Festival de otoño 2023 destacados: las 18 mejores películas de Venecia, Tiff, Telluride y NYFF

ACTUALIZADO:Con los festivales de otoño detrás de nosotros, estamos hablando del Triple Whammy de Venecia, Telluride y Toronto, además del festival de cine de Nueva York y BFI London recién envuelto, estamos haciendo un balance de las mejores películas del circuito. Si bien siempre es fácil usar los festivales de otoño como una ventana a los contendientes de los premios de este año, de los cuales_muchos_Debutó en las últimas semanas, los festivales también nos han proporcionado algunas de las mejores películas de 2023, parada completa.

Estos destacados incluyen nuevas películas de favoritos perennes como Hayao Miyazaki, Errol Morris, Bertrand Bonello, Yorgos Lanthimos, Kitty Green, Andrew Haigh, Bill y Turner Ross, y Alexander Payne. Las estrellas en ascenso tampoco son escasas, incluidas las características narrativas de la primera y segunda del ganador de TIFF, Cord Jefferson, Annie Baker y Kristoffer Borgli. Entre esta selección, las palabras como "Gem", "Masterpiece" y "Crowd-pleaser" se arrojan con regularidad, pero no sin una consideración real.

Antes, hemos elegido las 18 mejores películas de la temporada del Festival de Otoño que hemos disfrutado en los últimos días. Muchas de estas películas llegan a una pantalla, grande o pequeña, cerca de ti pronto. En resumen: borre sus calendarios.

Anne Thompson, Christian Blauvelt, Marcus Jones, Proma Khosla, Adam Solomons, Christian Zilko y Esther Zuckerman también contribuyeron a este artículo.

"Todos nosotros extraños"

Basado en una novela de Taichi Yamada de 1987, el escritor y director Andrew Haigh ha hecho unir tiernamente de una manera que resuena con su propia experiencia, "todos los extraños" comienzan con una premisa tan conmovedora que incluso la más mínima error de cálculo podría hacer que todo sea falso. Lo bueno es que la película no tiene ninguno de esos. Andrew Scott, de la fama de "Fleabag", interpreta a un guionista gay solitario llamado Adam, que también está en casa en el misterioso New London High-Rise, donde parece ser uno de los dos únicos residentes. Y no lo sabrías, el otro inquilino, Harry, se parece mucho a Paul Mescal, quien desempeña el papel con una presentación de sexo que disfraza el mismo dolor que anuncia con cada mirada (ningún actor en la Tierra es tan bueno para vender una herida abierta). A medida que los dos hombres comienzan a dejarse entrar en sus apartamentos y vidas, Adam comienza a escribir un guión sobre su infancia en los suburbios, un proceso que lo ve visitando la casa donde él (y haigh!) Creció, y comunicando con los espíritus de sus padres (Jamie Bell y Claire Foy) que realmente murieron antes de conocerlo.  

Y así, el escenario está preparado para una historia de fantasmas quejumbrosa cuyo enfoque de lo-fi hacia el más allá se acerque mucho más cerca de la melancolía de la "vida" de Hirokazu Kore-Eeda que el sentimentalismo del "campo de los sueños". Lo que no sugiere que "todos los extraños" no es un lágrimas de grado nuclear, porque es más _definitivamente_ Eso, especialmente una vez que la floreciente relación de Adam con Harry comienza a agravar la que resucita con sus padres. Pero Haigh cuenta esta historia potencialmente de Maudlin con un toque tan ligero que incluso sus mayores revelas, como un martillo de terciopelo, y su guión se hace eco de los movimientos de Adán para ser conocidos, a través del tiempo y el espacio, que la película siempre se siente arraigada en su presente emocional, incluso cuando se lanza y viene entre dimensiones. Esta es una de las mejores películas del año. _—DE_

Jeffrey Wright en "American Fiction" Orion Pictures

"Ficción americana"

Aunque no es un nombre familiar, Cord Jefferson es conocido por tener uno de los currículums más estelares de cualquier escritor de televisión que aún no ejecute su propio programa, especialmente uno que fue periodista hace menos de una década, habiendo contribuido a la "sucesión", "Master of None", "The Good Place", "Station Eleven", y ganó un Emmy por "Watchen".

