Cuando la editora en jefe de Indiewire, Dana Harris-Bridson, subió al escenario para abrir el futuro inaugural de Indiewire de la cumbre de cine, citó un pasaje de George Bernard Shaw que podría haberse escrito fácilmente sobre este momento específico en la historia del cine: “No pueden cambiar su Las mentes no pueden cambiar nada ".
Afortunadamente, la cita atemporal no describió a ninguno de los asistentes a la cumbre, que llenaron la habitación en NYA West en Los Ángeles un sábado por la mañana para saber a dónde podría ir la industria del entretenimiento a continuación. Desde el lanzamiento con IA hasta replicar la experiencia teatral en formatos digitales, el día se llenó de conversaciones sobre nuevos desarrollos cinematográficos que habrían parecido impensables incluso hace una década. La rica discusión y el entusiasmo ilimitado por las películas que llenaron la habitación dejaron en claro una cosa: el camino por delante podría ser incierto, pero la industria del cine contiene una pasión humana más que suficiente para iluminar el camino.
Indiewire comenzó su exploración del futuro mirando hacia su propio pasado, invitando al veterano de Indiewire convertido en veterano de Pixar Mike Jones a sentarse con Harris-Bridson para una amplia discusión sobre su viaje desde el guionista independiente hasta Pixar Guru.
Como aspirante a artista que trabaja en la escena cinematográfica independiente de Nueva York de la década de 1990, nunca esperó terminar en animación: mucho menos escribir éxitos como "Soul" y crear la próxima serie spin -off "Inside Out" "Dream Productions". Pero mientras miraba hacia atrás en su viaje, compartió una de las lecciones más importantes de su carrera: solo escriba lo que te apasiona. Jones explicó que sus primeros esfuerzos para regar su voz artística para hacerse más comercializable resultó inútil, y que solo logró el éxito principal de las ideas en las que él no se disculpaba. La conclusión era clara: las tendencias van y vienen, pero la necesidad de narración personal con una voz distinta es una de las verdaderas constantes de la industria del cine.
"Ninguno de esos guiones se hizo nunca, o incluso tan bien", dijo Jones sobre sus intentos de escribir comida comercial que no le interesara. “Y, sin embargo, los otros guiones que estaba escribiendo, las películas independientes más pequeñas, las películas de arte más pequeñas que estaba escribiendo, esas eran buenas. Y eso me daría el trabajo de Hollywood. Y yo, por alguna razón al principio de mi carrera, no pude hacer la conexión que lo que quieren es_eso_... Descubrí que las cosas que escribo bien se pueden poner en cosas que me emocionan de escribirlas, y eso hace que la audiencia emocione de verlas ".
Dana Harris-Bridson y Mike Jones Rich Polk
Los cuentos de Jones de sus primeros días para tratar de mover montañas para que los proyectos despiertos probablemente resonaron con muchos de los aspirantes a cineastas en la sala. Afortunadamente, es más fácil que nunca que los artistas traduzcan una idea en un lanzamiento visual. REBY SILLECMAN, Global Brand Partnerships para Canva, se unió al escritor/director Jeremie Cander, el productor Jonas Agin, el director Greg Barker y el productor y fundador de All Night Diner Nick Moceri para una conversación moderada por Alison Foreman de Indiewire sobre el estado actual de lanzamiento presentado por Canva.
"En Canva, comenzamos a asociarnos con la industria del entretenimiento hace casi dos años para empoderar a los cineastas y profesionales de entretenimiento emergentes y establecidos para visualizar sus ideas, dar vida a sus próximos proyectos de televisión y cine", dijo Silverman. "Y la misión de Canva es más ampliamente capacitar al mundo para diseñar".
Barker explicó que las cubiertas de tono son a menudo la primera oportunidad que los cineastas tienen para presentar su visión a las partes potencialmente interesadas. Tomarse el tiempo para seleccionar las imágenes correctas puede ser el factor diferenciador que empuja un tono sobre el borde y convence a un inversor para que lea su guión.
"Cuando las cubiertas de lanzamiento comenzaron a estar en boga, tal vez hace 10, 15 años, dije:" Oh, Dios mío, ¿por qué tenemos que hacer esto? Es un dolor ", dijo Barker. “Pero en realidad, ahora siento que es el primer paso en el proceso creativo más allá del guión. El primer paso para transmitir una visión visual, un tono, una sensación del proyecto para un financiero o un actor ".
Agin, quien ahora tiene un acuerdo general de producción con Disney, citó su experiencia como ejecutivo de estudio cuando se le preguntó qué hace un buen lanzamiento. Dejó en claro que la especificidad es clave, alentando a los cineastas a poner tanto esfuerzo en sus mazos de tono como lo harían en sus películas terminadas.
"De lo que todos hablan primero, en términos de fundamentos, es el tono y la voz", dijo Agin cuando la conversación se convirtió en imágenes de tono efectivas. “Podría haber una frialdad en muchas imágenes, que son imágenes que cuentan una historia. Pero si no cuenta una historia con un sentimiento y personalidad real, no importa ".
Cander se hizo eco de esos sentimientos, explicando que Internet ofrece a los cineastas acceso a casi todas las imágenes jamás creadas. En otras palabras, no hay excusa para no encontrar las imágenes perfectas que capturan el tono de su proyecto potencial.
