Gareth Edwards sabía que había algo mal después de hacerlo en 2016. Después de establecer un estilo personal de cine de guerrilla en su debut de ciencia ficción de bajo presupuesto "Monsters" (2010) y luego saltar directamente a las franquicias y "Star Wars", el director se dio cuenta de que había perdido el camino. Pero luego encontró su voz creativa combinando lo mejor de sus películas anteriores. En la moda revolucionaria, Edwards hizo que su thriller de ciencia ficción de $ 80 millones sobre una guerra futura entre la humanidad y la IA pareciera un éxito de taquilla de $ 200 millones.
"Cuando pude hacer mi primera película, creo que tuvimos alrededor de $ 250 mil dólares, y fue muy liberador", dijo Edwards a Indiewire. "Pero luego me colgaron esta zanahoria para hacer" Godzilla ", y fue como ir directamente al Super Bowl. Tuve que hacerlo. Y lo que fue fascinante para mí es que todo lo que fue realmente fácil de hacer en una película de bajo presupuesto se volvió realmente difícil en una película de gran presupuesto y viceversa. No podías simplemente moverte y viajar 300 metros y filmar allí porque tenías que moverte, como 15 camiones y cosas como esta. Pero luego, en el extremo bajo, haciendo esta pieza masiva con un espectáculo loco y muchos CGI nunca fue posible ".
La clave era encontrar ese punto óptimo entre estos dos mundos. Esto era algo que no podía lograr en "Rogue One" filmando el estilo Cinéma Vérité en lugares reales (con Tony Gilroy haciendo reorganización parcial y reescribiendo escenas adicionales con aportes de Edwards).
"Pero parecía que la llave no era solo tener un presupuesto a mitad del presupuesto porque terminaste en el problema de que no es un éxito de taquilla ni una película creativa, artística e independiente", continuó Edwards. "Y así, tienes esta cantidad de dinero para gastar, y lo que normalmente sucede es que tomas el 90 por ciento y gastas esa película, y luego tener una red de seguridad del 10 por ciento si algo sale mal. Y entonces nuestro objetivo era disparar["El creador"]con el 10 por ciento, y luego tiene el 90 por ciento como nuestra red de seguridad para obtener y[compositor]Hans Zimmer y el diseño de producción de James Clyne y todo lo demás en la publicación para crear el alcance y la escala. Al final, no era tan simple como esa división, pero esa era la premisa básica ".
Edwards llama a "The Creator" un cruce entre "Blade Runner" y "Apocalypse Now": una película sobre cómo superar la xenofobia y cuestionar si la IA es real ("más humano que humano"). Involucra a un agente de fuerzas exes especiales endurecidas, Joshua (John David Washington), quien recupera su humanidad después de conocer al objetivo que se supone que debe matar en New Asia: Alphie (Madeleine Yuna Voyles), un poderoso simulante de IA que se asemeja a una niña de 6 años.
Director Gareth Edwards en el set de "The Creator" Glen Milner
Comenzó en un viaje por carretera a Iowa, con Edwards y su novia yendo a visitar a sus padres. Fue golpeado por la imagen de una fábrica con un símbolo japonés en un campo alto de hierba. Su imaginación provocó y pensó en una fábrica de robots. Cuando llegaron a Iowa, él tenía la historia resuelto (se llamaba "amor verdadero"), que nunca había sucedido tan rápido.
Edwards adoptó el enfoque de ingeniería inversa de "Monsters", que se dio cuenta de su mundo desde cero. Primero disparó todo, sirviendo como operador de cámara principal, con una pequeña tripulación y luz natural en 80 ubicaciones en todo el sudeste asiático. El diseño de ciencia ficción fue que Walkman de los 80 se encuentra con Game Boy. Este estilo de guerrilla era mucho más controlado y eficiente, sin pantalla mocap o azul/verde. Sin embargo, el volumen de escala de estancamiento en Pinewood Studios en Londres, donde se construyeron conjuntos en las etapas, se usó únicamente para dos escenas críticas en el tercer acto a bordo de Nomad, la Estación de Defensa del Espacio Orbital.
"Queríamos disparar en países reales, en lugares reales, con personas reales", agregó. Esto permitió algunos accidentes de exploración feliz: Edwards encontró un laboratorio de aceleradores de partículas en Tailandia para una secuencia de acción que solo pudo usar porque dirigió "Rogue One". (Con mucho gusto puso a los físicos nucleares en la película a pedido). También encontró un puente de caballete de madera en Tailandia para un set crucial después de tener su corazón en filmarlo en Camboya. Este se convirtió en el momento "Bridge on the River Kwai" de la película.
"Luego, una vez que la película se editó juntos", continuó Edwards, "fue cuando me sentaba con el[VFX]diseñadores y pintar sobre las tomas para crear el mundo de la ciencia ficción en la cima. Fue todo lo contrario de cómo normalmente haces esto ”.