Uno puede ver aspectos de todas esas experiencias se filtran en su debut como director "American Fiction", una adaptación de la novela de Percival Everett en 2001 "Erasure", sobre un autor negro de alto nivel que escribe una parodia de autoficción explotativa bajo un seudónimo que comienza a alcanzar alturas críticas y comerciales sin verlo por su trabajo anterior, una experiencia que oculta de su familia como familiares. 

Como el protagonista Thelonious "Monk" Ellison, la estrella Jeffrey Wright lidera un elenco que incluye a Sterling K. Brown, Tracee Ellis Ross, Erika Alexander, Issa Rae, actores conocidos principalmente por su trabajo de televisión en este momento en el tiempo, que son íntimamente conscientes de cómo juzgar cada golpe de la guión de Jefferson. El lanzamiento de Orion Pictures es a la vez un complemento de la multitud y un recordatorio de la multitud de que las historias estadounidenses negras pueden abarcar más que solo la adversidad histórica._—MJ_

"La bestia"

Bertrand Bonello’s audacious and astonishing sci-fi romance shape-shifts across Belle Époque Paris in 1910 to a recognizable 2014 Los Angeles, and, finally, a sterile post-pandemic future somewhere in 2044. Léa Seydoux plays a woman named Gabrielle in all three periods — first, a miserably married fin-de-siècle pianist, then an aspiring actress in Los Ángeles en la actualidad, y luego una mujer que elige tener las emociones sobrantes de sus vidas pasadas borradas a través de un tanque de inmersión de Goo tinta y un brazo robot articulado al cerebro. 

Pero su constante, su "bestia", es una búsqueda adyacente al amor, en la forma de un hombre interpretado por George Mackay. La primera corta por primera vez en 1910, una sección de Bonello se adapta fielmente de la novela de 1903 de Henry James "La bestia en la jungla", sobre un hombre que rechaza el amor porque cree que algo horrible sucederá (nunca lo hace). Luego, en 2014, Mackay interpreta a un estudiante universitario de Santa Bárbara llamado Louis Lewanski que, si siguió las noticias ese año, reconocerá inmediatamente por sus gafas de sol de Armani, posicionamiento de la cámara, range y monólogos que prometen a matar a todas las mujeres que lo rechazaron, como el asesino incel Elliot Rodger. 

Las películas del director francés Bonello suelen estar más invertidos en emociones y un concepto que realmente agitarlas en la audiencia, pero "The Beast" es una conmovedora historia de amor ya que Gabrielle sigue enfrentando varias versiones del personaje de Mackay a lo largo de su vida (s). Piense en ello como "sol eterno de la mente impecable" para los pesimistas, y con una estructura aún más impredecible que alienará al público convencional pero intriga a los que buscan un desafío. -_RL_ 

"El niño y la garza" gkids

"El niño y la garza"

¿Cómo alguien sigue una de las despedidas más grandes y profundamente sumativas que las películas hayan visto? Por definición, no lo hacen. Se jubilan, o mueren. O se retiran y _entonces_ Ellos mueren. En algunos casos raros, incluso parece que mueren _porque_ se retiraron. Y luego está el cineasta y cofundador de Studio Ghibli de 82 años, Hayao Miyazaki, siempre en una categoría suya, que está de manera formal o informal del negocio no menos de siete veces de su ilustre carrera, más recientemente después del lanzamiento de 2013 de su opus Magnum "The Wind Rises". Esa película, una película biográfica ficticia sobre el ingeniero aeronáutico Jiro Horikoshi, terminó con alguien que concluyó "Debemos vivir", a pesar de todas las cosas. Miyazaki _nuevo_ La última película (por ahora) pregunta cómo, y luego ofrece su propio tipo de respuesta.