“Mi parte favorita es encontrar las imágenes. Siento que a veces paso demasiado tiempo en él, pero realmente puedes bajar una madriguera de todas estas imágenes atractivas ”, dijo Cander. "Cuando encuentras los que realmente hablan de tu historia, e incluso si no encuentras específicamente, aún puedes usarlo como un punto de conversación de '' se verá así, pero luego lo haremos esto. forma.'"
Ali Foreman, Greg Barker, Nick Moceri, Jonas Agin, Jeremie Cander y Reby Silverman Rich Polk
Moceri agregó que el impacto de una buena plataforma de lanzamiento puede continuar mucho después de que se cierre un acuerdo. Al circular un conjunto de inspiraciones visuales para todas las partes involucradas durante la preproducción, los cineastas pueden garantizar que su proyecto mantenga un tono consistente durante el caos de producción que está obligado a seguir.
"Creo que el mazo es una herramienta tan importante para asegurarse de que todos estén haciendo la misma película", dijo Moceri. "Hacer películas y series de televisión son tan difíciles y si no estás remando en la misma dirección, solo te cansarán".
Una vez que hayas lanzado con éxito tu película y envuelto la producción, el próximo desafío es encontrar la distribución. El modelo clásico de estrenarse una película independiente en un gran festival y venderla a un distribuidor o streamer está cada vez más fuera del alcance de muchos cineastas, lo que ha obligado a los artistas a ser creativos para que sus películas vieran.
Afortunadamente, varios expertos estaban disponibles para compartir sus pensamientos sobre el futuro de la distribución de películas. Para el siguiente panel, Harris-Bridson se unió al director del subgénero Brian Newman, al vicepresidente senior de Tubi, adquisición de contenido y asociaciones Sam Harowitz, y Keri Putnam, un veterano de Sundance y Miramax que recientemente escribió el innovador estudio de audiencia y paisaje de cine independientes. El debate enérgico presentó algunas afirmaciones audaces sobre el estado de distribución, junto con algunas predicciones aún más audaces para los nuevos caminos que los cineastas podrían forjar por sí mismos.
Dana Harris-Bridson, Sam Harowitz, Brian Newman y Keri Putnamrich Polk
A través del subgénero, Newman a menudo se asocia con marcas como REI que normalmente no están asociadas con el entretenimiento, pero quieren poner su sello en las películas narrativas que reflejan sus valores. Hizo hincapié en que los cineastas deben darse cuenta de que el cine financiado por la marca no siempre se convierte en publicidad: puede ser una fuente alternativa de financiación para proyectos de pasión que viene con la ventaja incorporada de asociarse con vendedores inteligentes.
"Todos en el mundo independiente parecen pensar que si lo construyes, vendrán, y eso simplemente no funciona. Y esa es una de las razones por las que trabajo con las marcas, es porque entienden el marketing y pueden llevar el tráfico a algo ", dijo Newman. "Ni siquiera nos gusta llamarlo contenido de marca. Decimos que es "película financiada por la marca" o "televisión financiada por la marca", que sea que estén haciendo. Debido a que no están buscando la colocación de productos, no es un anuncio. Lo que realmente quieren es más alineación de valores ".
Putnam parecía estar de acuerdo, diciendo que en un mundo donde a menudo se siente cada vez más fácil hacer una película independiente pero más difícil que nunca para que uno vea uno, los cineastas deben ser inteligentes para asociarse con patrocinadores que saben cómo comercializar sus proyectos.
"Creo que es absolutamente justo y bastante importante que la gente comience a pensar de esa manera", dijo Putnam cuando se le preguntó sobre las colaboraciones de marca que se convierten en una vía aceptable para el cine narrativo. “No solo por el financiamiento de la película, sino también por el alcance de marketing que tiene una marca. Y solo traerlo de vuelta a la audiencia, y realmente pensar y decir: "Deberías hablar de esto".
La discusión de la película financiada por la marca habló de una lección más amplia que cada cineasta sería prudente internalizar: hay más caminos que nunca para hacer películas, y mantener una mente abierta puede presentar nuevas vías de hacer que sus proyectos realicen sus proyectos.
"Eso es lo divertido de trabajar en un lugar como Tubi, es que no hay un enfoque único para todos", dijo Harowitz. "Dependiendo de su película, la audiencia a la que ha apuntado, tal vez tenga financiamiento de una marca, tal vez haya obtenido financiamiento en otro lugar, puede venir a Tubi y explorar una asociación directa, ya sea a través de una programación exclusiva o original paso."
Si bien está claro que no existe una solución única para el problema de la distribución, los fundadores de Kino están convencidos de que ofrece una opción convincente para los cineastas independientes. La startup permite a los cineastas organizar proyecciones virtuales en vivo de programas de cine y televisión, lo que permite al público ver junto a actores y directores y conversar con ellos en tiempo real.
Dana Harris-Bridson, Daril Fannin, Brit Macrae y Austin Worrell Rich Polk
La compañía era la pieza central de un panel moderado por Harris-Bridson, a quien se unió el CEO de Kino, Daril Fannin, el COO Austin Worrell y el director de marketing Britt Macrae. Los ejecutivos dejaron en claro que ven a Kino como una oportunidad para recrear la experiencia comunitaria y la escasez de distribución teatral en un entorno de visualización en el hogar. Pero lo más importante, ven a Kino como otra flecha en el carcaj de los cineastas que buscan cortar el ruido y hacer que sus películas noten.
"Si tienes el presupuesto de Barbenheimer, está bien, eres genial. Tienes un gasto de $ 100 millones de P