Dos de los contendientes de premios más poderosos y hablados de esta temporada, "Women Talking" y "Emancipation", han generado una discusión no solo por su poderoso tema sino también por el enfoque audaz e inusual que cada película llevó a su paleta de colores. Su tema y escala pueden ser diferentes: "Women Talking" es una pieza de conjunto que representa una amplia variedad de puntos de vista que tiene lugar en gran medida en un lugar, mientras que la "emancipación" es la inversa, un estudio de carácter individual establecido en el contexto del contexto de la guerra civil, pero comparten un aspecto desaturado en el que los cineastas drenaron tanto de la imagen de las imágenes que estaban en blanco y en blanco y en blanco. En ambos casos, se pensó cuidadosamente las razones detrás de la decisión de traer color de maneras altamente específicas y limitadas; Indiewire habló con los cinematógrafos detrás de ambas películas para obtener dos perspectivas diferentes sobre cómo y por qué se hizo la elección de la desaturación.
"Estás realmente obligado a inclinarte en lo que es lo más importante que sucede dentro de un marco"
"Women Talking" es la cuarta película del director de fotografía Luc Montpellier con la directora Sarah Polley, y desde el principio discutieron dar una sensación radical e intemporal a su adaptación de la novela de Miriam Toews sobre las mujeres de una remota colonia menonita en secreto para determinar su respuesta al abuso sexual extendido en su comunidad. "Sarah quería que las imágenes se sintieran tan épicas como la decisión que estas mujeres tienen que tomar", dijo Montpellier a Indiewire. "Ella quería que se sintiera casi gótico en su naturaleza, para que sientas la atemporalidad de lo que está sucediendo". Montpellier quería que el estilo visual reflejara la calidad de la vida menonita, que parece ser del pasado incluso en una historia contemporánea. "Queríamos que la audiencia se sintiera un poco desplazada de una manera que no sabían en qué período de tiempo estaban. Con suerte, lo que eso le hace al espectador los mantiene un poco más comprometidos y relacionados con la historia".
El truco era hacer que "las mujeres hablen" parecieran un período pero no_también_período. Consideraron disparar en blanco y negro, pero decidieron "se sintió tan período que se volvió demasiado distante de la audiencia". La solución era traer solo un poco de color a la imagen, un proceso en gran parte descubierto en un iPad que el director de fotografía y el director entregarían de un lado a otro, haciendo ajustes sutiles a las imágenes que el Montpellier había recogido durante la exploración de ubicación. "Sarah y yo modificamos el contraste y la saturación juntos, viniendo de un lugar muy instintivo. Solo queríamos ver cómo las imágenes nos hicieron sentir, lo que esperamos que se sienta la audiencia".
Montpellier sintió que el enfoque le dio una serie de cosas que disparar estrictamente en blanco y negro, o en colores más vibrantes, no lo habría hecho. "Cuando estábamos hablando de disparar en blanco y negro, una cosa que sentí que faltaba era la idea de que el reloj funcionara", dijo. "Que el sol se está moviendo a lo largo de la película para crear algo de tensión que viene de preguntarse cuándo regresarán los hombres. Agregar un poco de color permitió que el cambio de luz esté un poco más presente, especialmente en el atardecer y los momentos del anochecer donde la luz desaparece".
"Mujeres hablando" © Orion Pictures Corp/Cortesía de Everett Collection
Montpellier también sintió que solo un toque de color evitó que la película se volviera demasiado cruda o sombría. "No quería que la película fuera demasiado deprimente", dijo. “Tenemos ideas tan deprimentes sobre el comportamiento humano dentro de la película, pero también necesitas sentir[la colonia]Era un lugar hermoso, y dejó que la cámara saliera a los niños para recordarle a la audiencia por qué luchan las mujeres, y que es una tragedia que tienen que irse ".
Sabiendo lo importante que sería la calibración precisa del color, Montpellier trajo a la marca del temporizador de color al proyecto temprano para poder evaluar las pruebas de vestuario y ayudar a determinar cómo el color de la ropa respondería a la desaturación. Durante esas pruebas, Montpellier descubrió que la desaturación tenía un beneficio adicional: "Estás realmente obligado a apoyarte en lo que es lo más importante que sucede dentro de un marco". El director de fotografía también descubrió que tenía que encender caras de manera diferente para dar cuenta de la falta de color. "Tendría a sobreexponer a pesar de que hay mucho contraste, sabiendo que no teníamos la profundidad de color en los tonos de piel". Montpellier también prestó mucha atención a la hora del día al encender las caras, confiando en cajas suaves alrededor del set. "Todo estaba diseñado para no romper las actuaciones. Con la tecnología LED pude marcar en vivo cuán saturado sería el azul. En el set, viste un azul que era muy intenso, pero en nuestra mirada se convirtió en algo muy sutil".