La historia de un niño enojado y afligido llamado Mahito que pierde a su madre en un incendio en el hospital de 1943 y luego se muda al campo japonés para que su padre pueda casarse con la tía del niño, "el niño y la garza" se pone en marcha una vez que un aveño de Iago atrae a Mahito a un universo paralelo con promesas de la reunión con su madre. Ya una de las películas más hermosas jamás dibujadas, la película de Miyazaki se vuelve trascendente a partir de ese momento, resolviendo una aventura de ensueño que encuentra a su creador reflexionando desnudamente sobre su legado. Y si bien este warble de una canción de cisne puede ser demasiado franco y disperso para golpear con el poder de la fuerza de vendaval que hizo que "The Wind Rises" se sintiera como una despedida tan definitiva, "el niño y la garza" encuentran a Miyazaki tan desnudamente adiós, y para nosotros, y para el reino criado de los sueños y la locura que pronto dejará una vez que se pone a alguna manera a un bien, lo que se afirma a los que se pone más bien, que se afirma a los que se pone más bien, que se pone bien, que se afirma a los que se pone a algunos, lo que se pone más bien, que es más que se afirma a algunos, lo que se pone a algunos, lo que es más que se afirma a los que se pone a algunos, lo que es más que se pone bien. adornado con el asombro divino y la astucia de ver a un verdadero inmortal hacer las paces con su propia muerte. _—DE_

"Cierra los ojos"

Victor Erice solo ha hecho otras tres características desde su debut fascinante, pero todas están ambientadas en el espacio liminal entre la película y la realidad. Un drama inquietante similar sobre una niña cuya relación con su padre, y con la historia misma, se cambia para siempre por el descubrimiento de que estaba enamorado de una estrella de cine antes del ascenso de Franco a Power, "El Sur" de 1983 también filtró la imagen posterior de la Guerra Civil española a través de la lente de un proyector, enmarcando así el cine como un medio que conecta a las personas con sus vidas y imaginó pasados. Después de una ausencia de nueve años (corta según sus estándares), Erice regresó con "Dream of Light" de 1992, una narrativa/documental híbrido auto-reflexivo que vio a un pintor luchando por reconciliar su mortalidad finita con la atemporalidad de la creación artística. 

Más de tres décadas después, Erice ha regresado del frío con una epopeya de 169 minutos que efectivamente lo encuentra haciendo lo mismo en sus propios términos. En algunos aspectos, se siente como la película personal más desnudamente personal que ha hecho la persona de 83 años. En otros, se siente como el _solo_ Película que ha hecho alguna vez. O tal vez _todo_ de ellos. 

Estable pero en última instancia devastando por su simplicidad (y su escena absoluta de una escena final), "Close Your Eyes" no es ni una memia de cine autobiográfica a la "Fabelmans" ni un tributo de ojos llorosos a la magia de las películas en la línea de "Cinema Paradiso". Sin embargo, como por accidente y propósito divino a la vez, también se convierte en ambas cosas al final. Ubicado en los amanecer de la era de la transmisión y se filmó con la esterilidad funeraria que viene con ella, "Close Your Eyes" lamenta abiertamente la pérdida de una experiencia cinematográfica más táctil (del tipo que incluía una película real), pero solo para que pueda honrar la forma en que ciertas imágenes se están metiendo dentro de nosotros cuando se ve en las circunstancias correctas, como inextricable de nuestro ser como un alma de su cuerpo. _—DE_

"JSC"

"Dear Jassi" de Tarsem Singh Dhandwar comienza con una declaración: esta es una historia de amor. El cantante sikh Kanwar Grewal proclama esto directamente a la audiencia mientras está sentado en los exuberantes campos de Punjab, visiblemente conmovidos ya los eventos a punto de ser representados. Durante los siguientes 132 minutos, Dhandwar teje el viaje con agitación, trágico y verdadero de Jassi (Pavia Sidhu) y Mithu (Yugam Sood).

Jaswinder "Jassi" Kaur y Sukhwinder Singh "Mithu" Sidhu se conocieron en Punjab en la década de 1990 (1996 en la película, 1994 en la vida real), donde rápidamente se enamoraron. "Dear Jassi" narra su cortejo de esa primera reunión fortuita y a través de años de cartas de amor, llamadas telefónicas y un matrimonio secreto. Dhandwar y su colaborador cinematográfico Brendan Galvin sumergen instantáneamente a los espectadores en la historia, contados a través de largas tomas y una trama lenta y constante que captura la quietud de la India rural, y cómo el amor y el odio pueden sacudir esa paz a sus raíces.

