en un mundo donde la raza es ilegal. La carrera de la "línea roja" está llena de personajes descomunales con autos trucos y una relación suelta con las reglas, la mayoría usa armas para obtener una ventaja. JP es la excepción, un purista que elige apoyarse en la habilidad como corredor, una mentalidad en desacuerdo con su carrera en la fijación de carreras para la mafia al comienzo de la película.
Un antagonista llamado "Funky Boy" y un planeta gobernado por robots fascistas llamados Roboworld se suman a la sensación de que Koike simplemente se está divirtiendo con él, y eso se encuentra en la estilización única de la película; Fue meticulosamente dibujado a mano durante 7 años con una línea de línea y sombras pesadas satisfactoriamente gruesas, sin mencionar una simulación intoxicante de velocidad de ampollas. Es cautivador ver cómo los vehículos de diseño salvaje se estremecen bajo la tensión de su propulsión, como en un momento temprano en que el muscle car de JP parece extenderse en el infinito mientras le alimenta la respuesta de ciencia ficción a Nitros. El resto de la película de Koike toma esa sensación y corre con ella con un efecto absolutamente sorprendente.