Edwards, quien comenzó como artista de VFX, colaboró de cerca después de la sesión con el diseñador de producción Clyne en el aspecto de los personajes de AI: los simulantes que se asemejan a los humanos, como Alphie y el soldado de Ken Watanabe, Harun y el ejército robot inspirado en los años 80, con cabezas de diferentes formas. Los simulantes fueron los más creativos, con la máscara facial, el mech en forma de circular en el costado y el espacio negativo a través del cuello y el cráneo. ILM (Producción supervisada por Jay Cooper en colaboración con el supervisor de inicio Andrew Roberts) jugó un papel en la adaptación del diseño y aplicando digitalmente la animación sobre las caras simulantes. Jugaron un papel similar con el ejército robot (que llevaba disfraces humanos hechos por el taller de Weta), reemplazando sus cabezas, manos y brazos. Pero las actuaciones de los actores permanecieron intactas.
"The Creator" cortesía de los estudios del siglo XX
"Lo que hicimos fue establecer en Photoshop un mech completamente mech bajo un cráneo, y las gargantas y todo, como un robot, y luego tuvimos al actor como una capa sobre la parte superior", dijo Edwards. “Solo probé un millón de formas diferentes de pintar las cosas y seguí las formas de la cabeza. No puedes hacer nada porque se siente extraño. Tienes que fluir con las líneas naturales que están en el cráneo y, obviamente, si estás quitando la oreja, un círculo es algo realmente obvio. Y quería que hubiera un agujero a través del cráneo porque no quería que la audiencia pensara que era prótesis. Llegamos a ese diseño en el último minuto e ILM, trabajando hacia atrás, tuvimos un punto de corte en el que necesitábamos que el modelo se bloqueara ”.
La otra innovación clave fue utilizar la ligera cámara de uso de Sony FX3 con lentes anamórficas de Atlas Mercury y Kowa Cine prominar y una relación de aspecto de 2.76: 1. Esta fue la primera vez para una película de esta magnitud, proporcionando intimidad y naturalismo, y la capacidad de disparar escenas de 30 minutos sin un corte y movimiento en 360 grados. El cinematógrafo ("Rogue One") configuró múltiples configuraciones antes de partir para "Dune: Parte Dos", y DP Oren Fofer monitoreó la iluminación de forma remota (ya que esto fue durante Covid) y operó una cámara.
"Hay algunas cosas que son únicas", explicó el director. "Uno es obviamente el factor de forma: es pequeño y realmente liviano, y es esencialmente 4K, así que eso es increíble. Pero la otra cosa era que tenía un ISO de base de 12800, y eso significaba que podíamos disparar a la luz de la luna. Y entonces tienes esta cámara muy sensible y ya no necesitas las luces gigantes, lo que en términos de la forma de filmación de guerrilla, nos permitió usar estos tubos LED para iluminar escenas. Fue muy orgánico y liberador y nunca haría otra película de otra manera ".
Hubo tanta flexibilidad que pudieron improvisar totalmente una escena temprana entre Joshua y su novia embarazada Maya (Gemma Chan) antes de que su cobertura sea volada. "Chris Weitz escribió una escena realmente genial y profunda con los dos en la cama que hablé y filmé horas de tomas", dijo Edwards. "Y sentí que no se sentía como una verdadera pareja. Y así simplemente fui: "A la mierda, olvídate de todo y diviértete, te metí el uno con el otro". Hicimos eso[burla cariñosa]Durante unos 45 minutos y no dije una palabra. Algunos de ellos fueron inventados en la publicación y comprimimos la conversación ".
Sin embargo, cuando se trataba de trabajar con los Voyles inexpertos como Alphie, el director no recibió crédito: fue como presionar un botón mágico y verla entregar la emoción adecuada. "Podría decir qué estaba sintiendo Alphie y eso era todo", dijo Edwards. "En broma me volvía al resto de la tripulación y preguntaba por qué no podían ser así".
Director Gareth Edwards en el set de "The Creator" Glen Milner
Afortunadamente, Edwards tenía uno de los grandes editores con los que trabajar: ("The Big Short"), el maestro de Caotic Cutting (ganador del Oscar "Dune" hizo la primera asamblea antes de partir hacia la secuela). "El campo increíblemente izquierdo de Hank de todos los demás, y fue increíble ver cómo funciona su mente", agregó Edwards. “Lo que era importante para mí era que era una combinación de cine clásico con este enfoque artístico y soñador.
“Y tienes que estar dispuesto a aplastar la película por completo y luego reconstruirla, aplastarla nuevamente y reconstruirla. Y Hank aplastará algo más que nadie que haya conocido. Normalmente, soy la persona que arrastra a todos del acantilado: "Vamos, tenemos que ir más allá". Hank vive en la parte inferior del acantilado ".