Sidhu y Sood Storg desde el principio como los jóvenes amantes. Ella tiembla y se llena incluso en las felices etapas tempranas, dando la impresión de que Jassi siente tanto amor que apenas puede soportarlo, e incluso tratar de hacerlo trae lágrimas a sus ojos. Mithu de Sood es tranquilo y gentil en comparación con su determinada esposa criada en Canadá, externalizando la comodidad que Jassi siente en su compañía (también es su debut en su función). La película se queda atrás en el medio, pero el acto final y despiadado hará que anhele la simplicidad de las conversaciones circulares y la falta de comunicación a favor de lo que viene a continuación._-PAQUETE_

"Dicks: The Musical" A24

“¡Dicks! El musical "

Crédito donde se debe el crédito, los cineastas detrás de "¡Dicks! El musical ”se mostró_alguno_restricción sobre la representación de la película de los apéndices masculinos. De lo contrario, esta película A24 se va de los rieles de la mejor manera posible, proporcionando a los filmeros una introducción sucia y frívola a las estrellas de guionistas intrépidas Aaron Jackson y Josh Sharp. Subversivo parece un eufemismo cuando se trata de un musical de la película que concluye con un número de espectáculo que llama a Dios un insulto. 

Si un pensamiento protagonizado por "Beau tiene miedo" sería Nathan Lane en su Bizarro Peak este año, espere hasta que la gente lo vea cuidar precioso de los íconos culturales instantáneos de los Alcantarillados. Megan Mullaly está literal y figurativamente en su rockero, así como la otra mitad de este envío profano de "trampa para padres". Director y Línea habitual de Líne Larry Charles tiene un nuevo clásico de culto en sus manos, creando un trabajo que se siente divertido y peligroso._—MJ_

"Escenario de ensueño"

El cineasta noruego Kristoffer Borgli ("enfermo de mí mismo") está obsesionado con el efecto de Internet en el inconsciente colectivo y, a su vez, el efecto inconsciente colectivo en la autoimagen individual. En otras palabras, hace películas extremadamente en línea sobre la fama moderna. Su tercera y más completa película, la "escenario de ensueño" hilarantemente surrealista (y relativamente dulce), es una historia de advertencia al estilo Kaufman, protagonizada por Nicolas Cage como un nerd profesor universitario que comienza espontáneamente a parecer perfectos de extraños en todo el mundo en su sueño. Un meme sin un módem. Al principio es una novedad, luego es una bendición, y luego es una pesadilla. La atención es buena, pero tenga cuidado con el comprador: no tiene control sobre cómo otras personas lo ven en sus cabezas. 

Antes de que se convierta en lo que Borgli describe como uno de sus "actos constructivos de nuestro comportamiento colectivo", el "escenario de los sueños" es simplemente la mejor comedia absurda de su tipo desde "anomalisa". Borgli puede haber tenido algunos problemas para escalar el horror del cuerpo en "enfermo de mí mismo", pero la premisa elástica de su último guión no le ofrece tales problemas; Para todas las semi-comedias de alto concepto que obtenemos en estos días, Precious pocos se han divertido tanto siguiendo sus propias reglas a conclusiones lógicas. La vista de una jaula barbada de pie apatéticamente al margen cuando alguien es desgarrado por un demonio de sangre conjurado por su propio subconsciente es algo inherentemente divertido (Ari Aster es uno de los productores de la película, y sus huellas dactilares están sobre él), y el fallo general de Paul sobre la situación en su vida que está agitada es de la misma manera que el cólico confiable de Gold. Es solo cuando el papel de Pablo en los sueños de otras personas comienza a evolucionar que comienza a entretener las posibilidades completas de su fama latente, y Borgli salta de manera similar a la oportunidad de aprovecharlo al máximo. Lo que hace con esa posibilidad se ve muy diferente a, por ejemplo, lo que los Daniels crearon recientemente a partir de un escenario que permitió _a ellos_ Para violar los límites de la lógica convencional, pero los resultados del minimalismo impulsado por Borgli son casi tan alborotantes. _—DE_