Finalmente, Montpellier realmente disfrutó el desafío de encontrar la línea correcta entre el blanco y el color negro y el color. "Era una línea realmente muy fina de crear un mundo, pero no interponerse en el camino", dijo, y agregó que la pureza del aspecto le permitió a él y a Polley llegar al corazón de la historia. "Eso es lo que me encanta de la fotografía en blanco y negro. No tienes ese espectro de color, por lo que te sumerges en lo que es realmente importante. Espero que eso sea la desaturación para esta película, que es una fábula, que despojó al mundo real".
"Simplemente funcionó desde el principio"
El aspecto sorprendente de "emancipación", en el que en gran medida los marcos en blanco y negro a menudo se ve perforados por vislumbres de color en forma de llamas naranjas, sangre roja y pantanos verdes, está en línea con la filosofía general del cinematógrafo Robert Richardson sobre el cine, que él siente que debería liberarse de las elecciones individuales en términos de color, aspecto de la relación o formato. (Después de todo, este es el director de fotografía que mezcló prácticamente todos los estilo de disparar imaginables en "JFK" y "asesinos nacidos naturales"). "Creo que el formato debería cambiar con mayor frecuencia en una película", dijo a Indiewire. "No necesita permanecer 1.85 o 1.66 o 2.40, y no necesita permanecer en blanco y negro o en color. Debería oscilar más con cualquier emoción de la historia".
Al igual que "Women Talking", "Emancipation" se discutió inicialmente como una posible película en blanco y negro. "Eso fue lo primero que probamos", dijo al supervisor de efectos visuales y al director de la segunda unidad de fotografía Rob Legato a Indiewire. “Personalmente, creo que las películas de período en blanco y negro se benefician de ser filmados en color y elegir el grado de cómo rojo, verde y azul contribuirán a los tonos grises de la imagen final. La capacidad de elegir cuánto rojo se muestra en cualquier objeto rojo más brillante u oscuro en caso de caso. La contribución de Driting Blue ayudó a que los cielos sean mucho más oscuros, creando una sensación de gloreo que parecía funcionar bien para la historia ".
Una vez que Legato aterrizó en este enfoque, Richardson sugirió tratar de mezclar algo de color en el blanco y negro. "Eso se puso muy convincente como la paleta de colores para la película", dijo Legato. "Simplemente funcionó desde el principio". Para Richardson, la yuxtaposición del color y el blanco y el negro sirvió al principio general de guía del director de Antoine Fuqua. "Antoine quería que fuera brutal y hermoso", dijo Richardson. "Eso es extraordinariamente complicado de hacer". Durante las pruebas, Richardson inicialmente experimentó con teñir no solo de secuencia a secuencia sino de disparo a disparo, sino que descubrió que era demasiado pesado y cambió hacia el blanco y el negro, "periódicamente trayendo las tonalidades del fuego, algunos verdes y algunos azules para cambiar por las noches".
"Emancipación" © Apple TV/Cortesía de la colección Everett
Hicieron el equilibrio que Fuqua buscó. "Encontramos que el color a todo color creó demasiada belleza en lugar de representar la dura realidad de este paisaje infernal", dijo Legato. "Al agregar un poco de color, teníamos lo mejor de ambos mundos. No era tan simple como una desaturación general, pero cambiando artísticamente y alterando la percepción de la densidad de color según sea necesario para cada momento". Richardson y Legato a menudo descubrieron que aislar el color rojo y volver a colocarlo podría contribuir al poder de la violencia, o que podrían cambiar la paleta para transmitir el estado psicológico de la protagonista de la película, un hombre esclavizado llamado Peter (Will Smith) que escapa de una plantación de Louisiana. Es una técnica con la que Richardson y Legato han experimentado de una forma u otra en el transcurso de seis colaboraciones, incluidos "The Aviator" y "Hugo".
"Es una parte integral del proceso fotográfico y no se toma a la ligera ni se decidió más adelante en el proceso", dijo Legato. "Un colorista de los diarios cuidados a mano tiene la tarea de seguir este aspecto específico desde el primer día de la producción, a menudo situado en el lugar en un fácil acceso a Bob y a mí a diario. En su mayor parte, este aspecto lleva directamente al DI y se refina aún más una vez que las secuencias están bloqueadas".
"Me clasifico en el set", agregó Richardson. "Tenemos a alguien de la Compañía 3[Benny Estrada]en un trailer que trabaja en una resolución, y estamos calificando los diarios todos los días ”. Eso significaba que Richardson y Legato pudieron usar el color de los diarios como base para el DI en lugar de comenzar desde cero.
Además de su función estética, el aspecto en blanco y negro de la fotografía ayudó a Richardson a lidiar con el castigo de Louisiana mientras disparaba la secuencia de batalla climática. Disparando durante Covid, sus horas eran limitadas y el sol estaba justo por encima de la mayor parte del día. "No soy fanático de la luz del sol", dijo Richardson. "Siempre es demasiado rápido. Pero el blanco y negro me ayudó a superar algunos de los problemas que habría tenido en color". Finalmente, Richardson espera que el aspecto transmitiera la esperanza y la redención en el centro de la historia violenta. "El impacto estaba destinado a ser altamente espiritual. Espero que algo de eso haya aparecido".
Informes adicionales aportados por Bill Desowitz.