"Gasoline Rainbow" cortesía de Venecia

"Gasoline Rainbow"

El último experimento de Bill y Turner Ross en el cine semi-scripto no es un documental, pero su representación de esos primeros gustos de libertad es tan preciso que bien podría ser. "Gasoline Rainbow" sigue a un grupo de cinco graduados recientes de la escuela secundaria que serpentean a través de Oregon en un intento de disfrutar de una última aventura antes de que tengan que "conseguir trabajo y mierda".

Lo que comienza como un viaje a la costa en una camioneta llena de malezas se convierte rápidamente en una caminata de 500 millas a Portland después de robar sus neumáticos. Cada distracción y desvío inútil se adopta con un nivel de entusiasmo que solo existe en el espacio liminal ocupado por aquellos que saben que todavía tienen hogares pero que ya no las quieren. "Gasoline Rainbow" es una película que trasciende constantemente su formato de novedad y finalmente emerge como una de las primeras grandes películas de carreteras para la generación de Tiktok_. —Cz_

"Border verde"

El director polaco Agnieszka Holland sabe cómo hacer películas sobre personas que se abren camino a través de la vida. "Border verde" cuenta varias historias interconectadas en y alrededor de la región fronteriza del bosque y sus alrededores entre Polonia y Bielorrusia. Nos reunimos con guardias fronterizos, activistas y refugiados. A pesar de morder un poco más de lo que puede masticar, es una introducción que afecta a una crisis poco conocida y el último caso de un cineasta maestro que nos muestra que aún pueden hacerlo.

La estreno de los festivales justo antes de una elección nacional en la que el gobierno de derecha de Polonia extendió su control sobre el poder como se esperaba, la "frontera verde" también tiene una urgencia moral más allá de su representación de las dificultades de los refugiados, que son descritos por miembros de Straż Graniczna como "turistas". Si tan solo fuera tan fácil. El gobierno bielorruso permite vuelos de partes devastadas por la guerra de África y Oriente Medio para enviar migrantes hacia Polonia, creando problemas para su vecino, un miembro de la OTAN y la Unión Europea.

La película de Holland es un llamado desesperado y transparente para que su país se apodere. Eso parece optimista, pero ciertamente está enojando a las personas adecuadas: el ministro de Justicia, Zbigniew Ziobro, cuya notoriedad como alineador duro en una línea dura le gana una caída de nombre en la película de Holanda, ya ha comparado "Border verde" con "Tercer Reich Propaganda". La película no siempre se mantiene unida en sus tres narraciones, pero sus momentos de verdadera conmoción emocional funcionan bien._-COMO_

"Alto y bajo: John Galliano" 

El documentalista Keevin MacDonald ha creado uno de los arcos de la historia de redempción más remitientes en el formato documental en la memoria reciente, con el propio Galliano como su guía poco confiable, pero nunca menos que convincente. “Fue algo desagradable, asqueroso, lo que hice. Fue horrible ", dice, de los comentarios antisemíticos que hizo, atrapado en un video, que explotó su vida a principios de 2011.

Durante una hora hasta ese grano, aparece un clip desafortunado, vemos cómo Galliano llegó allí: al convertirse en uno de los diseñadores de moda más audaces de la segunda mitad del siglo XX, alguien que contó historias a través de la tela, y cuidó múltiples adicciones a la vez. MacDonald interviene los clips de "Napoleón" de Abel Gance y "The Red Shoes" de Abel Gance y "The Red Shoes" de Pressburger para crear un retrato único de creatividad y agotamiento, y él empuja a Galliano a lugares profundamente incómodos._—CB_  

"Sus tres hijas" Netflix

"Sus tres hijas"

Katie (Carrie Coon) no puede creer que nadie consiguió que su padre no resucite la orden antes de que se deslice por la inconsciencia. Christina (Elizabeth Olsen) está revoloteando sus viejas cajas para encontrar una reconfortante camiseta de concierto de Grateful Dead. Rachel (Natasha Lyonne) tiene demasiadas apuestas y demasiadas olla para fumar para prestar demasiada atención a lo que sea que tengan sus hermanas en el nombre solo. A pocos pasos, por un pasillo corto y detrás de una puerta delgada, se encuentra a su padre (Jay O. Sanders), solo el pitido constante de las diversas máquinas que se han infiltrado en su hogar asegurándonos que todavía está, por ahora, vivo.

Otras infiltraciones juegan papeles principales en la historia de duelo de corazón cálido de Azazel Jacobs, "sus tres hijas", y esos incluyen a Katie y Christina, que han llegado para aliviar a su padre moribundo en la siguiente etapa de su existencia mientras vienen las contribuciones de su otra hermana, Rachel, que ha estado allí todo el tiempo. Y sin embargo, ninguno de ellos realmente puede verse claramente, al menos al principio, y este trío está atascado en los detalles más básicos: Katie es demasiado perra, Christina es demasiado woo-woo, Rachel es demasiado alta. Durante un tiempo, eso es lo que vemos también.

El guión de Jacobs mete los detalles de manera ingeniosa, a medida que las mujeres discuten sobre escribir el obituario de su padre, por ejemplo, encontramos una visión de la vida de su padre y una refinación adicional de la naturaleza de sus lazos, y en su mayoría los sidelas sentidos de la exposición. Es una parte de lo que están haciendo, lo que están soportando juntos, una parte necesaria de la experiencia que sirve bien a la moderación de Jacobs. ¿Pero quiénes son el uno para el otro? ¿Y quién serán después del fallecimiento inevitable de su padre? "Sus tres hijas" hacen preguntas importantes, pero las destila a esta historia precisa, las mayores preocupaciones de la vida en el joyero en miniatura._-U_

"Los remanentes"

Casi 20 años después de "Sideways", Alexander Payne se une a Paul Giamatti, quien esta vez interpreta a un profesor oculto en un internado que supervisa a un grupo de huérfanos de Navidad que no pueden ir a casa durante las vacaciones. Dirigiendo un guión del showrunner "confidencial de la cocina" David Hemingson, Payne sabe exactamente cómo calibrar la combinación de humor vanguardista y patetismo genuino que requiere esta historia. Giamatti se deleita con su cascarrabias hoscas con un corazón suave, mientras que el recién llegado Dominic Tessa encuentra el equilibrio adecuado de un gilipollas y adolescente necesitado.

Esto marca un gran regreso para Payne (después de la "reducción" de DUD de 2017), ya que "The Holtanos" ganó tanto a los críticos como al público de Toronto, obteniendo el segundo lugar en los Premios People's Choice._-EN_

"Janet Planet" A24

"Janet Planet"

En los primeros momentos de "Janet Planet", el milagro discreto de Annie Baker de un debut como director, una joven atraviesa un campo oscuro en una estructura aparentemente abandonada. Ella levanta el teléfono en la habitación de madera con poca luz y hace una afirmación impactante: se va a suicidar. Es una declaración desorientadora que hace que el espectador se cuestione inmediatamente en qué se convertirá o se convierte exactamente en esta película. También resulta ser una broma irónica que sirve como una introducción a Lacy (recién llegada Zoe Ziegler), la preadolescente maravillosamente peculiar cuya perspectiva es el motor de la película. 

Resulta que la amenaza de Lacy es vacía. Ella solo quiere que su madre Janet (Julianne Nicholson) venga a recogerla del campamento, donde se siente como una paria y usa una estratagema demasiado dramática para obtener lo que quiere. Janet, quien le da a la película su título, obliga, y es el primer vistazo de la relación codependiente fascinante e idiosincrásica que Baker da vida en su primer largometraje. "Janet Planet" está gloriosamente repleta de los detalles cuidadosamente observados de las vidas de sus personajes centrales, que están encarnados con calidez y una extrañeza entrañable por Ziegler, un descubrimiento increíble y el típicamente fantástico Nicholson, que da una de sus mejores actuaciones hasta la fecha. También marca la transición de Baker del dramaturgo anunciado en una gran voz cinematográfica. _No_

"Los campesinos" 

El tan esperado seguimiento de "Loving Vincent" del equipo de dirección casada D.K. Welchman y Hugh Welchman es algo infinitamente más ambicioso, aunque comercialmente más desafiante: una adaptación sensual y ricamente inmersiva del laureado Nobel de la novela de principios del siglo XX, "Los campesinos", sobre la vida en una aldea rural polaca. Y sí, como "Loving Vincent", esta es una película animada, con actores filmados en acción en vivo y luego 40,000 pinturas al óleo creadas en la parte superior de las imágenes fotográficas.

Donde "Loving Vincent" fue una experiencia relajante, tranquila y contemplativa, "The Pasesants" es ruidoso y descarado, impulsado por una explosión extraordinaria de canciones populares polacas dadas los ritmos propulsivos del siglo XXI por el rapero/compositor Lukasz "L.U." Rostkowski, y debe decirse, profundamente molesto. Es la historia de Jagna, interpretada con Radiant Energy de Kamila Urzedowska, cuya característica decisiva es que es la niña más hermosa de su pequeño pueblo, Lipce. Bueno, así es como todos en Lipce la definen, al menos. Lo que se desarrolla es una historia sobre la tragedia de que otros definan quién es usted, tan remota como puede parecer esta aldea del siglo XIX en Polonia, que es un tema que permanece siempre potente. Y con este estilo de animación único, hay verdades más profundas desbloqueadas aquí de las que el realismo sencillo podría proporcionar_. —CB_

"El túnel de paloma" cortesía de Apple

"El túnel de paloma"

El documentalista Errol Morris a menudo enfrenta sujetos retorcidos, desde el ganador del Oscar 2003 "La niebla de la guerra: once lecciones de la vida de Robert S. McNamara", hasta otro ex secretario de defensa, Donald Rumsfeld, para "The Unknown conocido" (2013). Para "The Pigeon Tunnel", Morris grabó cuatro días de entrevistas con John Le Carré (Neé David Cornwell) en el otoño de 2019; Probaron ser el último autor del autor. La película es una adaptación de la propia autobiografía de 2016 de Le Carré. El ex oficial de inteligencia del Reino Unido MI5 y MI6 escribió 26 novelas, 16 de las cuales se han adaptado a películas y/o televisión, incluyendo "el espía que entró del frío", "The Constant Gardener", "Tinker Tailor Soldier Spy" y "The Russia House".

Morris no está interesado en estas interpretaciones de Hollywood. La película de Morris, una mezcla de entrevistas filosóficas articuladas con recreaciones vívidas y imágenes de archivo ricas, establece las seis décadas de la vida de Cornwell en pedazos, con imágenes del túnel de paloma en su centro. Durante una visita de la infancia a un casino de Monte Carlo, Cornwell vio palomas que se mantuvieron en jaulas y arrojadas a una serie de túneles oscuros y empujados al cielo para encontrarse con una muerte casi segura, escribió: "Como objetivos para caballeros deportivos bien abatidos que estaban de pie o que estaban en espera con sus escopetas". Las palomas que escaparon de la destrucción volvieron a su gallinero, solo para ser enviados nuevamente. Morris y Cornwell son adversarios verbales bien emparejados: Morris evocó algo de emoción de Cornwell en el transcurso de las entrevistas, especialmente cuando se habla de su padre Con-Man Ronnie._-EN_

"Pobres"

Emma Stone es una mujer que comienza desde cero en la nueva y sorprendente y sorprendente característica de Yorgos Lanthimos, "pobres cosas". Para la mayoría de nosotros, la vida está compuesta por el conocimiento y las circunstancias que tardan décadas en acumularse hasta que muramos.  

Para Bella Baxter de Stone, ese proceso ocurre en movimiento muy rápido, gracias a un procedimiento de reanimación que la encuentra, una vez una mujer muerta flotando en un río, ahora viva nuevamente con el cerebro de su hijo por nacer dentro de su cabeza. Bella, née Victoria, es una respiración viva Tabula Rasa sin restricciones por presiones sociales, propiedad o sutilezas. Y Stone, en su actuación más extraña hasta la fecha, la interpreta como un niño pequeño que da sus primeros pasos y dice sus primeras palabras, hasta que al final de las "cosas pobres" está hablando francés con fluidez y estudiando anatomía, sus ojos y oídos llenos de mundanalidad. 

Audazmente realizado con un diseño de producción de color cara, los conjuntos de flexión del cerebro están llenos de suficientes irrealidad de huevos de Pascua para llenar el rompecabezas de 5,000 piezas más difícil, y los disfraces victorianos exagerados que los disfraces victorianos son muy divertidos que también se ve como si se ve hecha por una costurera esquizoide en demasiadas pestañas de ácido, "cosas pobres" también es hystericamente divertida y la película más obscena es que es probable que se vea todo el año. Lanthimos hace un picaresco sexualmente gráfico que es parte de Terry Gilliam, parte de Ken Russell, sobre la búsqueda del placer de Bella, pero también su autogestitud en un mundo patriarcal. Mark Ruffalo, Willem Dafoe y Ramy Youssef proporcionan turnos abrumadoramente hilarantes como los hombres en la vida de Bella: su ridículo amante, su creador y su posible esposo, respectivamente.  

"Poor Things" es la mejor película de la carrera de Lanthimos y ya se siente como un clásico instantáneo, mordidamente divertido, caprichoso y loco, sin precisión y sin pretensiones, lleno de tanto que adorar eso para tratar de analizar todo aquí se siente como una respuesta lamentable a las ambiciones de la película. Es una prueba de que cualquier alquimia extraña y los lantimeros están vibrando después de que "The Favorite" es el verdadero negocio. -_RL_ 

"The Royal Hotel" Neon

"The Royal Hotel"

Después de la "asistente" profundamente desconcertante de 2019 con otra colaboración de Julia Garner de 2019, la cineasta australiana Kitty Green ha decidido colocar a su actriz favorita en uno de los pocos lugares en la Tierra más peligrosos para una mujer joven que la oficina de producción de Harvey Weinstein: una barra de mierda en la ultra municipal de una municipación minera de ultratremot. _escuchó_ del movimiento #MeToo. Bienvenido a "The Royal Hotel". La buena noticia es que el personaje de Garner no está solo; Hanna está de vacaciones abiertas con su amiga Liv (Jessica Henwick) cuando los dos se quedan sin dinero en un barco de fiesta en Sydney y deciden inscribirse en el último trabajo de trabajo y viaje disponible. La mala noticia es que Liv está a punto de ser el único aliado de Hanna durante unos pocos cientos de millas en cualquier dirección, y tiende a convertirse en una responsabilidad más que una red de seguridad después de unas pocas bebidas. La señora de la oficina de trabajo advierte a estas chicas estadounidenses que podrían tener que soportar algo de atención masculina, pero eso sería como el dueño del hotel de Overlook Wendy Torrance que podría tener que soportar un caso leve de bloqueo de escritores. 

Y así, el escenario está preparado para que Green organice otra olla a presión magistralmente construida sobre los peligros de ser una mujer en el planeta Tierra, esta es mucho más pulpa y más visceral que "la asistente" (que fue una verdadera parte de la cámara), pero no menos exigente en cómo transmite la evaluación de amenazas constante requerida para una niña en la situación de Hanna para hacer que sea segura a través de la noche. Al final de su primer turno detrás del bar en el Royal Hotel, una elaborada matriz de lujuria, expectativa y derecho ya se ha establecido entre Hanna y algunos de los clientes habituales del bar. Al final de su segunda semana allí, cada cerveza a la que ha pedido que obtenga un minero particularmente aterrador, y cada sonrisa a la que se espera que sirva junto con ella, se ha vuelto tan suspenso como ver a un camión lleno de nitroglicerina hacer que la horquilla gire en "el salario del miedo"._—DE_